Cinecritica: Talentos Ocultos

TALENTOS OCULTOS (HIDDEN FIGURES, EU, 2016)

Cinta biopic demasiado edulcorada, pensada para la temporada de premios y políticamente correcta, los blancos son malos e idiotas y los negros son perfectos; santos, inteligentes, morales, etc. estos clichés son molestos porque se repiten en demasía, por ejemplo la parte donde la protagonista llega y piensan que es la que hará el aseo, lo unico que me preocupa es que en estas cintas las mujeres blancas siempre son arpías pero bueno, supongo que la culpa del pueblo hace que vean estas cintas que son conciliadores y piensen son humor que sus antepasados eran muy idiotas, dejando el tema ese de lado lo que es verdaderamente importante es la historia de las computadoras de color que ayudaron a la nasa en la carrera política espacial, y en especial de esas tres o mejor dicho de Katherine (Taraji P. Henson) cuya ayuda fue vital en el lanzamiento según la cinta.

Esta historia necesitaba una mejor película pero todo se resumió a una historia básica que intenta ser bonita en todo momento, que intenta inspirarnos, y que usa el humor cada que puede aunque se sienta forzado, Katherine es llevada a las oficinas generales donde se hacen los cálculos y demuestra que puede mas que Sheldon racista (Jim Parsons haciendo su personaje de televisión) y su equipo, Dorothy (Octavia Spencer) que con astucia se informa sobre la computadora IBM para seguir siendo indispensable, y Mary (Janelle Monae) que lucha por estudiar para aspirar a ser astronauta, la cinta simplemente transcurre mientras vemos chistes y unas mujeres que no se rinden pero que tampoco batallan mucho hasta que logran su cometido a pesar de un gobierno y sociedad racista.

Con aspectos técnicos que cumplen y artísticos inexistentes la cinta tiene un aire de producto televisivo donde el director Theodore Melfi no se nota, y con una banda sonora que queda por debajo, en cuanto a producción de epoca cumple, lo bueno es que tenemos a un actor como Kevin Costner como Al Harrison que levanta la cinta cada que aparece, que se roba cada escena en la que sale, es decir un actor de la talla y el talento de Costner es capaz de sostener la cinta por si solo aun si no es protagonista, lastima por Kirsten Dunst que saca petroleo de un personaje cliché, a pesar de mis quejas la cinta se deja ver y es simpática por lo que aguanta el palomazo.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Camino a Casa

UN CAMINO A CASA (LION, REINO UNIDO-EU, 2016)

El primer largometraje de ficción de Garth Davis es muy valorado tanto por críticos como por la audiencia general, despues de ver la cinta uno no entiende tanta algarabía pero debo aceptar que es una cinta pensada milimetricamente, no solo para ganar premios sino para ganarse al respetable, es chantajista y consciente de ello, hasta un cínico de mi categoría solté alguna lagrima al final a pesar de saber que es lo que justamente buscaba la cinta, el director logra algunos buenos momentos en fotografía, tiene una gran producción y un reparto de lujo para la historia, todo esto nos lleva a que la mayoria de las personas la sobrevolaren pero eso es algo que se cura con el tiempo, ademas la cinta no me molesta como muchas otras chantajistas porque tiene algunas virtudes.

Entre las virtudes tenemos una primera parte que cumple con buena calidad, en ella vemos al pequeño Saroo (Sunny Pawar, lo mejor de la cinta) que insiste en acompañar a su hermano con quien siempre pasa el tiempo para ganar un poco de dinero en ayuda a su madre o para disfrutar los dulces favoritos, el niño se queda dormido esperando en la estación de trenes que vuelva su hermano, se despierta y lo busca para terminar dormido de nuevo en un tren que lo lleva a kilómetros de distancia, llega a un lugar donde lo busca la mafia de trata, donde una amable mujer le pone una trampa con un disfrazado maleante, y donde llega a un difícil orfanato donde aguanta hasta que es adoptado por una idílica familia australiana que le enseña a otra vida donde se debe comer con cubiertos.

Al crecer Saroo (Dev Patel) es un profesionista exitoso con una hermosa novia (Rooney Mara), cuyo unico problema es que su madre (Nicole Kidman) sufre por el otro hijo adoptivo que no pudo abandonar sus demonios que eran mas pesados que los de Saroo, pero al recordar por medio de la comida su pasado en una de las escenas mas logradas Saroo se obsesiona con encontrar su verdadera familia, se aísla e imagina lo peor, a su hermano buscándolo, su madre sufriendo, y finalmente con la ayuda de la tecnología emprende una búsqueda que sabemos como terminara, en un final chantajistamente culpable donde nos enteramos de lo que sucedió con su hermano y con la reunión en los créditos de sus dos familias, es verdad Saroo sufrió mucho pero el destino se lo compenso son dos familias que lo aman asi que tambien por ello resulta regocijante para todos, no es buen cine, es cine que sabe que teclas oprimir.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Fragmentado

