Cinecritica: El Huevo del Ángel

EL HUEVO DEL ÁNGEL (TENSHI NO TAMAGO, JAPON, 1985)

La primera película personal de Mamoru Oshii es un deleite visual y sonoro, y si, tengo que decirlo, a mi no me molesto en absoluto sino todo lo contrario, al no tener diálogos uno puede fijarse mejor en el entorno, en los gestos de los personajes y tratar de descifrar el complejo simbolismo que encierra la cinta y que se presta para tener conversaciones y discusiones al por mayor, incluso con aquellos que diran que Oshii no dice nada y que la cinta es una tontería, y están en su derecho ya que el director no ha explicado que es lo que quería decir, ni lo hara, no le conviene si quiere que siga siendo una cinta de culto que levante ínfulas, pero en lo que nadie puede estar en desacuerdo es que el diseño de personajes es exquisito y Oshii pone diferente calidad los personajes siguiendo con el simbolismo, la dirección artística, el diseño de los lugares con ese ambiente gotico y apocalíptico es estupendo y la banda sonora por parte de Yoshihiro Kann es un deleite.

 

Estamos en un lugar destruido, ruinoso, apocalíptico como si estuviéramos en el fin del mundo, una pequeña niña con aspecto fantasmagórico (como un típico espíritu japonés) sobrevive en las entrañas de los edificios como puede cuidando un extraño huevo al que carga a todos lados, la niña junta agua y escapa de esos extraños hombres sombríos que intentan cazar unos peces sombras a los que nunca pueden tocar con sus arpones, en medio de tanta locura aparece un hombre con pinta de héroe de anime, como un samurái o vaquero que llega de la nada para poner orden en el lugar, además carga una extraña arma en el hombro que tiene la forma de una cruz, al igual que muchos de ellos raramente habla y cuando conoce a la niña nunca le responde quien es pero igual la acompaña, cuida de ella, aunque ella se muestra recelosa con él, no sabe quien es ni que quiere pero poco a poco le gana confianza y le muestra su adorado huevo.

 

El supuesto huevo del ángel que muy pronto nacera, y el tipo se convence de que es realidad cuando ve un esqueleto de lo que parece ser un ángel, lo que sigue después es una sorpresa terrible que nos plantea muchos más cuestionamientos, después de recitar la historia del arca de Noé ahora llegamos al climax con la pequeña en un grito desesperado por ayuda, su crecimiento, muerte y la aparición de más huevos ¿? mientras el extraño se aleja con su cruz a cuestas, la forma de la niña aparece en la extraña nave ojo donde hay otras tantas figuras en posición de oración y esta asciende mientras el extraño personaje camina por la playa. El significado puede ser cualquiera, se presta a todas las interpretaciones, yo lo veo por el camino bíblico/religioso ya que se toman muchas cosas de esta, la figura de Dios, de Jesús, el desprendimiento, la humanidad, los que se quedan fuera de la gloria, pero por ahí lei a alguien que ve lo contrario, el anticristo destruyendo la esperanza de la humanidad y el infierno atrapando a todos, o quiza no sea asi y Oshii solo nos quiera decir que la religión no existe y no entiende como nos tomamos tantas molestias, incluso hay algunas descabelladas como la critica a la caza de ballenas, todas igual de validas y si me quieren dar su opinión y lectura la espero porque no estoy convencido de la mia ni de ninguna otra, por lo menos no completamente.

 

Calificación: Muy Bien

Fruslerias/Humor: Sexos

Un niñito de tres años fue con su papá a ver una camada de gatitos recién nacidos. De regreso a casa, le contó ansiosamente a su mamá que eran dos gatitos y dos gatitas. “¿Cómo supiste distinguirlos?”, le preguntó su mamá. “Papá los levantó y les miró por debajo”, replicó el niño, “creo que allí tienen la etiqueta”.

