Cinecritica: Pesadilla en la Calle del Infierno

PESADILLA EN LA CALLE DEL INFIERNO (A NIGHTMARE ON ELM STREET, EU, 1984)

Debo confesar que esta es mi película favorita del disparejo director Wes Craven, ya se que no es tan viceral como otras o que no tiene la inteligencia y "elegancia" de "Scream" pero creo que es la cinta más simbólica de Craven además de inventar a uno de los máximos iconos del cine de terror, me refiero por supuesto al asesino serial, sádico y pedofilo Freddy Krueger, además todo ese asunto de los sueños es aprovechado de manera excelente tanto en la historia como en el estilo de la cinta, Craven aprovecha esto y nos regala algunas escenas realmente memorables, en cuanto a simbolismos la cosa da para un ensayo, por un lado el sádico asesino se venga de los hijos de sus verdugos como si ese miedo que tienen los norteamericanos a pagar los pecados de sus antepasados, o quizá simplemente eran los que Krueger ya tenia en lista, además los enfrentamientos entre Krueger y Nancy son una representación de las del bien y el mal, y finalmente muchas escenas vienen cargadas de un erotismo y sexualidad que algunos no notaran y a otros no les interesara pero ahi esta la lengua besucona, la escena en la tina, el traslucido vestido de Tina, la explosión vaginal de sangre, etc.

Y de que va? Nancy (Heather Langekamp en el papel de su vida) ha tenido pesadillas donde un extraño hombre quemado, con sombrero, garras y un sueter rayado le persigue, el mismo ha tenido su amiga Tina (Amanda Wyss) quien se toma todo muy en serio y ni siquiera quiere quedarse a dormir sola, asi que Nancy y su novio Glen (Johnny Depp estando ahi para un solo proposito) la acompañan, claro que llega el novio de Tina, Rob (Jsu Garcia) para pasar la noche con ella, pero Tina morirá de forma muy extraña y Rob se convierte en sospechoso, aunque Nancy esta convencida de que el verdadero culpable es el hombre que aparece en sus sueños, después gracias a la confesión de su madre alcoholica (Ronee Blakley) descubre que el hombre es Freddy Krueger (Robert Englund), un asesino de niños que atraparon hace años pero salio libre en el juicio por lo que ella junto a otros padres de familia lo quemaron vivo, es entonces que Nancy cambia su estrategia de no dormir por enfrentarlo.

Claro que la trama es simple, eso no se puede refutar, pero los simbolismos de la cinta son lo que valen, además a casi treinta años la cinta sigue igual de vigente y causa muchas más ñañaras que las de terror actual, la cinta no esta exenta de un humor negro y lascivo que ahora no se usa, y lo dicho, el hecho de que de pronto se pase al mundo de los sueños le da la libertad a Craven de crear imagenes perturbadoras y dejar volar su imaginación, en pocas palabras la cinta es surrealista, los que sean fanáticos de que todo embonen se sentirán decepcionados pues se debe dejar llevar por la cinta, el diseño de arte, los imaginativos y terroríficos escenarios, el sonido, la música, todo te envuelve en una pesadilla de la que no querrás salir, por supuesto que también debo confesar que yo la miro con ojos nostálgicos, esta cinta la vi hace mucho cuando apenas era un chámaco y me impacto mucho, por supuesto que no tenia edad para verla pero eso hizo la experiencia más espantosa. También se puede decir que hay pocas muertes pero las que están son extraordinarias, ya quisieran ciertos iconos del terror lograr alguna como estas, y la cinta es tan transgresora que el pedofilo Freddy vuelve cuando todavía las muchachas son ¿tiernas? adolescentes.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: La Aldea

LA ALDEA (THE VILLAGE, EU, 2004)

Cuando vi esta película en el cine por primera vez mis expectativas eran altas y me lleve una gran desilusión, volviendo a revisar las películas de M. Night Shyamalan llego a esta que de nuevo no me gusto, claro que vi algunas cosas muy rescatables que no había tomado en cuenta la primera vez sin duda por el fallido final de la cinta, y eso es un decir porque la siempre presente vuelta de tuerca del director sale apenas pasada la hora de metraje porque todavía falta que nos muestre otras "vueltas de tuerca" que no solo no funcionan sino que también resulta cansinas porque se sienten como un final extendido, para explicarme, cuando llega la "impresionante" revelación final uno espera que la cinta acabe pronto pues ya no queda mucho que contar, pero Shyamalan nos tiene reservadas otras sorpresas que llegan poco a poco por lo que todo esto que seria la parte final se siente larga y anticlimatica ¿Como es posible que con un reparto tan solido y una hábil dirección la cinta se caiga en un hoyo? pues gracias al guión del director que ya aquí pecaba de soberbia.