FRAGMENTADO (SPLIT, EU, 2016)

Tres adolescentes son secuestradas en un estacionamiento de alguna ciudad norteamericana por un tipo que las lleva a un pequeño cuarto, las chicas no saben para que las tiene ahi, para aprovecharse de ellas quizá, o pedir rescate o simplemente es un demente, al tiempo se dan cuenta que el tipo llamado Kevin (esforzado James McAvoy) sufre de trastorno de identidad disociativo y que varias personalidades habitan en el, 23 para ser mas específicos, la doctora Fletcher (Betty Buckley) tiene la teoria de que la mente es tan poderosa que puede causar muchas personalidades donde el sujeto no solo cambie su modo de pensar y su acento, también puede cambiar su química corporal (una de las personalidades de Kevin es diabetica) y que los limites los impone su propia mente.

Valiente decisión del director M. Night Shyamalan que de ser una gran promesa ha venido a menos durante los últimos años, y aquí no es la excepcion, la idea es interesante si aceptamos que estamos viendo cine y este es fantasía pero se fue demasiado por las ramas, ¿para que explicar tanto científicamente si sabemos que es fantasía? ¿porque tantas personalidades? son demasiadas y por ende solo conocemos algunas, no hay tanto tiempo para desarrollarlas, en la película las tres chicas tratan de escapar de todas las formas posibles aunque solo una esta preparada para un problema asi, la retraída Casey (Anya Taylor-Joy) siempre pensante y deduciendo lo que puede, haciendo planes y finalmente enfrentándose al monstruo de múltiples personalidades que preparan un sacrificio para la personalidad escondida, la llamada Horda.

La cámara siempre claustrofobica, el cuarto pequeño y oscuro, esas tomas bien pensadas, y un McAvoy muy entregado es lo que salva esta cinta que se va volviendo redundante hasta que llegamos al final que ya esperábamos, dicen por ahi que una vuelta de tuerca, la verdad no la vi porque se anuncio toda la cinta, aun asi la señorita Taylor-Joy sigue consolidándose en la industria y junto a McAvoy cargan la cinta, ese enfrentamiento final vale la pena solo por las actuaciones de ambos, lo que si fue sorpresivo fue ese momento final donde aparece David Dunn (Bruce Willis) de la mejor cinta de Shyamalan, la obra mayor "Unbreakable" (2000, M. Night Shyamalan), que con su semblante parece resignarse a enfrentar a la Horda al mismo tiempo que escucha como hablan de Mr. Glass, el mejor momento de la cinta, el mas emocionante porque nos remite al mejor cine del director, pero también el mas penoso porque vemos a un director aferrarse al pasado que ya no volverá.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Mujeres del Siglo XX

MUJERES DEL SIGLO XX (20TH CENTURY WOMEN, EU, 2016)

Casi terminando la década de los setenta tenemos al puberto Jamie (Lucas Jade Zumann) tratando de integrarse a la sociedad, de madurar, de descubrir su sexualidad, de vivir la vida aunque no tenga ni idea de como ni a donde ir, y es que Jamie no tiene un modelo masculino a quien seguir, ni lo necesita, su independiente madre Dorothea (Annette Bening, muy bien) lo ha educado toda la vida sin ayuda y siempre con moral intachable, el problema es que la misma Dorothea siente que esta perdiendo a su hijo, que ella tampoco sabe como guiarlo y educarlo sobre la vida por lo que pide la ayuda a otras dos mujeres, la artistica Abbie (Greta Gerwig) que nació justo en la epoca de los baby boomer, tan diferente a Dorothea quien viene de la guerra y la gran depresión, asi como también es muy diferente la liberal Julie (Elle Fanning) que sube a la habitación del chico para dormir sin tocarse, como dice la canción con todos menos conmigo.

Tenemos al tipo valemadrista hippie (Billy Crudup) que solo arregla cosas y pasa de una mujer a otra, entre todos intentan enseñarle sobre la vida a un Jamie que comienza poco a poco a interesarse en cosas y no solo vivir su vida sin saber que diablos hacer o pensar, desde sexualidad a menstruación, a los derechos, al feminismo, tanto que el chico se plantea seriamente si es un feminista, asi los dos, madre e hijo comienzan a entenderse a pesar de estar obligados a vivir en una misma realidad pero vista desde dos perspectivas totalmente diferentes. La voz en off del mismo adolescente nos lleva de la mano y explica todo lo que sucede mientras nos suelta algunas verdades que a veces indigestan de lo ácidas.