Trailer: Este es el Fin

El tráiler lo dice todo y ya esta en el cine:

Cinecritica: Identidad Desconocida

IDENTIDAD DESCONOCIDA (THE BIG LEBOWSKI, EU, 1998)

Una fantástica joya de los hermanos Coen que parece que siempre aciertan, excelente film noir llevado a los extremos y al ridículo sin miedo de ningún tipo, con un reparto Coenesco y con interpretaciones maravillosas, y además el guión es inteligente y no usa trampas, y la dirección excelsa, los diálogos son ingeniosos, los secundarios magnificos y las escenas de sueños/delirios son absolutamente memorables, sin duda una excelente cinta de un genero que se olvido pero como solo los Coen pueden hacerlo, y digo esto porque en el mismo genero manejan una línea completamente diferente a lo visto, ellos mismos dicen que tomaron como inspiración a Raymond Chandler y que crearon a los personajes basados en personas que conocen y escribieron otros específicamente para que sus actores fetiches pudieran aparecer y lucirse, lastima del ridículo nombre que le pusieron aquí y que hace todavía más difícil conseguir, visionar y disfrutar esta majestuosa cinta de los Coen.

 

Con una narración de parte de Sam Elliott nos es presentado Jeff "The Dude" Lebowski (Jeff Bridges, perfecto), el tipo mas flojo y vago de los Angeles y eso es decir mucho, al llegar a su casa es atacado por dos sujetos que dicen venir a cobrar el dinero que les debe su mujer y orinan su alfombra, en el boliche el explosivo Walter (John Goodman, esplendido) le dice que le reclame al otro Jeff Lebowski, un ricachon que de seguro era el sujeto al que iba dirigido el ataque, Dude hace caso y le reclama al Lebowski (David Huddleston, muy bien) quien lo manda a la goma, ahí conoce a su mujer, la joven Bunny (adecuada Tara Reid) para después ser llamado por Lebowski ya que esta fue secuestrada y quiere que él entregue el dinero para saber si son los mismos tipos que le atacaron, Walter se mete en la negociación para apodarse del millón del rescate y echa todo a perder y además pierde el dinero cuando su auto desaparece, con esto Lebowski le echa la culpa y lo amenaza, los secuestradores también están tras él, y hasta el productor Jackie Treehorn (Ben Gazzara, bien) lo persigue porque cree que esta en conjunto con Bunny en un autosecuestro y a él le debe dinero, además de esto la hija de Lebowski, la artista feminista Maude (Julianne Moore, extraordinaria) le roba su alfombra y quiere recuperar el dinero y demostrar que su madrastra los esta engañando.

 

A pesar de lo complejo y complicado de la trama no es tan difícil seguirlo ya que esta dividido en capítulos y nunca se pierde el hilo conductor, lo que si es que estamos tan perdidos como "The Dude" en todo el embrollo, con tantas personas interesadas, tantas preguntas, tantas incognitas, algo que rompe con su simple estilo de vida jugando boliche, escuchando música y fumando marihuana, pero ya esta metido hasta el cuello y no le queda de otra que llegar hasta el final aunque sea la persona menos indicada y preparada para ello, un film noir inteligentísimo, cine negro del bueno con personajes delirantes, a los mencionados se unen Steve Buscemi como contraparte de su parlanchin personaje de "Fargo", Philip Seymour Hoffman como el asistente lamebotas de Lebowski, Peter Stormare, Torsten Voges y Flea como los secuestradores nihilistas, David Thewlis como un desquiciado artista pop, Jon Polito como detective privado, Asia Carrera como sorpresa en una revelación de la trama y John Turturro que esta simplemente magnifico como Jesús Quintana, de hecho Turturro tiene una de las mejores escenas de la cinta, su teatral presentación con otra versión de Hotel California es de lo mejor que he visto, delirante, los sueños de "The Dude" son esplendidos, el primero con Bob Dylan de fondo y aun más el segundo en una especie de musical de los treinta que se intercala con esas producciones pornográficas ambiciosas de antes con los deseos del "Dude" y que termina en plena alucinación tenebrosa, aunque la cinta esta llena de estos momentos, la llegada de "The Stranger", las peleas de Walter y Dude, cierta visita a un adolescente problema que no lleva a nada, la fiesta del productor pornográfico, las apariciones de Maude, las confrontaciones con la ley, el ridículo artista Knox, la risa de Hoffman, las pistas que no llevan a nada y las pequeñas revelaciones que lo acercan más al asunto, y por supuesto la despedida de Donny, al final "The Dude" no gana nada más que la verdad y por ello tuvo que pasar por todo, como dice en cierta parte del filme, ahora podría solo tener una alfombra orinada... pero no. Además el compañerismo que tienen Dude y Walter es muy bueno, es una historia de amistad también, de esas parejas disparejas que no se pueden olvidar, el pacifista con el violento e iracundo, algo asi como el extraño romance del vago y la artista intelectual con todo y visiones desquiciadas, ya me dieron ganas de verla de nuevo, en especial el extraño musical desquiciado.

