Cinecritica: El Desierto Rojo

EL DESIERTO ROJO (II DESERTO ROSSO, ITALIA, 1964)

Una mujer lleva de la mano a un niño por en medio de una movilización laboral mientras de fondo vemos una fría fabrica y detrás una montaña de basura, la mujer busca que comer, lo que sea y no parece que sea por hambre o por gusto, simplemente lo hace y se desentiende mientras vemos el horripilante escenario industrial de esos que parecen sacados de los libros terroríficos de la ciencia ficción antigua, lo que nos dice Michelangelo Antonioni es directo, la industrialización y modernismo han acabado con el espíritu de la tierra, de la naturaleza y en especial del hombre que ahora solo ve como enriquecerse y abusar de los demás sin importar sobre que o quien tenga que pasar, eso es desolador pero solo es el escenario, los detalles y adornos de la verdadera carga del filme que es la perdición de una mujer que después de cierto evento olvido a vivir, dejo de vivir y solo deambula como un fantasma por todos lados, supongo que lo que mencione antes tiene que ver con su fuerte depresión asfixiante que nos aplasta pero realmente es un asunto personal y particular con el que es imposible no sentirse identificado.

 

Así que conozco a Antonioni con esta película que trata mas sobre hacernos sentir que sobre una historia dicha o un hilo narrativo que cierre todas las incógnitas que abrió, en lugar de eso nos muestra a una mujer desesperada, el verdadero y único corazón de la cinta, que se siente sofocada, deshecha, vacía, frente a la realidad que antes creyó entender pero que ahora le parece tan ajena, Giuliana (majestuosa e hipnotica Monica Vitti) tuvo un accidente automovilístico y desde entonces no puede vivir normalmente, el trauma que le creo no la deja vivir tranquila, desde aquel fatídico momento Giuliana empezó a ver la vida de diferente manera, sin sentido, vacía, carente de un significado real, un lugar donde no se puede encontrar la felicidad o por lo menos las fuerzas necesarias para aguantar el día a día, ya no se entiende ni sabe lo que quiere, no le podría interesar menos su marido y sus amistades, lo único que le queda es cuidar de su hijo a quien se apega sin cesar usándolo como pretexto de vida.

 

A pesar de las ansias depresivas Giuliana intenta luchar contra la obscuridad que se apodera de ella y seguir viviendo a pesar de no importarle, además de su hijo le queda intentar poner un negocio ella misma, algo que le entretenga y le haga pasar el tiempo mientras encuentra alguna razón para seguir pero todo esta acabado, algo se quebró dentro de ella, o quizá solamente se dio cuenta de la terrible realidad, la vida no tiene significado y no estamos aquí para nada, después de eso le parece imposible seguir, y trata de evitar la realidad a como pueda, algo que no notara su marido pero si Corrado Zeller (Richard Harris) quien ni tardo ni perezoso comienza a interesarse en Giuliana, se da cuenta de su debilidad y quiere ayudarla mientras que tampoco esconde sus deseos. Por supuesto que Giuliana intenta salir adelante, seguir su vida en familia, conservar sus amistades, criar a su hijo, no dejarse convencer por Zeller y ser feliz pero cada paso y esfuerzo solo la encierran más y la llevan más cerca de la locura para al final terminar justo como había comenzado solo que cada vez con la boquilla de oxigeno más cerrada.

 

La crónica sobre la desesperada y exasperante Giuliana es precisa y dolorosa, peligrosamente cerca de nuestros pensamientos, donde no importa como llego a donde esta por lo que no se nos muestra, sino como su realidad se ha convertido en su propio encierro, al final no sabemos si ese mundo sombrío, frio, metálico, sucio y melancólico es el real o solo el que ve Giuliana mientras los demás ven otro, y para ello Antonioni usa perfectamente el color, esta es su primera cinta a color donde la fotografía, encuadres y colores nos llevan al mundo de Giuliana y donde el rojo predomina como el único tono fuerte, símbolo de pasión, locura, lujuria y todo lo que Giuliana intenta controlar y/o tener y simplemente no lo logra, al final la cinta se convierte en un doloroso recorrido donde terminamos exasperados y desesperados, justamente como se siente la pobre Giuliana y donde simplemente vemos que todos tienen un mundo y que las relaciones humanas y la mente son mucho más poderosas que todo lo demás.

 

Calificación: Excelente

Musica: Knights of Cydonia - Muse

MUSE - KNIGHTS OF CYDONIA

Muse es una banda inglesa de rock alternativo originaria de Teignmouth, Devon. Sus integrantes desde su formación en la década de los años 90 son: Matthew James Bellamy (compositor, voz, guitarra, teclado y piano); Dominic Howard (batería y percusión); y Christopher Wolstenholme (bajo eléctrico, teclados y coros). Tras el lanzamiento de su cuarto álbum, Morgan Nicholls comenzó a colaborar con la banda durante las presentaciones en vivo, haciéndose cargo de teclados, samples, de algunos coros, rara vez del bajo y últimamente de la segunda guitarra.