También tenemos la narración en off de Dorothea, que explica su vida, que se pregunta igual que el chamaco, y que como este nos dice hasta su futuro, todo esto en un guion del director Mike Mills que entrega una cinta feminista sin caer en las provocaciones y tonterías del feminismo "new age", usando a tres mujeres de diferentes épocas con diferentes pensamientos y diferente relación al protagonista que pudiera uno imaginarse es el mismo, ademas la cinta esta bien filmada, con buena recreación de epoca y con un soundtrack buenísimo, la mayor critica a ella es que alterna escenas muy buenas y su tono decae mucho en otras, es decir no lleva el ritmo normal de una cinta en in crescendo, pero esto es obvio ya que la cinta es como la vida misma, asi la quiso contar Mills y es una característica mas que un defecto.

Calificación: Interesante

Cinecritica: La La Land: Una Historia de Amor

LA LA LAND: UNA HISTORIA DE AMOR (LA LA LAND, EU, 2016)

Estamos en un terrible embotellamiento en los Angeles, todos estan tocando sus bocinas y escuchando su música favorita, en medio de este desastre una chica sale de su carro y comienza a cantar "Another Day of Sun" sobre un amor perdido y la búsqueda de un sueño, otros tipos salen y le acompañan, se van sumando poco a poco mas hasta que todos los que estan en el trafico ya estan fuera cantando y bailando, se abre el paso a una banda que ameniza todavía mas y de pronto la cámara nos muestra todo el lugar repleto de carros y a todos bailando encima de ellos, todo esto en un prodigioso plano secuencia que parece nunca terminara y donde a un servidor ya le había ganado la partida, solo por esta formidable escena la película ya valía la pena, y es que el plano no corta hasta que nos muestra a Sebastian Wilder (Ryan Gosling, bien) y Mia Dolan (Emma Stone, perfecta) y nos dice a que se dedican y como son, Sebastian con su búsqueda de perfección en la música jazz y Mia en su inseguridad como actriz.

Mia trabaja en el café de los estudios Warner donde conoce a muchas estrellas mientras sueña ser una de ellas, pero en sus audiciones falla una y otra vez, la chica se desploma pero eso no evita que sus compañeras le levanten (o intenten) el animo invitándola a una fiesta donde conocerá a todos los clichés de hollywood pero quizá conozca a ese alguien especial "Someone in the Crowd", por supuesto para Mia esta vida de lujos y grandeza falsos no le interesan y de vuelta a su casa escucha una música de un club, al entrar ve al culpable de tan bella pieza, y como lo despide su jefe Bill (J.K. Simmons casi en cameo extendido), pasamos a ver la vida de Sebastian donde el tipo conduce a través de toda la ciudad para torturarse porque en un antiguo club de jazz ahora venden tapas y bailan samba, vive como un zombie ermitaño que se aferra a su sueño de abrir un club de jazz donde se toque el verdadero jazz.

Y que por necesidad toca en el club de Bill, donde este le avisa firmemente que no cambie la lista para tocar jazz libre, algo que obviamente Sebastian no resistira, al ser despedido el tipo manda al demonio a Mia, tiempo despues Mia se topa con Sebastian en una fiesta donde este toca para una banda de peticiones, Mia en venganza pide "Ran" y se mofa de el en su cara, Sebastian la busca y le pide disculpas al mismo tiempo que tambien la pica, a terminar la fiesta Mia le pide a Sebastian que la salve y los dos buscan su carro siempre peleando a pesar de la quimica entre ellos, lo que culmina con la exquisitamente divertida "A Lovely Night" y vemos a los dos bailando tap con una vista perfecta. Sebastian va a buscarla a su trabajo donde esta le cuenta sus sueños y como inicio todo con si tia, el la anima y le cuenta sobre los suyos, cuando Mia suelta el odio el jazz la lleva a conocer el mundo de este lo que la lleva a interesarse, finalmente quedan en ir al cine a ver "Un Rebelde sin Causa".

Ese día Mia falla nuevamente en una audición pero espera con felicidad la noche olvidando que ya había quedado con su novio en una cena, pero Mia al escuchar jazz en los altavoces deja plantado a su novio y va con Sebastian donde comienza una hermosa historia de amor, con miradas, las manos buscando, los dedos jugando, el beso negado, y la ida al observatorio termina en una maravilloso bailable en el cielo nocturno (Planetarium) y en un beso que sella su amor, comienzan a vivir una idílica historia de amor disfrutando al máximo cada momento, Mia se arriesga con su sueño en un unipersonal, pero Sebastian se siente presionado a ganar dinero y dejar su sueño en pausa, por lo que acepta la oferta de Keith (John Legend) quien lo contrata para una banda de jazz actual que parece todo menos eso y donde todo es electrónico, Sebastian odia esa música pero le da dinero y fama, le gusta a las personas y le da seguridad aunque halla olvidado su sueño, algo que le recuerda Mia con amargura y que los lleva a pelear.