 

Calificación: Excelente

Cinecritica: Los Cortometrajes de Pixar Vol. I

LOS CORTOMETRAJES DE PIXAR VOL. I (PIXAR SHORT FILMS COLLECTION, VOLUME 1, EU, 2007)

Esta edición de "colección" de los cortometrajes de Pixar es un deleite, tiene cortometrajes que ha hecho Pixar desde sus inicios donde estaban en pañales hasta ahora que acompañan a sus largometrajes y sirven para que prueben suerte nuevos directores, todas estos cortometrajes ya los he reseñado en el blog pero no esta de más hablar de la edición en la que se venden que vale el gasto, trece cortometrajes, la mayoría de una calidad exquisita son los que comprenden esta recopilación, todas las criticas se pueden buscar aquí mismo y darse aun más una idea de lo que me parecen, pero algo digno de mención es el documental que contiene donde vemos los inicios, el nacimiento de Pixar.

Desde como iniciaron con el sueño de Lasseter que trabajando en Apple quería hacer arte, cine específicamente y como conformo un equipo de nerds especialistas en computadoras junto a un equipo de cine para entregarnos ese sistema animado por computadora que todas han copiado, sus comienzos dando traspiés con historias sencillas y animaciones básicas, la pelea de Lasseter por querer ofrecer una historia con recursos tan limitados, los enojos de las otras secciones de Apple porque ellos eran los únicos que no hacían dinero y finalmente el despegue con el famoso corto de "Luxo Jr." donde Lasseter comenta al borde de la histeria que una leyenda de la computación se le acercaba, estaba asustado ya que no sabia mucho de programación, simplemente dirigió la historia, pero este le pregunto que si la lámpara grande era el Papa o la Mama, en ese momento Lasseter supo que lo había logrado, si alguien olvidaba su especialidad y solo pensaba en la historia es porque algo había hecho bien, el sueño había comenzado.

Muy buen documental, acompañado del plato principal que son los cortos, "The Adventures of Andre and Wally B" es quizá demasiado básico, "Luxo Jr." es una maravilla, "Red's Dream" es algo raro en el universo Pixar, "Tin Toy" es el prologo/nacimiento de "Toy Story", "Knick Knack" es una delicia al estilo de las viejas animaciones de la Warner, "Geri's Game" es muy buena, "For the Birds" no me acaba de convencer pero es agradable, "Mike's New Car" es muy divertida, "Boundin" es una buena enseñanza, "Jack-Jack Attack" es el acompañamiento perfecto de "The Incredibles", "One Man Band" tiene buena música, "Mater and the Ghostlight" es mejor que la cinta de la que nace y "Lifted" pues no me gusta mucho a decir verdad, pero en general una de las mejores compilaciones que me ha tocado ver.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Muerto al Llegar

MUERTO AL LLEGAR (D.O.A., EU, 1988)

Lo primero que le llega a la mente a uno al comenzar a ver esta cinta es que es un homenaje o un robo/plagio a alguna cinta del cine negro clásico, cuando termine de verla me entero de que es el remake del mismo nombre de 1950 del director Rudolph Maté, por desgracia no he podido ver la original pero la premisa es majestuosa, un hombre llega a una comisaria para denunciar su propio asesinato, todos lo toman como un loco pero el tipo comienza a relatar lo que le ha sucedido a partir de unos días atrás y como llego hasta este punto, después del prometedor inicio la cinta continua de buena manera pero se va perdiendo y supongo que ahí es donde esta la diferencia con la original, pareciera que tienen demasiadas vueltas de tuerca y muchas son demasiado forzadas.

También afecta el hecho de que los directores Annabel Jankel y Rocky Morton no logren una buena dirección, no hay clase en la dirección, la cámara se corta mucho y hay muchos cambios algo que no se puede perdonar en una cinta de este tipo, la fotografía funciona, principalmente en el blanco y negro pero no es suficiente para ocultar lo otro, aun asi el guión a pesar de algunas fallas y momentos de pena ajena (esa parte del pegamento en el brazo) funciona y nos deja un buen sabor de boca, vimos una cinta entretenida y con premisas que ya se olvidaron. En el flashback vemos al pesimista y acabado profesor Dexter Cornell (Dennis Quaid) quien obtuvo fama como escritor pero esta bloqueado, su esposa lo dejo y no hace caso del talento de un estudiante, pero cuando este se suicide en circunstancias extrañas y a él lo envenenen dejándole poco tiempo de vida se da cuenta que esta metido en algo grande y no sabe que es.