Y de que va? La comunidad del titulo vive en una aldea de tipo antiguo pero con la peculiaridad de que nadie puede salir de ahí ya que en el bosque habitan unas extrañas criaturas que son parientes de Carlos Salinas de Gortari segun Lopez Obrador, si entran al bosque se rompe la tregua que tienen y con ello la idílica paz del pueblo, claro que esto conlleva el problema de que no pueden acceder a las medicinas que hay en el pueblo y a otros tantos artículos que los ayudarian, en la aldea nace un romance entre la hermosa invidente Ivy (Bryce Dallas Howard, bien) y el introvertido Lucius (Joaquin Phoenix, cumplidor) que es lo mejor de la cinta, lamentablemente las criaturas están atacando el pueblo, aparecen animales muertos y con ello la tregua se rompe, seguramente alguien ha entrado al bosque, además el retrasado Noah (Adrien Brody, haciendo lo que puede con un papel francamente ridículo) lastima a Lucius por lo que su enamorada Ivy se arriesga a pasar el bosque con la ayuda de su padre (convincente William Hurt) a pesar de las quejas del consejo.

Lo mejor de la cinta es el reparto, a los mencionados se les suma unos desaprovechados Brendan Gleeson, Sigourney Weaver y un largo etc., la banda sonora es buena aunque por momentos estorba y la dirección de Shyamalan es aplicada la mayor parte del tiempo, pero sigo pensando que la primera hora solo es una excusa para mostrarnos la dizque sorpresiva vuelta de tuerca de la revelación de los monstruos que además esta planteada de forma harto tramposa (¿porque no se la dice en lugar de hacer esa extraña ceremonia totalmente ajena a una realidad?), de ahi otra vuelta de tuerca que no funciona y que traiciona a la cinta en general, además de que no se sabe finalmente que onda con un personaje que nada más no encaja, pareciera que es usado como sea para avanzar el relato, y finalmente otra vuelta de tuerca en donde ya estamos aburridos y que funciona aun menos después de las dos anteriores y después la resolución que resulta cansina y donde ya queremos que se acabe esto, ese final debió durar de cinco a diez minutos y hubiera sido menos feo.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Damas en Guerra

DAMAS EN GUERRA (BRIDESMAIDS, EU, 2011)

La han querido vender como la versión femenina de "¿Qué paso ayer?", aunque comparte algunos chistes vulgares y el hecho de que la situación gira alrededor de una boda, pero la película es mucho menor vulgar que la otra, además de que solo gira alrededor de una protagonista en lugar de repartirlo en un elenco, y aquí como con la mencionada "¿Qué paso ayer?" no creo que sea una cinta que marque época o que siquiera vaya a ser recordada como un parteaguas del genero, aun asi la cinta puede aguantar el palomazo debido solamente a algunos buenos momentos conseguidos por la comediante Kristen Wiig, su personaje es el único que nos interesa, que no resulta odioso todo el tiempo, y el que logra los mejores momentos, y no me refiero a los chistes vulgares o comunes sino cuando hace comedia física, esas partes son la es mejores de la cinta y en Wiig hace un estupendo trabajo, merecía una mejor cinta, pero no se puede quejar ya que le guión es de ella.

Y de que va? Annie (Kristen Wiig, bien) esta en una pésima etapa de su vida, su negocio quebró, su trabajo no le gusta, odia a sus compañeros de departamento, no consigue una pareja que la quiera y respete, etc., lo bueno es que tiene a su amiga Lillian (Maya Rudolph) quien la escucha y comprende, por lo menos hasta que se comprometa y solo piense en su boda y elija a Annie como dama de honor, asi que además de todos sus problemas tiene que lidiar con preparar la despedida de soltera, la boda y todas esas cosas con que las mujeres sueñan y luego se quejan, pero además Helen (Rose Byrne) le quiere robar la amistad de Lillian y le hace la vida imposible, en tanto Annie ya encontró el amor pero no se ha dado cuenta.