Atrás han quedado los días en que cantaban junto al piano "City of Stars", cada quien esta por su lado buscando su sueño aunque al final los dos se necesiten para poder conseguirlos, hasta este momento llevamos hora y media de una película muy buena, super recomendable y muy hermosa, con una fotografía magnifica, una banda sonora esplendida de Justin Hurwitz, una dirección prodigiosa de Damien Chazelle, un guion inteligente y pensado, unas actuaciones excelentes y un mensaje que es tan bello como necesario, pero entonces vemos el final donde Mia abre su corazón y canta "Audition (The Fools Who Dream)" donde Emma Stone nos rompe el corazón y nos muestra que es una actriz soberbia, ella sola, con un telon obscuro de fondo y una tenue luz para que la veamos nos cuenta cantando la historia de su tía, su historia, el sentir del director y nos gana y conmueve hasta las lagrimas desgarrando nuestro corazón y por si esto fuera poco Chazelle se da el lujo de todavía regalarnos una parte final majestuosa donde la historia de Mia y Sebastian se vuelve nostálgica, desgarradora, hermosa, conmovedora pero al mismo tiempo madura y conciliadora.

Y es que la película técnicamente es perfecta, esos planos secuencia larguísimos, las tomas perfectas, las escenas largas dejando que los actores y las locaciones hagan su trabajo, con un guion magnifico porque bebe de los clásicos del genero musical, como lo hace también el diseño artístico y el estilo, con referencias a cada minuto que son una delicia para los cinefilos, porque la historia nos remite a esos clásicos pero al mismo tiempo es actual, Chazelle escribe un guion que sirve al mismo tiempo como homenaje y actualización, porque la historia tiene algo del cinismo actual pero nunca abandona el estilo clásico, porque esta misma contradicción esta en la cinta como tema central, Sebastian ama el jazz y no quiere que se cambie su esencia pero los que tienen éxito actualmente le recriminan que el jazz es revolucionario, él no lo es, es decir Chazelle es un romántico empedernido como sus protagonistas pero al mismo tiempo no se cierra a que las cosas pueden y deben cambiar pero siempre sin perder su esencia.

Artisticamente la cinta es hermosa, los sueños, el incluir los sueños dentro de la vida común, se ve casi etéreo, con una belleza fenomenal y natural de Stone que ocupa que la empujen a lograr su sueño, de un Sebastian que abandona por un momento el suyo a causa de seguridad en su vida, ellos representan al mismo Chazelle que vio truncada su vida como baterista de jazz pero que encuentra una segunda oportunidad como cineasta y ha demostrado mucho talento, su anterior cinta "Whiplash" es una obra mayor, esta no queda lejos, tenemos aquí el amor del director por el jazz, por el cine, por los musicales, por el romanticismo, por los tiempos de antaño, por la fabrica de sueños que es L.A. a quien le dedica la cinta y hasta una canción en especifico, en parte parece material y superficial pero en el fondo la ciudad es el lugar donde nacen las estrellas, ademas la majestuosa historia de amor de Mia y Sebastian son suficientes para ver la cinta, es hermosa y nostálgica, preciosa y desgarradora, juguetona y sentimental, divertida y sufrida, y por supuesto ese final de lo que pudo pero no fue es hermoso, uno no puede mas que rendirse y llorar si es que no lo ha hecho antes y por cierto quizá sea lo mismo que piensa Chazelle del cine, tenia que haber tomado otro camino pero no por ello esta perdido, todavía se puede encontrar y pelear por la belleza y el arte en el cine y él es la muestra perfecta de ello.

Calificación: Excelente

Cinecritica: Día del Atentado

DÍA DEL ATENTADO (PATRIOTS DAY, EU, 2016)

El profesional sargento Tommy Saunders (Mark Wahlberg) esta condenado a fungir como transito el día del atentado de la maratón de Boston del 2013 por haber golpeado a un compañero policía, el tipo tiene una vida perfecta, le gusta su trabajo, y tiene una esposa perfecta en la abnegada Carol (Michelle Monaghan) pero por otro lado su profesionalidad le lleva no ser tan popular como debería, este personaje serio, hosco, entregado a su trabajo, país y sociedad forman parte integral del cine del director Peter Berg que de nueva cuenta nos entrega un relato sobre Estados Unidos, sobre sus héroes que no son superheroes sino que son el clásico héroe hawksiano que hace su trabajo de forma profesional con mucha ética. Y con este ficticio personaje se nos conduce a través de muchos otros hilos, conocemos a todos los demas personajes que nos son presentados casi de forma documental.