De la primera persona que sospecha es de una estudiante que vio por la noche y que supuestamente lo idolatraba, es asi como une a Sydney (joven y guapa Meg Ryan) en su desesperada búsqueda y además la trata con una brutalidad que recuerda a la relación de "39 Escalones", asi el escritor va descubriendo una maraña de mentiras, relaciones incestuosas, secretos por aquí y por alla y verdaderas intenciones mientras su ex es asesinada, mueren sospechosos por doquier y alguien lo persigue para matarlo, al final la cosa se resuelve pero Cornell ya no tiene salvación, esta condenado, buena trama que de pronto se va por otros lados y que al final no regresa con tanta fuerza, la relación amorosa tampoco funciona del todo pero como los protagonistas eran pareja en ese entonces quizás esta metida con calzador, mucho mejor explotada esta en la cinta de Dante, aun asi recomendable.

Calificación: Interesante

Cinecritica: Dias de Pesca

DIAS DE PESCA (IDEM, ARGENTINA, 2012)

Dicen por ahí que esta es la misma historia que siempre cuenta Carlos Sorin, no podría desmentirlo ya que es la primera cinta que veo de él pero tampoco le veo algo de malo, casi todos los directores cuentan la misma historia o sus mismas obsesiones en todas sus cintas, su manera de ver el mundo, por ejemplo ahí esta el maestro Woody Allen que casi siempre cuenta lo mismo y cada vez lo hace de forma esplendida, asi que si volvió a contar la misma historia no importa siempre y cuando logre resultados como los de aquí, en apenas ochenta minutos Sorin nos cuenta una historia de reencuentros, de perdón, de relaciones padres-hijos que la mayoría de las veces son quebradas y lo hace bien, prefiriendo las miradas, el silencio, los gestos, el entorno a los gritos, sobre dialogarse o exagerar, y con este tipo de películas se necesita un actor como el protagonista.

Con esto me refiero al estupendo trabajo de Alejandro Awada como Marco, un ex alcohólico que se dedica a las ventas y que decide pasar unos días de relajación pescando en un pequeño pueblo de la Patagonia, en el viaje conoce a personajes interesantes, un manager prepotente, una boxeadora necesitada, dependientes y empleados amables, tranquilos peruanos y los que lo llevaran a pescar rentándole el equipo, entrenándole y acompañándolo, todos personajes en el mejor sentido de la palabra, pero muy pronto nos daremos cuenta que lo que Marco en realidad busca es reanudar la relación con su hija, apenas llegando la busca, compra un regalo y suponemos tiene todo planeado para vivir una idílica relación, pero las cosas no resultan tan fáciles como pensaba, su hija a cambiado de domicilio y se ve obligado a buscarla, lo que es peor es que cuando la encuentra la cosa funciona pero a medias, pareciera que Ana (Victoria Almeida) le guarda un gran cariño pero un profundo rencor.

Cosa que Marco confirma cuando sin decir agua va lo dejan plantado y le escupen en la cara que no lo quieren volver a ver, después de eso Marco ya no tiene porque vivir y en medio de la pesca se pone muy mal, tanto que lo llevan al hospital donde vera su última oportunidad de ser feliz. Es obvio que Marco se enferma porque su estado de animo es inadecuado, su corazón destrozado afecta su cuerpo y su mente, y cuando lo dan de alta se queda con la esperanza de ver de nuevo a su hija y su pequeñito nieto que sin duda se preocuparan por él, cosa que parece no suceder en un final desalentador que en una nueva vuelta le regresa la vida y el alma al cuerpo a Marco, después de todo su hija lo sigue queriendo, pareciera que tiene una oportunidad, como no intentar pescar otra vez, y si falla lo intentara de nuevo, y de nuevo, una metáfora simbolismo donde la búsqueda de la felicidad de cada persona es algo importante aunque se usen métodos estrafalarios o desviaciones, una historia intimista, sencilla, esplendida, donde los gestos, los silencios, las tomas largas y ver la cara de Awada que esta sencillamente perfecto es lo mejor, puro cine y con secundarios que no son actores pero que igualmente fascinan.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: En Tierra de Nadie