La banda es conocida por sus extravagantes shows en vivo (frecuentemente considerados como 'los mejores del mundo'), por fusionar géneros musicales como el rock espacial, rock progresivo, heavy metal, música culta y electrónica en su estilo de rock alternativo, y por los excéntricos intereses de Matthew Bellamy en la conspiración global, la revolución, la astrofísica, vida extraterrestre, pensamientos humanos y la idea de un fin del mundo simbólico; temas que se ven reflejados en sus letras.

 

En 2011 la banda ganó su primer premio Grammy, al ganar en la categoría Mejor Álbum de Rock por The Resistance.

 

Black Holes and Revelations —en español: “Agujeros Negros y Revelaciones” es el nombre del cuarto álbum de estudio de la banda británica de rock progresivo, Muse, que salió el 3 de julio de 2006. Es el cuarto álbum del grupo comandado por Matthew Bellamy. De este álbum sacaron los sencillos: Supermassive Black Hole, Starlight, Knights of Cydonia, Invincible y Map of the Problematique .

 

   Éste, su cuarto trabajo de estudio, sigue la línea estilística de su anterior disco, Absolution, con un estilo musical menos agresivo y mucho más oscuro, además de contar con letras más ideológicas que en sus dos primeros trabajos. En este nuevo disco tienen cierto sonido urbano, como pone de manifiesto la canción “Supermassive Black Hole”, en la que se acercan bastante al sonido de grupos como Franz Ferdinand; sin embargo, Bellamy asegura que siempre le gustó ese estilo y que ya tenía pensado desarrollarlo antes de haberles oído.

 

   La portada del disco Black Holes and Revelations, creada por Storm Thorgerson, está ambientada en la superficie marciana, e incluye cuatro hombres sentados alrededor de una mesa con cuatro caballos en miniatura enfrente de cada uno de ellos. Según la propia banda, «estos hombres representan los Cuatro Jinetes del Apocalipsis, cada uno de ellos vestidos con un traje que representa el dolor de la humanidad».

 

"Knights of Cydonia" es un canción de la banda de rock inglesa Muse y es a su vez el tema de cierre de su álbum Black Holes and Revelations. La edición para las emisoras de radio fue por primera vez emitida el 12 de junio de 2006. La canción fue lanzada como el tercer single de Black Holes and Revelations en el Reino Unido el 27 de noviembre de 2006, entrando directamente al número 10 de la lista británica de sencillos.

 

La primera interpretación en directo de "Knights of Cydonia" tuvo lugar en un evento de la BBC Radio 1, el One Big Weekend, con sede en Dundee, Escocia el 13 de mayo de 2006. Las actuaciones en directo de "Knights of Cydonia" incluyen un falsetto más alto y claro que en la versión de estudio. En las últimas actuaciones en vivo se ha incluido una parte adicional de guitarra durante el solo del final de la canción, así como un final de guitarra proveniente del tema "Space Dementia".

Este tema, además, aparece en el videojuego multiplataforma Guitar Hero 3 publicado en noviembre de 2007 por Activision.

 

Es la canción utilizada por el grupo para cerrar sus conciertos, que suele iniciarse con una introducción de armónica, llamada popularmente "The man with the Harmonica", en homenaje a Ennio Morricone, compositor de Hasta que llegó su hora, que se acompaña después por la guitarra y la batería, que siguen hasta alcanzar el climax, momento en el que enlazan con Knights of Cydonia.

 

La canción incluye los registros más altos y más bajos del cantante Matt Bellamy complementados con toques de sintetizador y partes de trompeta en las actuaciones. El sonido de guitarra de la canción está inspirado en el número uno del año 1962 "Telstar", del grupo "The Tornados", cuyo guitarrista, George Bellamy, es padre de Matt. La canción está compuesta por diversas partes producidas y arregladas de modo distinto, como por ejemplo, el comienzo, inspirado por la música de la Commodore C64.

 

El video de "Knights of Cydonia" fue rodado en cinco días: tres en Rumanía, otro día en Londres y el quinto en Red Rock, California. Este vio la luz el 11 de julio de 2006. Fue rodado con una ambientación de los antiguos spaghetti western con toques futuristas, y con principio y créditos incluidos. Al final del video se puede ver en números romanos MCMLXXXI (1981).

El video fue dirigido por Joseph Kahn, y protagonizado por los actores británicos Russ Bain como el vaquero protagonista, Richard Brake como su antagonista (Sheriff Baron Klaus Rottingham), y Cassandra Bell en el papel de la princesa Shane Kuriyami).