Los hermanos Tsarnaev preparando el ataque en la maratón, el policía Jeffrey (J.K. Simmons) que sigue su rutina, el comisionado Ed (John Goodman) que es tan duro como entregado, los políticos, cierto estudiante chino, un cursi policía que intenta conquistar a una estudiante nerd, la mujer de uno de los atacantes, y un largo etcétera, todos ellos nos son presentados de manera ágil por el director que casi de inmediato nos lleva al suspenso con el que vivimos el atentado, y de ahi a sufrir la falta de empatia de un gobierno que no sabe como actuar, pero aun asi los héroes entran en accion, un dedicado agente del FBI (Kevin Bacon) que junto a los policías antes mencionados investigan el incidente, recopilan pruebas, recorren el lugar de la explosión, entrevistan a los que pueden, consiguen los vídeos de todos los lugares y finalmente dan con los tipos que ya han comenzado la segunda parte del plan.

La película pierde un poco de fuerza aquí ya que comienza el interrogatorio con todo y tortura de la mujer del atacante, y lo demas es una corretiza que termina en una balacera muy bien filmada por Berg pero que tiene un final de los tipos muy anticlimatico, ademas ese discurso que se avienta el protagonista es totalmente innecesario, todos entendíamos y perdonábamos que la cinta fuera patriótica pero el hecho de la falta de tacto del director hecha por la borda gran parte de lo que había construido, aun asi la fuerza esta bien filmada y tiene tanta fuerza que no siempre nos mantiene atentos, le sumamos gran destreza técnica y un gran reparto y es una cinta que no deja insatisfecho.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Hasta el Ultimo Hombre

HASTA EL ULTIMO HOMBRE (HACKSAW RIDGE, AUSTRALIA-EU, 2016)

Desde el inicio Mel Gibson nos deja claro como sera su cinta, con su protagonista Desmond Doss (Andrew Garfield, excelente) diciéndonos que Dios es todopoderoso y que los que lo siguen no sufrirán gracias a Él, con unas escenas de guerra formidables donde Gibson no rehuye a las escenas sangrientas, las escenas de accion estan tan bien grabadas que uno queda estupefacto, son tan épicas que nos pone la piel de gallina, pero al mismo tiempo son tan violentas que a uno le dan ganas de apartar la vista, de cerrar los ojos, pero no podemos, lo que vemos es tan grandioso como terrible y Gibson lo graba con tal convicción y fuerza que nos vemos obligados a ser testigos de lo terrible de la guerra, pasado el prologo nos regresamos hasta la niñez de Desmond Doss donde con su hermano pasan mucho tiempo en la naturaleza, con un padre (extraordinario Hugo Weaving) veterano de la primer guerra que sufre un severo alcoholismo y que por lo mismo ejerce siempre la violencia con su familia.

El pequeño Desmond pelea con su hermano y casi lo mata con una piedra, a partir de este momento cuando el niño se acerca a Dios es cuando su fe se convierte en algo muy fuerte en su vida, ya de joven el chico pasa mucho tiempo con su familia y en la iglesia, cierto día le salva la vida a un joven y al llevarlo al hospital conoce al amor de su vida, la preciosa enfermera Dorothy (preciosa Teresa Palmer), a la que no ceja de conquistar hasta que logra su cometido en una hermosa muestra de cine de conquista que ademas es graciosa cuando debe, muy bien Gibson mostrando que puede grabar lo que sea, al tiempo Desmond decide unirse al ejercito, todos lo hacen y su hermano ya esta alla, el chico se enrola y asi conocemos a un grupo variopinto de soldados que con la llegada del sargento Howell (hilarante Vince Vaughn) nos entregan algunas escenas desternillantes.

Pero este tono dura poco, aunque Gibson nunca deja fuera el humor sin importar la situacion, cuando Doss se rehúsa a tomar un arma, el capitán Glover (Sam Worthington) intenta darlo de baja por locura, al no poder hacerlo lo presionan para que se vaya solo, despues ponen en contra a sus compañeros de artillería quienes lo dejan como santo cristo, y finalmente es llevado a corte marcial donde nadie puede hacer que cambie de decisión, al final a Doss le permiten ir a la guerra gracias a algunas salvadoras ayudas, y asi llega a Hacksaw Ridge con un ejercito norteamericano derrotado y cientos de muertos llevados como sacos de basura, el ataque inicia y con esto el infierno de la guerra, balas por doquier, explosiones en todo momento, desmembramientos por aquí y por alla, gritos, lanzallamas, misiles, ametralladoras, sacrificios, cobardías y finalmente un bombardeo sin piedad cuando los norteamericanos de nueva cuenta son vencidos.

Todo esto contado de manera excelsa por Gibson que tiene la inteligencia y la fortaleza de contar la historia de la manera correcta, de forma violenta, sin retirar ni maquillar nada, mostrando los horrores de la guerra y echándonos en cara esa violencia que deseábamos ver y de la que ahora rehuimos, con mucho gore y hasta humor negro, ese momento donde el soldado usa el la mitad de un cadáver para cubrirse las balas, y en medio de todo ese desorden, de toda esa muerte, tenemos a nuestro protagonista queriendo salvar la mayor cantidad de vidas que pueda, mas aun cuando todos se retiren Doss se queda y le pide a Dios que le diga que quiere que haga para solo escuchar los gritos de auxilio pidiendo medico de los soldados heridos, no necesita mas, a partir de este momento de forma infatigable y llevando al limite su cuerpo y mente Doss salvara a los heridos que encuentre metiéndose en la misma boca del lobo, bajándolos de uno por uno mientras con las manos destrozadas y el cuerpo agotado le implora a Dios que le ayude a salvar a uno mas.