EN TIERRA DE NADIE (NO MAN'S LAND, BOSNIA Y HERZEGOVINA, 2001)

Peliculón debutante de Danis Tanovic que de forma increíblemente inteligente critica y parodia la guerra, la sociedad y los medios de comunicación, y lo que es mejor, lo hace sin tomar partido ni tratar de dar un mensaje o enseñar algo, sin imponernos ningún pensamiento salvo el de la estupidez humana que todos ya sabemos y conocemos de antemano, asi vemos a un grupo de soldados bosnios que son imbécilmente llevados como apoyo a través de la niebla para despertar siendo blanco de los serbobosnios que sin inmutarse los liquidan, pero en medio de la una trinchera en tierra de nadie, en medio de los dos frentes queda el resentido Ciki (Branco Duric, bien) como el único sobreviviente mientras una pareja de reconocimiento va a revisar si quedo alguien con vida, estos ponen una mina antipersona debajo de un cuerpo muerto y Ciki mata a uno de ellos y toma como rehén al otro, el novato Nino (Rene Bitorajac, bien) haciendo que haga lo que quiere, incluso el ridículo y recitándole porque su lado tiene la culpa.

 

Pero las cosas cambian cuando se dan cuenta que el cuerpo que esta sobre la mina sigue vive, el pobre y centrado Cera no puede moverse sin matarse y matar a los otros dos, ocasión que aprovecha Nino para revertir la situación y ver lo mismo pero del otro lado, al final deciden hacer una tregua tensionante y los dos lados deciden pedir ayuda a los cascos azules de la ONU para que salven a los sobrevivientes pero la realidad es que la ONU es la menos interesada en resolver el conflicto y cuando ya están ahí los soldados los obligan a retirarse sin ayudar a nadie, el conflicto moral del sargento Marchand (Georges Siatidis) se ve resuelto cuando una ambiciosa reportera lo intercepta y sabe todo lo ocurrido, cosa que Marchand aprovecha para explicarle el asunto y traer a todos los medios con lo que la ONU se vera obligada a hacer algo.

 

Por supuesto que ellos nunca quedaran mal y aunque no puedan o no quieran salvar a los soldados arman un circo mediático para convencer a los medios y además poner mal a los dos países en conflicto dejándolos peor ante los ojos del mundo, asi que en medio de las peleas de los dos soldados, la malicia de la ONU, la ambición de EU, y el amarillismo de la prensa queda en contexto que la guerra obviamente es una estupidez pero que muchos salen beneficiados con ella, además eso es algo que esta en la mente de todos nosotros pero la critica social es feroz y no deja títere con cabeza ni toma bando, los soldados ni siquiera saben quien empezó, quien tuvo la culpa o porque están en guerra, por ahí se descubren unos lazos fraternales que terminan en drama debido a la terquedad, la ignorancia y el rencor de los humanos, y más aun vemos como la prensa solo quiere dinero, como busca la nota sensacionalista o como manipula las cosas para mostrar lo que les conviene y quieren cuando lo que menos les importa son las personas, ni que decir del armamentismo feroz y la ONU que es tratada como lo que es, la cuna principal de todos los problemas actuales, un lobo hambriento con piel de oveja.

 

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Camelot

CAMELOT (IDEM, EU, 1967)

El director experto en musicales de Broadway Joshua Logan no había dirigido uno en Hollywood hasta este que no fue tan bien recibido, pero anteriormente había entregado cintas muy buenas que no tenían nada que ver con musicales y eso que fue llevado al cine casi a la fuerza debido a una enfermedad del maestro John Ford, aunque esta adaptación del musical Camelot es prácticamente igual a su homónimo en el teatro no funciona tan bien en el cine, supongo que principalmente debido a su larga duración y a que reutiliza algunas canciones que no son precisamente muy buenas, aunque le fue bastante bien en las premiaciones y hasta gano premios por su banda sonora cuando se supone que no podría ya que la música ya estaba hecha para la obra musical, y por otro lado a pesar de lo que dije a mi me gusto pero los musicales son una debilidad personal y por ello señalo la duración, se que no cualquiera aguanta tres horas de un musical que además no tiene bailables ni grandes coreografías.