 

El video sigue un argumento interesante mientras el héroe vaquero es derrotado por el vaquero de negro (antagonista), y es dado por muerto en el desierto, y en donde una mujer montada sobre un unicornio le da nueva información sobre nuevos estilos de combate en la forma de CD. Antes de que la mujer del héroe caiga del patíbulo presa por el vaquero de negro, el héroe corta la soga con un disparo. Salvándola, utiliza el CD para reflejar contra él uno de los rayos laserés de los vaqueros malos. Habiendo derrotado al malvado vaquero, el héroe cabalga hacia el amanecer con su chica.

Una breve escena en la cual Bain tiene sexo con su interés amoroso fue editada del video para su presentación en televisión. La versión completa sin censura está disponible en la página web del director.

 

Video Original

Subtitulado


Lyrics and Live

Lo Mejor del Mes: Agosto 2013

Sigo viendo cortos de Pixar que esta vez no me convencieron, y además este mes vi el largo documental sobre Marley, la meritoria opera prima de Alan Parker en nota musical, algo olvidado de George Pal al igual que otra de Eastwood, la buenísima "No" de Pablo Larraín, una locura de Takashi Miike, el fallido debut de Martin Campbell, un churro de comic, el casi regreso de la Disney al buen cine animado, la fallida cinta biopic del maestro Hitchcock, la adaptación de Tom Tykwer del exquisito libro "El Perfume" de Patrick Süskind, el regreso en grande de John Woo a China, algo olvidado de Rafelson que me recordó el buen cine negro, las vueltas que no dan a nada de la ultima película de Nanni Moretti, el clásico "Carros de Fuego", una excelsa cinta de Fatih Akin, la crónica social brasileña de Fernando Meirelles, una valiosa cinta experimental de Annaud y una joyita de Kim Ji-Woon.

 

Lo Mejor..... "Gegen Die Wand" de Fatih Akin, tremenda película de un director de raíces turcas que toma lo mejor de su país y lo une a lo alemán aunque en ningún momento toma el camino fácil, de hecho su crónica de vida sobre dos personajes tan destrozados como complejos es inaudita, asi el turco que no quiere vivir y la musulmana turca que quiere morir si no la dejan vivir como quiere se convierte en una de las mejores historias de amor que he visto en mi vida, y eso son palabras mayores.

 

Mención Honorifica..... "Akmareul Boattda" de Kim Ji-Woon, esta magnifica película toma el tema de la venganza que tan bien se trata en oriente y en especial en Corea del sur y donde el director de la mano de una esplendida historia que da vueltas y con dos actores en estado de gracia nos muestra que la venganza no lleva a nada bueno, no regresa nada, no cambia nada, solo nos destruye pero aun asi se debe llevar a cabo.

 

Segunda Mención Honorifica..... "Cidade de Deus" de Fernando Meirelles, larguísima crónica sobre las horribles barriadas brasileñas que sigue a muchísimos personajes y que no deja descansar en todo su metraje, quizá es tanto denuncia social como explotación pero como el director se lo toma con humor y todo el asunto resulta más o menos real pues uno se debe rendir ante la maestria de esta esplendida cinta.

 

Tercera Mención Honorifica..... "No" de Pablo Larraín, cinta chilena nominada al oscar que sirve como crónica de la fantástica campaña publicitaria del No que fue lo que le quito el poder a Pinochet, el uso de las cámaras y la fotografía nos sumergen en el mundo que cuenta y todo es tan ambiguo que resulta muy interesante.

 

Lo Peor.... "Spawn" de Mark A.Z. Dippe, terrible película, horripilante muestra de anticine que se debe evitar.

Cinecritica: I Saw the Devil

VI AL DIABLO (I SAW THE DEVIL - AKMAREUL BOATTDA, COREA DEL SUR, 2010)

En una escena clave de la cinta el ente vengativo y agente viudo Soo-hyun (formidable Lee Byung-hu) atrapa al depravado asesino serial Kyung-chul (hipnotico y detestable Choi Min-sik) en una dura pelea después de buscarlo por mucho tiempo pero al vencerlo justo en el momento en el que se dispone a matarlo después de noquearlo se contiene y se limita a seguir el plan que había ideado, uno que cumpla lo que prometio a su esposa asesinada, uno que le regrese con creces el sufrimiento que le hizo pasar a su mujer y que la alivie en la otra vida, y más importante aunque no lo acepte, que lo deje tranquilo a él, asi comienza el juego del gato y el raton (nunca mejor empleada la expresión) donde la venganza es el detonante de una serie de vuelcos donde los papeles se intercambian hasta su desolador final.

El director Kim Ji-Woon que ya debuto de este lado del charco con la entretenida "The Last Stand" y esta es la primer película que reviso de él y la verdad sea dicha, me dejo asombrado, esta historia de la venganza y el ciclo infinito y destructivo que comienza es impresionante, y de la mano del genero de asesinos seriales, del thriller, drama, de humor negro y hasta de noir, esta inclasificable cinta solo puede pensarse como una compleja cinta sobre la venganza como la trilogía de la venganza del mismo país y muchos más exponentes del genero que ha alcanzado su gloria en oriente y específicamente en el mismo país, y aunque pudiera ser catalogada como más de lo mismo no se podría estar más equivocado, la cinta toma la venganza como punto de partida para ofrecernos una versión dolorosa, fuerte, tremenda de la venganza y nos pone en los zapatos del protagonista haciéndonos debatir y dudar de sus acciones.