Las convicciones de Gibson aquí estan, su fe y manera de ver la vida, no es que sea un fanático religioso que piensa que los demas estan mal como he leído por ahi, de hecho la escena de la muerte honorable de los japoneses es una muestra de su respeto hacia ellos, pero si es verdad que Gibson piensa que solo su protagonista tiene la verdad total, que es el mas digno del rebaño, que Dios esta ahi para protegerlo y ayudarle porque de esta manera le recompensa su fe, como buen católico ve el sacrificio como un modo correcto de vivir la vida y la religión, también su catolicismo explica su violencia, ¿que puede ser mas violento que criarse en un ambiente católico donde la violencia forma parte integra de la religión? y a diferencia de "Silence" del maestro Scorsese donde este vive la fe con la duda en todo momento pero siempre creyente, el cine de Gibson es como su fe, no tiene concesiones, su fe no admite dudas, Dios siempre escucha y recompensa, asi lo demuestra incluso cuando da a entender bautizo y ascensión de su personaje, cuando esta sufriendo la injusticia y la luz del sol le da una claridad etérea. Gibson filma de manera perfecta, todo es esplendido, todo es maravilloso, todo es desgarrados, todo es horrible, con una fotografía monstruosa en el buen sentido, con una banda sonora exquisita y un elenco soberbio. Algunos apuntaran que hay contradicciones, como la terquedad de Doss de ir a la guerra sin empuñar un arma, con el tipo pareciendo a veces un imbécil que no comprende la situacion, con un ejercito empeñado a destruir sus creencias, con una cinta antibelica que es sangrienta y gore y parece regodearse de ello, pero es a partir de aqui que Gibson nos regala su mejor cine, porque este es asi, porque asi es su vida y sus creencias con irrebatibles aunque le cuesten diez años de castigo sin poder dirigir, porque el también vino a sufrir a este valle de lagrimas como lo hizo Jesús por nosotros.

Calificación: Excelente

Cinecritica: Luz de Luna

LUZ DE LUNA (MOONLIGHT, EU, 2016)

Por fin me doy tiempo de revisar la que para la academia es la mejor cinta del año, es casi imposible no tener muchas expectativas en una cinta que gano tantos premios importantes y que absolutamente todos los críticos catalogan como la mejor, pero algo ya no me estaba gustando desde esas criticas, muchas dicen que es lo mejor del año pero nunca dan razones de porque, o las razones se reducen a cualidades técnicas, y la otra gran característica de la cinta según la critica es que es "necesaria", vamos que pocas veces he leído criticas tan presuntuosas, algo parecido a lo que ocurrió cuando gano "Crash" de la cual ya nadie se acuerda y me incluyo entre estos, en pocas palabras me parece que gano la corrección política por encima del buen cine y eso siempre son malas noticias para el arte, aun sin haberla visto esperaba que ganara, una cinta dramática que habla sobre homosexualidad, drogas y racismo es una apuesta segura.

La cinta esta dividida en tres partes, la primera nos cuenta la niñez de Chiron (Alex Hibbert) que todavía no sabe que es pero sufre las golpizas de los que ya lo saben, que lidia con una madre drogadicta (Naomie Harris) y que solo encuentra consuelo en Juan (Mahershala Ali ganador injustamente del oscar) y Teresa (guapa Janelle Monae), el chico ni habla pero aprende y madura bajo la tutela de Juan, la segunda parte nos muestra la adolescencia de Chiron (Ashton Sanders) que ya esta descubriendo su sexualidad y que por supuesto esta enamorado de su mejor amigo que se la pasa presumiendo sus conquistas, el chico sufre un bullying mas acusado pero esta vez se defiende cuando se siente traicionado por el amigo que se habia descubierto como su primer amor al practicarle una ayuda manual en la playa.

La tercera parte y supuestamente la mas poética es con un Chiron (Trevante Rhodes) adulto, musculoso, en apariencia rudo, y que se dedica a vender drogas, el tipo esconde su verdadero ser detrás de esta fachada pero todo cambia cuando su antiguo amor le habla por teléfono y de nuevo surgen los sentimientos de antaño. Todo esto con una fotografía hermosa, una banda sonora que cumple, tomas largas y bien hechas donde se nota el hacer del director Barry Jenkins y poco mas, es cierto que nos ofrece otra manera de ver al macho alfa negro que es delincuente, pueden ser sentimentales y homosexuales, y haber sufrido mucho, pero el guion de Jenkins nunca termino de convencerme, y aunque técnicamente es buena por momentos hasta me aburría ligeramente, y tengo la sensación que decir algo malo de ella lo llevara a uno a ser criticado a su persona y no a sus gustos, pero como resulta obvio, la cinta no me gusto en lo personal, es una critica subjetiva, y quiza solo soy yo el que no disfruta una cinta que se quiere poética y que aunque tiene momentos la mayoria del tiempo me quedo a deber.