Otro aspecto que me agrado de la cinta es esa critica hacia el sistema consumista norteamericano, lo que enseña que lo importante no es quien eres sino que tienes, que compras, que consumes, que vistes, el mismo sistema al que los mexicanos entramos hace tiempo, lastima que apenas se toque por encimita porque es lo único que vale la pena además de Wiig, quien gesticula muy bien adoptando el tono de la cinta y logrando algunos chistes físicos geniales; cuando demuestra que no esta borracha y su berrinche en la fiesta de compromiso, pero quitando eso no hay nada más, los demás actores no cumplen (solo McCarthy), el final es fácil y convencional,  y a la cinta le sobran por lo menos treinta minutos.

Calificación: Palomera

Reseñas Manga: Dragon Ball # 31

DRAGON BALL # 31 - LA AMENAZA DE CELL

El mejor tomo en lo que va, el dibujo de Toriyama ha avanzado mucho y la historia alcanza sus mejores momentos, claro que hay algunas cosas ahi que hacen surgir preguntas pero todo sucede de forma tan emocionante y contado tan bien que las incógnitas carecen de importancia, por lo menos mientras uno lo esta leyendo, hay algunas viñetas que presumen un dibujo excelente y el autor nos regala dibujos muy buenas como la divertida portada, la presentación del primer capitulo con las tres primeras fases de Cell y la hilarante portada de Cell mofándose y todos los demás personajes enojados e insultandolo. Por lo demás la historia es más inteligente, más compleja, más impredecible, más emocionante, mejor contada, con buen ritmo, etc.

Piccolo pelea con Cell quien quita la incógnita de su identidad, es un androide creado por la computadora del Dr. Gero con las células de Goku, Vegeta, Piccolo, Freezer, etc. que puede alcanzar la perfección, Piccolo intenta destruirlo pero escapa, ahora deben evitar que succione al A-17 y a la A-18 para que no se perfeccione, Vegeta se siente devastado al ser superado tan facilmente y Goku despierta con el plan de entrenar en la sala del espíritu y el tiempo, donde un día es un año, pero por otro lado esta pasando lo emocionante, los androides buscan a Goku y se encuentran con Piccolo, esté y A-17 pelean y Cell llega para fusionarse, Cell vence al A-17 y Piccolo lo entretiene pero es derrotado facilmente, el A-16 pelea con Cell para impedir que logre su objetivo pero por sorpresa absorbe al A-17 y evoluciona en su cuarta fase donde derrota como si nada al imponente A-16 pero Ten se sacrifica para que esté escape con la A-18.

Calificación: 8.9 - Muy Bien

Musica: Still of the Night - Whitesnake

WHITESNAKE - STILL OF THE NIGHT

Whitesnake es una banda británica de hard rock fundada en el año 1978 por David Coverdale, después de su separación de la banda Deep Purple, de la cual formó parte durante el periodo 1973-1976. Durante sus primeros años, su música estaba esencialmente orientada hacia el hard rock, el blues y el soul, viendose el cambio algo drástico de su estilo musical durante los años 80s orientado al mercado americano. Un aspecto que ha caracterizado a la banda es la inconsistencia de sus distintas formaciones a lo largo de los años, involucrando a distintos músicos británicos o norteamericanos, con David Coverdale, fundador de la banda, como único miembro permanente.

Still of the Night" (also known as "In the Still of the Night") is a single released by Whitesnake, from their hugely successful self titled 1987 album. It reached #16 in the U.K., #18 on the U.S. Mainstream Rock Tracks and #79 on the Billboard Hot 100 when it was released on March 9, 1987. In 2009 it was named the 27th best hard rock song of all time by VH1. The song was written by lead singer David Coverdale and guitarist John Sykes, and proved to be one of the band's most popular songs. It combines the blues origins of the band with the more distorted, harder sound driving the song, making for a powerful hard rock song. The current Whitesnake lineup and John Sykes both play the song as their live encore.

In 2009, in an interview with Metal Hammer, Coverdale commented on the origins of the song:

"When my mother died I was going through the stuff at her house and found some early demo cassettes. One of them was a song that Ritchie Blackmore and I had been working on which was the basic premise of what would become "Still of the Night". It was totally unrecognizable, so Ritchie doesn't have anything to worry about... neither do I! Ha ha ha! I took it as far as I could then I gave it to Sykesy when we were in the south of France, and he put the big guitar hero stuff on there. John hated blues so I had to work within those parameters. I manipulated to be electric blues, but how he performed it was fabulous for his time and relatively unique because of the songs. There were a lot of people doing that widdly stuff but they didn't have the quality of those songs."