En el prologo de la cinta vemos a Soo-hyun hablar por teléfono con su guapa mujer Joo-yun (Oh San-ha) de quien esta muy enamorado y hasta deja su pose de sobriedad y seriedad para cumplirle los caprichos, Joo-yun esta esperando ayuda ya que se le poncho un neumático y sabiamente se rehúsa a recibir la ayuda de un chofer de autobús escolar que insiste en ayudarla, al tiempo el tipo vuelve y la golpea para después llevarla a un cuarto donde la asesina brutalmente haciendo odios sordos a las suplicas de la chica que confiesa estar embarazada, la policía toma cartas en el asunto porque era la hija del ex jefe Jang (Jeon Kuk-hwan) y encuentran los restos de su cuerpo en una prodigiosa escena donde todo se conjunta y donde su marido, el agente especial Soo-hyun promete venganza estando totalmente destrozado.

Soo-hyun hace lo que nadie puede hacer porque tienen que seguir las leyes, consigue de su ex suegro la lista de sospechosos, toma unos días libres porque según su jefe no hay chamba (un toque de humor negro ya que vemos que hay muchísimo), y se dispone a seguir a los sospechosos, los encuentra, los atrapa, los obliga a confesar y se entregan a las autoridades después de la terrible tortura que los hace pasar el agente, un placer culpable nos embarga a cada momento aunque no sea correcto, después atrapa al verdadero culpable y cuando lo tiene a merced lo deja vivir y sigue un plan maquiavélico donde con chunches tecnológicos lo tiene controlado (es un decir); sabe donde esta y oye lo que dice, comienza el juego del gato y el ratón donde cada vez que Kyung-chul hace algo malo aparece Soo-hyun para darle su merecido, lo golpea y tortura hasta medio matarlo y sentimos un tremendo placer culpable que nos hace dudar de nuestra moral, después de todo el agente no es un héroe, solo busca su satisfacción y no le importa que haya más victimas o sufran más personas.

Pero comprendemos la forma en que lo castiga, después de todo debe devolverle con creces el daño que le causo, asi Soo-hyun  se va convirtiendo en un monstruo como el que persigue mientras que Kyung-chul sigue exactamente igual sin importar los castigos que le impongan, el asesino serial ha encontrado al diablo que no lo deja en paz y el agente a un diablo impenetrable que no entiende ni siente nada, es la maldad pura, la misma encarnación del diablo, un sociópata-psicópata en toda la extensión de la palabra, y asi sigue el tétrico juego hasta que las cosas se salen de las manos y la situación da un vuelvo para mostrarnos un tremendo clímax y una potentísima escena final donde a Soo-hyun solo le queda desmoronarse frente a la cámara porque no se puede derrotar la maldad del diablo, esa llega, causa pena y dolor y se queda por siempre ¿acaso no puede ser combatida? una formidable historia de destrucción que se sale de madre en todo, en la violencia, en el humor, el sadismo, en la ira, en el dolor, en el guión, en la duración, y con una dirección formidable del director que graba con clase, con inteligencia, con florituras cuando las necesita, con sencillez cuando lo requiere, con una fotografía hermosa y una banda sonora impresionante que resuena con toda su fuerza hasta la imagen final, y que nos hace dudar de nuestra propia moral y de nuestra idea sencilla de la venganza marcada por Hollywood, y queda preguntas que resuenan ¿si estuviera en su lugar haría lo mismo? ¿Qué se puede hacer frente a alguien así? ¿Por qué me alegra el sufrimiento de otros? ¿Por qué lo merecen? ¿Quién me dio derecho a ser juez y verdugo? y ¿Por qué demonios solo en Corea del Sur se hacen joyas de este genero?

Calificación: Excelente

Cinecritica: La Guerra del Fuego

LA GUERRA DEL FUEGO (LA GUERRE DU FEU, FRANCIA - CANADA, 1981)

Un trio de cavernícolas neandertales, esta buscando un poco de fuego para llevarlo a su tribu que mantiene una batalla constante con los Homo Erectus por esta reliquia sagrada, en el camino se encuentran con los Homo Sapiens con quienes mantienen una extraña relación en lo que lo más interesante son las diversas relaciones sexuales que maneja el protagonista Naoh (Everett McGill) e Ika (Rae Dawn Chong) que van desde la violación al descubrimiento amoroso nuevo con un toque de comedia, ya hablare de ellas más adelante pero no cabe duda de que una cinta donde los sonidos son guturales y que todo se remite a los gestos de actores con mucho maquillaje es difícil de lograr, y la conexión que logra esta es muy buena en gran parte debido a la naturalidad que logra el director Jean-Jacques Annaud que conjunta esto con un preciosismo de imagen que nos envuelve en el imaginativo mundo al que nos lleva porque es obvio que algo así no pudo haber pasado.