Calificación: Regular

Cinecritica: Kubo y la Búsqueda del Samurái

KUBO Y LA BUSQUEDA DEL SAMURAI (KUBO AND THE TWO STRINGS, EU, 2016)

El cuarto largometraje de la productora Laika y el primero como director del experimentado animador de esta Travis Knight es como las anteriores una autentica maravilla, no solo técnicamente donde los animadores de Laika son intachables sino en una historia que deja particularmente sin escudos, porque ahi es donde se encuentra justamente la magia del estudio que sin duda es el que mantiene mayor nivel en sus obras, y si estoy acordándome de Pixar, en sus historias, en la forma en la que estan contadas, en darle mas valor a lo que se esta contando que a los chistes o referencias, por sus mensajes que siempre son valiosos, por contar cine como si de cine clásico se tratara dándole verdadero valor a la historia, sus personajes, sus mensajes, la forma de conectar con el espectador y ganarse un lugar en su mente y su corazón, y si a eso le sumamos que tecnicamente la cinta es perfecta, con ese stop-motion que derrocha preciosidad en cada fotograma, con un diseño de personajes perfecto e imaginativo, con la banda sonora de Dario Marianelli que nos trasporta donde nuestros personajes estan teniendo su épica búsqueda, y por supuesto con una quisquilles enfermiza por los detalles de lo que se ve en pantalla.

Ademas es la cinta mas épica de Laika pero no por ello deja la historia en segundo plano, esta me parece incluso mejor que las dos cintas pasadas, y ademas la temática japonesa es muy adecuada para el mensaje que se da, y ahora pasamos a las voces que no podrían haberse escogido mejor, con apenas un par de personajes pero de actores muy talentosos que ademas le tomaron el tono de manera perfecta a la cinta, eso si, la cinta quizá es demasiado sombría, cruel y profunda para los mas pequeños pero no por ello debe de privarseles de descubrir cine para toda la familia de la mejor calidad, vamos que si al final no sueltan las lagrimas no se que película lo logre. Al inicio vemos a una mujer que se enfrenta a unas gigantescas olas mientras una voz nos prepara para lo que viene, al final la chica logra salvar a un bebe que solo conserva un ojo.

Años despues el bebe ha crecido y se ha convertido en el joven Kubo (voz de Art Parkinson) que por el día baja al pueblo para contar historias con ayuda de su shamisen y el origami, al anochecer regresa a la cueva para cuidar a su madre Sariatu (voz de Charlize Theron) que tiene un pequeño tiempo de lucidez donde le cuenta sobre su pasado y su padre, Kubo tiene estar fuera al anochecer ya que lo encontrarían, este desobedece la orden cuando intenta platicar con su padre en un festival, las hermanas (Rooney Mara) de su madre lo encuentran y destruyen el pueblo, su madre se sacrifica para salvarlo y lo envía lejos encargándole buscar las tres piezas de la armadura para poder enfrentarse a su abuelo, el moon king (voz de Ralph Fiennes).

Es asi como comienza la épica búsqueda de Kubo junto a un mono (voz de Charlize Theron) que antes era su amuleto y que cobro vida con lo ultimo de la magia de su madre, con un origami que representa a su padre y le muestra el camino, y despues con un samurái que esta fue maldecido convirtiéndolo en un escarabajo humanoide, asi los veremos combatir con un esqueleto gigante para encontrar la espada irrompible, nadar en un terrible lago con un monstruo de múltiples ojos y mas dientes para tomar el peto impenetrable, y al final conseguir el yelmo invulnerable, ademas no solo se topan con los monstruos que resguardan estos tesoros sino que en todo momento son perseguidos por las tétricas hermanas que he de admitir si dan miedo, y por supuesto en el camino van conviviendo y se convierten en una familia, bromean, se cuidan, comen, se enseñan, pelean y hasta coquetean, es decir se convierten en la familia que Kubo nunca tuvo.