The song has been cited as sounding similar to Led Zeppelin's "Black Dog", a possible source of inspiration for Coverdale and Sykes. The cymbal and hi-hat work, as well as the distorted guitar noise and Coverdale's moans in the breakdown of the song have also been noted to bear a resemblance to "Whole Lotta Love," yet another comparison to Led Zeppelin.

Fuente: wikipedia

Traducida (gracias a leonardosoche2674)

Lyrics (gracias a ivanbyman)

Live (gracias a GuilhermeParra10)

Cinecritica: La Mano

LA MANO (THE HAND, EU, 1981)

La segunda película de Oliver esto es una mezcla de aciertos con fallos, por un lado el actor principal es Michael Caine quien le echa todas las ganas para lograr meternos en su personaje, los actores secundarios hacen buen papel a pesar de que el guión deja a muchos como simple relleno, el aspecto visual de la cinta representa muy bien lo que la cinta quiere lograr con la psicología del protagonista, por el lado malo tenemos el hecho de que la supuesta sorpresa final se adivina practicamente desde el planteamiento de la historia, también la edición acusa serios problemas, algunas partes que se cortan sin sentido, saltos de tiempo sin ponernos al tanto, y escenas que debieron haber sido quitadas en la versión final ya que no añaden nada a la historia sino que estorban el avance de esta, de cualquier manera Caine construye un buen personaje y Oliver Stone ya apuntaba lo que llegaría a ser.

Y de que va? Jonathan Lansdale (Michael Caine, bien) es un dibujante de comic que tiene una crisis matrimonial aunque ni siquiera lo sabia, en medio de la pelea su esposa Anne (Andrea Marcovicci) pierde el control del auto y en el accidente Jonathan pierde la mano algo que acaba con su carrera y lo obliga a retirarse a dar clases sin consentir que su personaje sea ultrajado por un joven dibujante que quiere aprovechar su nombre con el consentimiento de su codiciosa editora, asi que en medio de los problemas maritales, profesionales, monetarios y la soledad de vivir solo empieza a ver a la mano cometiendo todo tipo de atrocidades en pesadillas, seguramente solo son alucinaciones por el estres, o quizá la mano en realidad haya cobrado vida y este realizando las cosas que el desearía hacer pero no se atreve.

Como uno se puede dar cuenta facilmente la cinta aborda el tema del síndrome de la mano ajena o anárquica pero de diferente manera para poder darle una vuelta de tuerca final que nos sorprenda, pero el hecho real es que la revelación no sorprende y la idea nunca termina de encajar, no nos adentramos en la cinta y por ello lo que sucede lo vemos sin entusiasmo, de cualquier forma podría verse y merece la pena la revisada por ser una rareza dentro de la filmografia del director, lastima que la cinta no cumpla bien porque la actuación de Caine merecía una mejor película, una más lograda, una que pusiera en sintonía esa tenebrosa carcajada final.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Halloween

HALLOWEEN (EU, 2007)

Ya lo había comentado en la reseña del clásico "Halloween" de Carpenter, no me gusta como se fue modificando el personaje y en especial este remake o reinvención (como se le insiste en llamar) del cantante transformado en cineasta Rob Zombie, no pongo en tela de duda que la cinta tiene muchisimos fanáticos y que los adolescentes de ahora la deben preferir sobre la original pero lo siento, no me gusta, en esta cinta que en realidad no es más que un remake alargado de la cinta original ,el personaje principal de la película no es el mal personificado, simplemente era un chico diferente que por el entorno en el que vivió se vio arrojado a convertirse en un despiadado asesino, para decirlo de otra manera Michael Myers es solo la víctima inocente de un hogar disfuncional e incluso al final intenta redimirse frente a su hermana pero como esta le da la espalda al igual que todos los demás pues solo le queda agarrar un cuchillo y matar cristianos.

Y de que va? Es la misma premisa de la original y algunas secuencias son copiadas de forma descarada pero hubiera sido mejor que la hubiera copiado de fu a fa para hacer una remasterización en lugar de meter todo ese asunto de trauma sicológico, Michael (Daeg Faerch) es un niño extraño e introvertido, con una madre prostituta (Sheri Moon Zombie esposa del director) que lo quiere mucho, un padrastro borracho que solo lo maltrata, una hermana mayor calenturienta que también lo mortifica y abusadores en la escuela que siempre se meten con él, asi que cuando el niño se defiende el director la agarra con él en lugar de los otros y se descubre un comportamiento sádico, después viene la matanza de su familia en Halloween (como comienza la cinta original) para dar paso a una larguisima y aburrida parte en la que supuestamente se nos explica el comportamiento de este en el manicomio, cuando se escapa intenta matar a su hermana tal como en la cinta original, liquidando a quien se encuentre.