 

Justamente eso es lo que se extraña, da la sensación de que uno esta viendo una obra de teatro y aunque eso suponga que es muy fiel a su fuente original uno siente que se desperdicia la oportunidad de hacerla más fílmica y dejar de enfocarse en primeros planos, close-ups, o tener a una o dos personas únicamente en escena, la historia todo mundo la conoce, el triangulo amoroso entre el rey Arturo (Richard Harris, bien), la bella Guinevere (joven y bella Vanessa Redgrave) y el perfecto caballero Camelot (Franco Nero irreconocible), al inicio vemos como el Rey Arturo esta en medio de una batalla por su honor que no le trae nada bueno ni a él, ni a sus seres amados, ni a su reino, se lamenta de como comenzó esto y recuerda cuando conocio a Merlin, a Guinevere, como hizo el reino de Camelot que por sus ideales y maneras parece el pueblo más avanzado de la actualidad y como el orgulloso, soberbio y puritano Lancelot llego a entregar su vida por el rey.

Pero aqui lo más importante es la musica, es decir los numeros musicales que son el alma y la forma de la cinta, y aquí es donde la cosa se siente más quebrada que nunca, la presentación de donde estará el rey es un tema débil, mejor el siguiente de Camelot pero quizá se usa en demasia (también se cierra con el), en realidad lo mejor viene de la mano de Lancelot, primero presentándose con la divertida "C'est Moi" donde conocemos la arrogancia del personaje y después con la mejor de toda la cinta "If Ever I Would Leave You" que es una canción de esas que quedan en la mente, junto a ellas hay algunas otras divertidas como en la que se enumeran que hara la prole como dijera la familia Peña Nieto pero la mayoría son inconsistentes o se olvidan en un segundo, algo imperdonable en una cinta musical que además solo tiene una canción de coro "Guinevere", aun asi el reparto y ciertos momentos valen mucho la pena, yo vi la versión original de casi tres horas asi que no se que tanto cambie con la versión recortada de una hora menos.

Calificación: Bien

Cinecritica: Invencible

INVENCIBLE (INVINCIBLE, EU, 2006)

El debut de Ericson Core es de esas películas estilo Disney en las que se usa el éxito inesperado en el deporte para mostrarnos algunos mensajes de crecimiento y superación personal, especialmente estos son preferibles para los niños y en la mayoría de los casos son tan chantajistas y efectivos que hasta desesperan pero tienen cierta magia, en esta ocasión la historia no es precisamente para chamacos y el director tiene una dirección tan artesanal y funcional que ayuda bastante a su visionado, la cinta cuenta la historia de Vince Papale (Mark Wahlberg) una especie de Rocky de la vida real que en los setenta paso de ser un mesero en cierto bar de mala muerte a convertirse en el símbolo de la esperanza de las águilas de Philadelphia por el amor que le tenia al equipo (es un fanatico empedernido) y por las ganas que tenia de trascender.

 

Al parecer las águilas de Philadelphia tienen una racha terriblemente mala y nada parece salvarlos de tener que sufrir vergüenzas temporada tras temporada, la directiva se anima con entrenador novato (Greg Kinnear) al que le ha ido bien en ligas estudiantiles que no comienza bien la temporada pero que se arriesga llamando a cualquiera que quiera ir a probar suerte para ver si puede formar parte del equipo, esto lo hace para levantar el espíritu de los fanáticos pero se encuentra con un diamante en bruto, Papale que fue jugador esudiantil y que todavía mantiene buenos tiempos y calidad, el mesero no cree lograr nada pero es llamado y queda en espera del recorte final donde hasta el entrenador quiere cortarlo, pero que empieza a dudar cuando ve sus espíritu, sus ganas y el amor por la camiseta, algo que las estrellas del equipo no tienen.

 

Al mismo tiempo que lidia con esto trata de llevar una relación con una fanática de los Giants, la mesera Janet (Elizabeth Banks haciendo algo que le queda bien), recuperando la relación con su padre, superando el divorcio con su mujer, y resistir las envidias y problemas de sus compañeros y amigos, al final lo que sucederá es obvio pero esos minutos finales y con ese touchdown inventado uno siente que todo es posible y que la cinta funciona, por lo menos dice su discurso de manera convincente y ver en los créditos al verdadero Papale luchar a sus mas de treinta con toda el alma es de antología, además los extras del DVD son muy interesantes.

 

Calificación: Vale la Pena