Algo que toma mucho mas valor cuando se van juntando las piezas y revelándose los secretos y asi los personajes nos importan mucho mas, hasta llegar a ese magnifico final, emocionante, lleno de accion, con una pelea impactante, técnicamente imposible, con duelo de ideologías, y todo esto para dar paso a una decisión final que nos deja atónitos y nos gana, por lo conciliador, humanista, piadoso, el amor y el perdón por encima de la venganza y la justicia, un mensaje verdaderamente hermoso, una enseñanza de un personaje que ha sufrido lo peor y que elije lo correcto aferrándose a las dos cuerdas del titulo original. Una bella y poética cinta que en todo momento es preciosa, donde cada cuadro nos asombra hasta la perplejidad, con una historia maravillosa de búsqueda de lo importante en la vida y de la madurez, y que en ningún momento renuncia al humor, sin importar la situacion que este, como apunta cierto personaje que pide una gallina que tire fuego, el humor es muy importante en una historia, y ademas esos créditos finales con "While my Guitar Gently Weeps" de "The Beatles" cantada por Regina Spektor con arreglos nos regala un deleite aun despues de la maravillosa cinta, y una probada de lo magnifico del trabajo artesanal y de amor al arte de casa Laika en su stop-motion.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Un Monstruo Viene a Verme

UN MONSTRUO VIENE A VERME (A MONSTER CALLS, ESPAÑA-EU, 2016)

Connor (Lewis MacDougall, una bienvenida sorpresa) es un niño de doce años, es decir esta madurando y dejando de ser un pequeño lo que ya de por si es difícil, pero a ello debe sumarsele que su estricta abuela (Sigourney Weaver, bastante bien) esta de visita, que abusan de el en la escuela, que todos lo evitan, que sus papas estan separados y que su débil padre tiene otra familia y finalmente que su mama Lizzie (entregada Felicity Jones) tiene cancer, el niño tiene talento para el dibujo y carga con el quehacer de la casa y el cuidado de su madre, pero es un solitario de primera que siempre esta inmerso en su mundo, ademas todo el mundo lo trata con pinzitas por su situacion y eso lo aleja todavía mas de los demas, en medio de ese desorden la abuela llega y le exige a Lizzie que hable con el niño y aclare todo, en medio de la noche a las 12:07 algo comienza a suceder, el tejo que esta junto a la iglesia y cementerio comienza a moverse, tiene vida y llega por el amenazando con contar tres historias para que despues el pequeño cuente la suya, es decir la verdad que oculta.

Con esta premisa fantástica el director J.A. Bayona cierra la trilogía maternal junto a "El Orfanato" y "Lo Imposible" sobre el amor maternofilial, y que manera de cerrar, Bayona tiene talento para dirigir, con gran sentido del tiempo y el espacio, pasando de manera hermosa las transiciones de pantalla, como en las historias hechas por acuarela que son hermosas con buen ritmo y muchos mensajes, y con esa clase para pasar del mundo real al de fantasía, si en su primer cinta había pasado del real al sobrenatural en esta lo hace del real a la fantasía o quizá la imaginación de un niño, aunque viendo ese final podemos precisar que no es asi y hay algo mas, por ello la voz del monstruo es de Liam Neeson quien es nada menos que el abuelo que endulzo un poco la vida de la abuela bruja.

Asi mientras transcurre la difícil vida de Connor el tejo llega a contarle la primer historia sobre un reino con un rey que perdió sus tres hijos y su esposa para que solo le quedara un amado nieto, al tiempo se casara con una joven mujer que resulta ser una bruja y al tiempo el rey muere en circunstancias extrañas, el nieto se enamora de una muchacha que es asesinada y el pueblo se levanta por la sangre de la bruja lo que le da la corona, mientras el monstruo le dice a Connor que rescato a la bruja y le explica lo que esta detrás de la historia y el porque de sus acciones, la segunda historia sobre un boticario malhumorado y amargado que pierde sus clientes por la llegada de la modernidad y las platicas de un clérigo que lo ataca se convierte en otra sorpresa para Connor cuando las dos hijas del clérigo se enferman y este al sentirse empujado pide la ayuda del boticario que le da la espalda al no defender sus ideales, lo que causa el enojo del monstruo que ataca el hogar del clérigo.

La tercera historia sobre el hombre invisible todavía es mas afín a Connor y finalmente la revelación de la cuarta historia, la verdad que esconde Connor y que se ve obligado a rebelar frente a las amenazas del monstruo, para este momento Bayona me tiene en sus manos y he entendido cada una de las historias, los simbolismos y los paralelismos con la vida real, me ha ganado con su brillante estilo y la emotiva banda sonora, con los efectos especiales que combinan animatronix , cgii y efectos de antaño de forma inteligente, con las actuaciones de un reparto fenomenal, con el guion de Patrick Ness basado en su propio libro, la historia del viaje de madurez de Connor aceptando que siente miedo de perder a su madre pero también que esta cansado de atenderla, que el bien y el mal estan en todos, que no todo es lo que parece, que a final de cuentas ser humano es aceptar lo bueno y lo malo, aceptar que uno tiene deseos que no siempre son entendibles y que debemos dejar ir para curarnos, y por si fuera poco Bayona despues de hacernos soltar las lagrimas nos regala un final que nos deja todavía mas maravillados si es posible.

Calificación: Muy Bien