Como uno se puede dar cuenta, las dos primeras partes de la cinta son un alargue del prologo de la primera, la primera no es del todo mala pero al tratarse de Michael Myers pues no cumple, la segunda es de pena ajena, y la tercera se alarga demasiado y nunca da miedo, ni se siente tensión, ni emoción, en definitiva este Michael aunque más grande y fuerte no tiene la presencia del original, además Zombie abusa de los desnudos, de las escenas de sexo y de los movimientos de cámara, pareciera que cuando quiere causar emoción mueve la cámara a lo loco y eso solo marea, al igual que sus constantes cambios de cámara, además Laurie aquí no tiene peso y es una chica tan pesada como sus insoportables amigas, y algo más, la película se contradice, parece que Zombie nunca se decide entre su asesino traumado o el mal personifico de la original asi que deambula entre uno y otro, su visión me parece errónea pero por lo menos se debería quedar con ella y defenderla si es lo que piensa.

Calificación: Mediocre

Cinecritica: Miseria

MISERIA (MISERY, EU, 1990)

Esta cinta es de que las que te gustan mucho o te sacan de quicio, decido a que la historia se desarrolla casi totalmente en una casa, o mejor dicho en una pequeña habitación dentro de esta, y la amenaza no es un hombre poderoso, corrupto o fuerte, ni una presencia sobrenatural, es una mujer de mediana edad que solía ser enfermera pero que tiene serios problemas psicológicos, asi que por un momento puede parecer una persona buena, atenta y pródiga y en otro una violenta, furica y déspota, justamente esos cambios de personalidad son lo que la hacen más peligrosa, de un momento a otro pueden venir esos cambios y desconcertar al protagonista y a nosotros por igual, además de la seria amenaza que representan, además la cinta es un duelo interpretativo entre Kathy Bates y James Caan, Bates esta soberbia como la bipolar Annie y con solo un pequeño movimiento de facciones cambia su carácter, su actuación le valió reconocimientos y premios, pero Caan también hace un trabajo estupendo pero por cosas del destino se vio opacado por Bates siendo que su actuación también es muy buena, claro que la de Bates es más vistoza pero pienso que Caan encarna perfectamente al pobre Paul.

Y de que va? La trama es sencilla, el famoso escritor Paul Sheldon (James Caan, muy bien) esta harto de tener que hacer la serie de novelas "Misery", una historia romántica practicamente para mujeres, pero el éxito de esta lo ha puesto en el mapa y le ha dado de comer, pero como Paul siente que su talento se ha estancado y que mientras que el personaje viva no podrá hacer otra cosa pues simplemente la mata en la novela que pronto saldrá a la venta, después de eso termina una nueva novela en una cabaña en colorado, cuando quiere volver a Nueva York sufre un accidente en una tormenta y es rescatado por Annie (Kathy Bates, espléndidamente sobreactuada como lo requería el personaje) quien resulta ser su admiradora numero uno, Paul esta agradecido con ella pero le resulta extraño que no lo haya llevado a un hospital y que su teléfono nunca sirve, en pocas palabras lo tiene aislado, después empieza a notar que Annie quiza es más peligrosa de lo que parece; se enoja en demasía por el manuscrito del libro que escribía Paul, explota frente a detalles sin importancia, con frecuencia se exalta al recordar cosas de su pasado.

La situación llega al limite cuando sale el nuevo libro de Paul y Annie lee como Misery muere, a lo que explota y rebela su verdadera personalidad, una sádica y enferma mujer con un turbio pasado, asi que Paul debe intentar salir a como de lugar, pero la situación es más complicada ahora que todos creen que esta muerto y que esta convaleciente por el accidente que casi le quita la vida, en pocas palabras esta a merced de una psicópata. La película va más allá del duelo interpretativo, la dirección de Rob Reiner es buena, capta la esencia de los temores de Stephen King, aunque no he leído el libro creo que debe ser el más personal del escritor pues muestra uno de los temores que debe tener en realidad, además la película tiene algunos momentos que podrían haber sido grabados por Hitchcock, las ocasiones cuando Annie sale de casa y Paul investiga con el tiempo en contra y la tensión en ebullición, o el uso de ciertos objetos que son usados después para el avance y resolución de la historia, bien por Reiner que logra tensión, suspenso y buenos momentos, inclusive la resolución tiene fuerza, todos estamos en contra de la loca que dizque habla con Dios.