 

De cualquier manera esta imaginativa guerra del fuego es una muestra de como peleamos por las cosas, en este caso por el descubrimiento más grande la humanidad, justamente por su sencillez, me refiero al fuego, y además la obra tiene un trasfondo que lleva mensaje criticando lo que sucede, siempre ha sucedido y seguirá sucediendo en la historia de la humanidad, la pelea por algo deseado, por eso que nos hará vivir mejor y mostrar supremacía sobre los demás, pero sobre todo por la búsqueda de ese don que solo nos debe pertenecer a unos cuantos, y al final la cinta se decanta sobre la importancia del conocimiento por encima de todo, como reza el refrán, dale de comer un día a un hombre y le quitaras el hambre por un día, enséñale a pescar y nunca más sufrirá hambre.

 

Claro que para llegar a esto los sufridos hombres de las cavernas deberán pasar por mucho, con un inicio de batalla entre las dos tribus mostrando las bestialidades que se siguen repitiendo hoy en día, los neandertales pierden el fuego y mandan a un trio ( Ron Perlman y Nicholas Kadi además del mencionado McGill) elegido en la búsqueda del fuego, estos se encuentran con sus enemigos, con animales prehistóricos, con los pequeños pero civilizados Homo Sapiens con una pequeña que termina uniéndose al grupo quienes después de obtener el fuego se regresan por ella porque el prota Naoh no puede vivir sin ella, son apresados por los Homo Sapiens y aquí vemos las mejores escenas, el experimento sexual, un lloroso Noah aprendiendo como hacer fuego en una escena bellísima, el despertar de la risa y finalmente la escena sexual donde Ika toma la batuta en lo que podría llamarse hacer el amor en lugar del simple rito instintivo mostrado antes, que junto a la felación curativa forman un trio tan interesante como enfermizo y natural en materia sexual, el final apreciable por lo chistoso, cómico y sentimental, una cinta valiente y ahora si que muy interesante.

 

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Cidade de Deus

CIUDAD DE DIOS (CIDADE DE DEUS, BRASIL, 2002)

Fernando Meirelles junto a Katia Lund nos entregan una película terrible, horripilante, en el mejor sentido de la palabra, una denuncia social con ritmos de samba que se mueve con una edición impecable y a un ritmo vertiginoso, y diferencia de como se usan ahora esos cambios de cámara, esa edición que brinca de uno a otro lado, y el ritmo rapidísimo para ocultar obvios defectos de historia o dirección aquí esta inteligentemente pensados para que la cinta funcione mejor y tenga mucho más impacto, pensar en "Cidade de Deus" con un ritmo pasivo y tomas largas es impensable, al mismo tiempo que el hecho de que sea un despapaye cronológicamente nos obliga a poner atención en todo momento y a cada detalle para entender a cabalidad la larga historia que abarca casi tres décadas desde el comienzo de las favelas a finales de los sesenta hasta los ochenta.

 

Basada en hechos reales la cinta resulta aun más imprescindible no solo porque lo que se muestra ocurrió (aunque obviamente algunas cosas son demasiado "casuales" y funcionan como efectos dramáticos) sino porque sigue sucediendo en la actualidad, no solo cuando se hizo la cinta sino ahora que Brasil es un hervidero de inconformes, la cinta desglosada en capítulos que en lugar de ir cronológicamente se enfocan en mostrar a cierto personaje o situación comienza desde una introducción con persecución a una gallina que nos mete de lleno en el ritmo del filme para después mostrarnos a Buscapé "Cohete" (Alexandre Rodríguez) quien desde niño no se quiso meter al crimen a pesar o debido a que su hermano estaba en cierto trio de maleantes famosos en las favelas, pero después de un robo a un motel que se sale de control se separan, uno se hace religioso, el otro se junta con una chica y termina baleado, el tercero, hermano de Cohete se mete con la esposa del soplón y termina muerto al tratar de escapar, nada menos que por el sanguinario niño Zé Pequeño (Leandro Firmino da Hora) quien perpetuo la matanza del motel.

 

En tanto Cohete esta con un grupo de hippies tratando de conquistar a la chica de sus sueños (Alice Braga) y lograr su sueño de ser un fotógrafo Ze pequeño junto a su mano derecha Bené (Phellipe Haagensen) empiezan a ganar terreno con todo y ceremonia santista-vudu con maldición incluida, Zé mata a todos sus contrincantes menos "Zanahoria" por ser amigo de Bené, y asi Zé se va haciendo de cada vez más poder y más sanguinario hasta que muere Bene´y viola a la novia de Mané (Seu Jorge) quien decide unirse a zanahoria para vengarse y asi comienza una guerra entre los dos bandos con la policía en medio y donde todos, hasta los niños pequeños cargan una pistola y se "cargan" a quien tengan enfrente, en tanto Cohete poco a poco se acerca a su sueño y un golpe de suerte con las fotografías de Zé y su gente determinan su futuro, el que se materializa con la terrible escena final donde hay una guerra literalmente y donde la policía se lleva a un líder como trofeo y suelta al otro al dejarlo "limpio" para que después sea acribillado por los "enanos" mientras en una terrible escena final vemos como estos discuten a quien deben matar para hacerse con el poder... y el ciclo vuelve a comenzar.