Calificación: Bastante Bien

Reseñas Manga: Dragon Ball # 30

DRAGON BALL # 30 - UN MAL PRESENTIMIENTO

Tomo redondo donde ya entramos completamente en el nudo de la historia, todos los personajes han sido mostrados y vemos como se desarrolla todo de manera mucho más compleja y pensada que en todas las sagas anteriores, el A-17 y A-18 despiertan al misterioso A-16 quien no es un androide sino un robot, matan al Doctor Gero y van tras Goku por pura diversión menos el A-16 quien debe cumplir la misión, Vegeta los detiene pero A-18 le da una paliza y cuando los demás se meten ni siquiera pueden moverse antes de ser derrotados. Piccolo decide unirse con Kami-sama para poder enfrentarse a los androides mientras estos van tranquilamente tras Goku en una camioneta con el A-16 disfrutando de la naturaleza.

Goku es trasladado y Bulma encuentra la maquina del tiempo de Trunks, que resulta ser la misma y al mismo tiempo no (me encantan estas paradojas) donde viajaba una extraña criatura que salio de un huevo y después dejo una piel insectoide, después Piccolo fusionado con Kami-sama va tras la criatura que ya empezó la matanza.

Calificación: 8.75 - Muy Bien

Musica: Whole Lotta Love - Led Zeppelin

LED ZEPPELIN - WHOLE LOTTA LOVE

"Whole Lotta Love" es un tema de la banda británica de Rock Led Zeppelin. Es tema que abre su segundo álbum Led Zeppelin II y fue el primer single de la banda y uno de los más exitosos. En el 2004 el tema fue elegido en el puesto número 75 en la lista de Las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone y, en marzo del 2005 mereció el lugar número 3 de la lista de los 100 mejores riff de guitarra revista Q Magazine. Fue grabado en varios estudios de Nueva York y Los Ángeles durante una gira de conciertos de los Estados Unidos, y editado por Jimmy Page en los Olympic Studios en Londres.

En 1962 Muddy Waters grabó el tema "You need Love" con Willie Dixon. En 1966 la banda británica de Soul "The Small Faces" grabó ese mismo tema bajo el título de "You Need Loving". Algunas de las letras de Whole Lotta Love fueron sacadas de la versión de Willie Dixon, uno de los favoritos de Robert Plant aunque el estilo de cantar se asemeja más a como lo hace Steve Marriott cantante de The Small Faces. Los parecidos entre You Need Love y Whole Lotta Love llevarían a un duelo judicial que terminaría en un fallo a favor de Dixon en 1985, haciendo que se incluyera a Dixon en los créditos de Whole Lotta Love. El tema además incorpora otras influencias como Back Door Man de Willie Dixon (aunque solo se influencia en el título) y la versión que posteriormente haría de ella Howling Wolf: Shake For Me.

Robert Plant era un acérrimo fanático de los cantantes de blues y soul y solía citar canciones de estos cantantes especialmente durante las interpretaciones en directo de sus temas. La práctica de tomar prestadas letras de otros cantantes era común entre los cantantes de blues de esa década. En palabras de Robert Plant: El riff era el de Page. Estaba ahí antes que nada. Yo pensé, 'bueno, y ¿qué canto?'. Eso era, un pequeño 'robo'. Ahora felizmente compensado. Por aquel entonces, había muchas conversaciones sobre qué hacer y se decidió que estaba tan lejano en el tiempo (7 años, de hecho), que... bueno, sólo te pillan cuando tienes éxito. Así es el juego."

Page toco el riff introductorio con una Les Paul Standard modelo "Sunburst 1958" y un amplificador Marshall modelo "Plexi" de 100W modificado.Desde el minuto 1:24 hasta el 3:02 la canción se toma un break de jazz en el cual podemos escuchar los famosos gemidos de Robert Plant y los efectos con el theremin que fueron añadidos posteriormente en el mix final y fueron creados por Jimmy Page y Eddie Kramer (el ingeniero de sonido de la banda) moviendo controles al azar. Para este tema, Jimmy Page utilizó la técnica de eco invertido.

Fuente: wikipedia

Ambas letras (gracias a ghujuan)

Vivo (gracias a miguelcontrol)