 

Calificación: Excelente

Musica: Going Underground - The Jam

THE JAM - GOING UNDERGROUND

The Jam fue un grupo de rock inglés de new wave de finales de los años 1970 y principios de los años 1980. Fue uno de los grupos más populares de aquella época. Llegaron a posicionar sus 18 sencillos en el Top 40 de las listas del Reino Unido, desde su debut discográfico en 1977 hasta su última canción en 1982.

 

Realizaron seis álbumes de estudio, y el último, The Gift, fue número uno en el Reino Unido. Comenzaron su andadura por 1972 de forma amateur en Woking (Surrey), lugar de origen de los componentes del grupo. A finales de 1976 se dieron a conocer en los Clubs de Londres, y grabaron sus primeros discos en plena explosión punk. Ficharon por Polydor por muy poco dinero (unas 6.000 libras), lo que no les impidió ser un grupo de gran éxito. Su primer número 1 fue el single Going Underground, editado el 14 de marzo de 1980, que llegó al lugar número 1 en la primera semana, algo que antes solamente habían conseguido Elvis Presley, Beatles, y Slade.

 

La popularidad del trío fue especialmente importante en el Reino Unido, donde fueron considerados artistas de primerísimo nivel y rivalizaron con The Clash. Fuera de sus fronteras también tuvieron bastante éxito en países del centro y norte de Europa e incluso finalmente en Japón. En cambio, a pesar de intentarlo con algunas giras, no conquistaron el mercado americano, quizá por el muy marcado carácter inglés de las letras y del estilo de la banda, en un momento en que a pesar de existir el género new wave en América, la moda y gustos musicales en los EE.UU. se movían en otras direcciones.

 

Liderados por Paul Weller, revivieron el movimiento mod de grupos de mediados de los 60 como The Who o The Small Faces, tanto en la estética como en lo musical, facturando en sus inicios un R&B duro y directo, con influencias de Dr. Feelgood y John Mayall. Otras influencias que se dejan ver a lo largo de su carrera son The Kinks, The Beatles, y el soul de los sellos discográficos Stax, Atlantic, y Tamla Motown.

 

Instrumentalmente, la banda estaba perfectamente compensada: La particular voz y forma de tocar la guitarra de Paul Weller, muy bien secundada por la sección rítmica de bajo y batería de Bruce Foxton y Rick Buckler, amén de las no menos importantes segundas voces de Foxton. Especialmente notorias son las letras de Paul Weller, que fue madurando en sus composiciones. Letras que hablan de las relaciones personales, las inquietudes de los jóvenes, los sentimientos íntimos del ser humano, y muchas otras en las que se refleja fielmente las glorias y miserias de la sociedad británica de la época. Aparte de las geniales y ácidas composiciones de Paul Weller, The Jam imbuían una fuerza espectacular en sus versiones de clásicos del rock y del soul. En sus actuaciones en directo, The Jam trasladaban toda su energía a un público entregado con el grupo. La mezcla de todos estos ingredientes, pasados con maestría por el tamiz del punk y la new wave, dieron lugar a una de las mejores bandas de rock inglés de la época.

 

Al igual que The Jam nunca negaron las raíces musicales sobre las que se construía su música, siendo justos con la banda se deben reconocer las influencias que ellos ejercieron, tanto en lo musical como en el terreno de la actitud. Grupos de la new wave como Generation X ó Barracudas se fijaron en su manera de hacer las cosas, y John Weller y Bruce Foxton produjeron un disco de The Vapors. El mencionado revival mod de finales de los años 70 no hubiese existido tal cual sin la existencia de los Jam. Bandas como Secret Affair, Merton Parkas, The Lambrettas, The Chords, etc. comenzaron a grabar sus discos dos o tres años después de la publicación de In The City, y en el momento en que The Jam eran ya un grupo de éxito, al igual que el estreno también posterior de la película Quadrophenia en 1978. Uno de los principales grupos de los años 80, The Smiths, en algo de los de Woking debieron reparar. Mientras tanto en España lo hacían no sólo grupos mods como Los Elegantes o Brighton 64 y posteriormente Los Sencillos y Los Flechazos, también otros grupos de la nueva ola o Movida, como Los Bólidos ó Los Nikis. En los 90, Oasis, Blur y Supergrass, son ejemplos de bandas que siguieron la tradición inglesa de Beatles, Kinks, y The Jam. Al comienzo del nuevo milenio los casos más claros de afección a los de Woking los tenemos en Libertines, Babyshambles y Arctic Monkeys.

 

Video

Lyrics


Live

Cinecritica: Contra la Pared

CONTRA LA PARED (GEGEN DIE WAND, ALEMANIA - TURQUIA, 2004)

Me toco conocer a Fatih Akin con su aclamada cuarta película, y debo decir que me gusto muchísimo, es una gran historia de amor, uno de los mejores romances que he visto en los últimos tiempos, y ¿Por qué no decirlo? de toda mi vida, digan lo que digan las mujeres las historias de romances melosos no tienen ni cercanamente la grandeza que tienen estas historias más cercanas a la realidad, de amores imposibles que navegan por todos los sectores posibles y que nunca sabemos por donde iran y mucho menos como terminaran, y además Akin es un magnifico director con el talento y la inteligencia para saber donde poner la cámara, como grabar todas las escenas, y para hacer un trabajo de edición que roza la perfección, y además nos regala una separación de capítulos que son hechos por un grupo de músicos turcos que a orillas del Bósforo nos regalan canciones típicas turcas que son majestuosas y que por si fuera poco no están gratuitamente sino que la letra de la canción y la melodía tienen que ver con el siguiente capitulo, con lo que viene y asi hasta que cierra la cinta de manera impecable, y me quedo corto.

 

Comienza la cinta y lo primero que vemos es el amanecer junto a esos seis músicos y la cantante que nos regalan una canción de una mujer tempestuosa que atormenta a un hombre para después entrar en la historia donde el vago Cahit Tomruk (Birol Ünel, excelente y totalmente metido en su papel) vive su día borracho o drogado o las dos cosas mientras sobrevive limpiando cierto antro de "arte" y donde no tiene una vida social más alla de un amigo y una medio novia, durante una noche en su carro Cahit simplemente decide chocar contra la pared, después en cierto hospital especializado en personas suicidas Cahit entra con un doctor que le dice que para acabar con su vida no ocupa suicidarse, Cahit lo entiende pero no tiene intención de cambiarla pero ahí conoce a Sibel (Sibel Kekilli sorprendentemente fresca y fantástica), una joven turca que también vive en Alemania y que de buenas a primeras le pide que se case con ella por la simple razón de que es turco y su familia lo aceptaría, dándole a ella la libertad que no gano ni con el intento de suicidio, y es que Sibel quiere ser libre, tener una vida donde pueda salir y estar con muchos hombres donde su familia no la golpeé o amenace y si para esto tiene que chantajearlo con otro intento de suicidio, bienvenido, con todo y que Cahit hasta le aconseja como hacerlo bien.

 

Después de otro interludio musical vemos a Cahit decidiendo que se casara con ella, esta parte es la más cómica de la cinta, como si de una comedia romántica se tratara Cahit va a pedir su mano en una escena hilarante, los novios se casan en una total farsa y empiezan a vivir una vida feliz donde Sibel gana su libertad y Cahit una compañera que lo ayuda a limpiar y a vivir, pero de ahí pasamos al siguiente capítulo donde Cahit y Sibel se empiezan a enamorar, él no soporta verla con otros hombres a pesar de que tampoco es fiel, ella empieza a quererlo y quiere comprender porque es tan infeliz, obviamente esta relacionado con la muerte de su esposa fallecida, y asi comienzan a acercarse, de tener una cena de pareja, a casi hacer el amor lo que consumaría el matrimonio lo que no esta en los planes, a tener celos de todos y de todo, y cuando parece que las cosas por fin se van a arreglar (ya que nosotros sabemos que el cuarentón y la veinteañera son el uno para el otro), tenemos un arranque de ira y celos de Cahit que destruye todo, lo lleva a la cárcel y a Sibel escapando de su familia y tratando de

terminar su vida, hasta que decide esperarlo y se va Estambul donde como si fuera un monje se corta el pelo, usa ropa holgada y toma el aburrido trabajo que le consigue su prima, pero Sibel no soporta y Akin nos lleva por el camino de su autodestrucción en unas escenas dolorosísimas de ver, donde queremos apartar la vista pero no podemos, una violación y un intento de asesinato en una fuerte paliza que le ponen a Sibel en cierto callejón (que además extrañamente no esta falta de humor) y después asistimos a la parte final del filme con un rehabilitado Cahit saliendo de la cárcel, buscando a Sibel, esperándola, y finalmente amándola aunque al final vemos un doloroso final donde Cahit hace una gran muestra de amor porque a ella le debe todo, en esa típica reunión no cumplida cerrada con una maravillosa canción donde los músicos se despiden de nosotros y donde a uno no le queda más que aceptar el gran talento de Akin.

 

Calificación: Excelente

Cinecritica: Carros de Fuego

CARROS DE FUEGO (CHARIOTS OF FIRE, REINO UNIDO, 1981)

Al comenzar la opera prima de Hugh Hudson vemos a un grupo de jóvenes correr por la playa mientras amanece con una felicidad desbordada mientras suena una tremenda banda sonora de Vangelis (Evangelos Odysseas Papathanassiou), la cámara nos los muestra con tranquilidad mientras la escena toma tintes religiosos y después vemos una toma de lejos, por supuesto que creemos que esta popular cinta seguirá en la misma calidad pero no lo logra, es difícil lograrlo ya que la magia de esa escena viene de los sentimientos que despierta y la belleza de la misma, así que después de ver la cinta no entiendo porque tanta algarabía pero de que Hudson la filma con artesanía y corrección no hay duda, de la banda sonora menos, el reparto es impecable y tiene algunas escenas muy emocionantes por lo que tampoco se puede hacer menos esta valiosa cinta.

 

La cinta cuenta la historia del equipo olímpico británico que fueron a las olimpiadas de "Paris 1924" y donde ganaron a pesar de ser considerados amateurs derrotando al equipo olímpico norteamericano que eran profesionales y se entrenaban con los más avanzados métodos, especialmente de dos de ellos, el judío Harold Abrahams (Ben Cross) que no cesara hasta que le demuestre a todos y especialmente a él mismo que se merece un lugar en el país británico, y el cristiano escoses Eric Liddell (Ian Charleson) que corre porque esta convencido de que Dios le dio ese don para complacerlo de esa manera y porque ama su país, es un interesante contraste ya que Harold corre por su propio ego, por el orgullo de su pueblo, por la manera en la que ve su religión, en tanto que Eric corre por sus creencias y para el bien de su religión y la gente que cree en él.

 

Por supuesto que hay algo de critica ahí, Eric es usado para el cristianismo se haga más popular, en tanto que Harold va contra las reglas de Cambridge tomando el sentido común y siendo entrenado por el experto Sam Mussabini (Ian Holm), también los demás integrantes del grupo son interesantes, en especial el Lord Andrew Lindsay (Nigel Havers) que corre porque lo ama, no hay nada que demostrar, solo adora lo que hace y por ello le cede el lugar a Liddell para que tenga oportunidad de correr después de que se rehusó a participar en su especialidad debido a que la competencia sea en día santo, ¿una impresionante muestra de creencias? ¿tirar a la basura una gran oportunidad? creo que depende de cada persona el como se vean a los personajes pero son un contraste interesante y ver ese espíritu deportivo y de deportividad, de superación es un buen discurso, además del placer culpable de vencer al gigante norteamericano en su disciplina preferida.

 

Calificación: Bien

Cinecritica: Habemus Papam

HABEMUS PAPAM (IDEM, ITALIA, 2011)

Película de Nanni Moretti que comienza muy bien pero que se empieza a desinflar de tal manera que cuando llega su escena final que debería ser fuerte, conmovedora y controvertida simplemente resulta el termino de un extraño viaje que nunca supo por donde iba, eso si, la idea inicial es muy buena, el hecho de que el Cardenal elegido Papa no pueda con la presión del puesto y que tenga una serie de ataques es impresionante, sobretodo porque pone a la iglesia en una situación que nadie se esperaría que estuvieran, y se adelanto a algo que aunque muy diferente comparten la idea de dejar el puesto sin esperar a fallecer, claro que mientras la decisión de uno denota fuerza, carácter e inteligencia, la del otro también lo hace pero criticando la manera en la que se elige al santo padre.

 

La primera media hora es increíble, después del fallecimiento del Papa, los cardenales se reúnen para el conclave donde vemos el gran secretismo que se maneja y algunos chistes muy divertidos de periodistas y personas que meten la pata al no saber tratar el asunto, y la elección es hilarante con todos rezando para no ser elegidos hasta que llega el momento en que uno de ellos es elegido, el tranquilo Melville (Michel Piccoli excelentemente agradable) es el ganador de la rifa del tigre y acepta tomar el lugar, todo va bien hasta que cuando va a dar la bendición a los fieles sufre un ataque de nervios tan grave que se ven obligados a llamar al mejor psiquiatra del país (Nanni Moretti) ya que todo se va aplazando cada vez más y el mundo se pregunta que sucede.

 

Hasta ahí la cosa va bien pero cuando el Papa Melville se escapa para poder superar sus problemas que van desde ataques de pánico, nervios destrozados, depresión, y hasta traumas de atención en la niñez, y asi quiere vivir la vida que siempre quiso, ser un actor y vivir tranquilamente ya que no se siente con la capacidad de cambiar la iglesia y llevar la presión de todos los católicos en los hombros, mientras por otro lado los cardenales hacen un torneo de volibol promovido por el psiquiatra, ahí la cosa se va perdiendo cada vez más hasta que llegamos al anunciado final, por lo menos reconozco que Moretti intenta hacer una critica inteligente en lugar de ir por el morbo de escándalos sexuales o comedia fácil.

 

Calificación: Regular