Cinecritica: Kubo y la Búsqueda del Samurái

KUBO Y LA BUSQUEDA DEL SAMURAI (KUBO AND THE TWO STRINGS, EU, 2016)

El cuarto largometraje de la productora Laika y el primero como director del experimentado animador de esta Travis Knight es como las anteriores una autentica maravilla, no solo técnicamente donde los animadores de Laika son intachables sino en una historia que deja particularmente sin escudos, porque ahi es donde se encuentra justamente la magia del estudio que sin duda es el que mantiene mayor nivel en sus obras, y si estoy acordándome de Pixar, en sus historias, en la forma en la que estan contadas, en darle mas valor a lo que se esta contando que a los chistes o referencias, por sus mensajes que siempre son valiosos, por contar cine como si de cine clásico se tratara dándole verdadero valor a la historia, sus personajes, sus mensajes, la forma de conectar con el espectador y ganarse un lugar en su mente y su corazón, y si a eso le sumamos que tecnicamente la cinta es perfecta, con ese stop-motion que derrocha preciosidad en cada fotograma, con un diseño de personajes perfecto e imaginativo, con la banda sonora de Dario Marianelli que nos trasporta donde nuestros personajes estan teniendo su épica búsqueda, y por supuesto con una quisquilles enfermiza por los detalles de lo que se ve en pantalla.

Ademas es la cinta mas épica de Laika pero no por ello deja la historia en segundo plano, esta me parece incluso mejor que las dos cintas pasadas, y ademas la temática japonesa es muy adecuada para el mensaje que se da, y ahora pasamos a las voces que no podrían haberse escogido mejor, con apenas un par de personajes pero de actores muy talentosos que ademas le tomaron el tono de manera perfecta a la cinta, eso si, la cinta quizá es demasiado sombría, cruel y profunda para los mas pequeños pero no por ello debe de privarseles de descubrir cine para toda la familia de la mejor calidad, vamos que si al final no sueltan las lagrimas no se que película lo logre. Al inicio vemos a una mujer que se enfrenta a unas gigantescas olas mientras una voz nos prepara para lo que viene, al final la chica logra salvar a un bebe que solo conserva un ojo.

Años despues el bebe ha crecido y se ha convertido en el joven Kubo (voz de Art Parkinson) que por el día baja al pueblo para contar historias con ayuda de su shamisen y el origami, al anochecer regresa a la cueva para cuidar a su madre Sariatu (voz de Charlize Theron) que tiene un pequeño tiempo de lucidez donde le cuenta sobre su pasado y su padre, Kubo tiene estar fuera al anochecer ya que lo encontrarían, este desobedece la orden cuando intenta platicar con su padre en un festival, las hermanas (Rooney Mara) de su madre lo encuentran y destruyen el pueblo, su madre se sacrifica para salvarlo y lo envía lejos encargándole buscar las tres piezas de la armadura para poder enfrentarse a su abuelo, el moon king (voz de Ralph Fiennes).

Es asi como comienza la épica búsqueda de Kubo junto a un mono (voz de Charlize Theron) que antes era su amuleto y que cobro vida con lo ultimo de la magia de su madre, con un origami que representa a su padre y le muestra el camino, y despues con un samurái que esta fue maldecido convirtiéndolo en un escarabajo humanoide, asi los veremos combatir con un esqueleto gigante para encontrar la espada irrompible, nadar en un terrible lago con un monstruo de múltiples ojos y mas dientes para tomar el peto impenetrable, y al final conseguir el yelmo invulnerable, ademas no solo se topan con los monstruos que resguardan estos tesoros sino que en todo momento son perseguidos por las tétricas hermanas que he de admitir si dan miedo, y por supuesto en el camino van conviviendo y se convierten en una familia, bromean, se cuidan, comen, se enseñan, pelean y hasta coquetean, es decir se convierten en la familia que Kubo nunca tuvo.

Algo que toma mucho mas valor cuando se van juntando las piezas y revelándose los secretos y asi los personajes nos importan mucho mas, hasta llegar a ese magnifico final, emocionante, lleno de accion, con una pelea impactante, técnicamente imposible, con duelo de ideologías, y todo esto para dar paso a una decisión final que nos deja atónitos y nos gana, por lo conciliador, humanista, piadoso, el amor y el perdón por encima de la venganza y la justicia, un mensaje verdaderamente hermoso, una enseñanza de un personaje que ha sufrido lo peor y que elije lo correcto aferrándose a las dos cuerdas del titulo original. Una bella y poética cinta que en todo momento es preciosa, donde cada cuadro nos asombra hasta la perplejidad, con una historia maravillosa de búsqueda de lo importante en la vida y de la madurez, y que en ningún momento renuncia al humor, sin importar la situacion que este, como apunta cierto personaje que pide una gallina que tire fuego, el humor es muy importante en una historia, y ademas esos créditos finales con "While my Guitar Gently Weeps" de "The Beatles" cantada por Regina Spektor con arreglos nos regala un deleite aun despues de la maravillosa cinta, y una probada de lo magnifico del trabajo artesanal y de amor al arte de casa Laika en su stop-motion.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Un Monstruo Viene a Verme

UN MONSTRUO VIENE A VERME (A MONSTER CALLS, ESPAÑA-EU, 2016)

Connor (Lewis MacDougall, una bienvenida sorpresa) es un niño de doce años, es decir esta madurando y dejando de ser un pequeño lo que ya de por si es difícil, pero a ello debe sumarsele que su estricta abuela (Sigourney Weaver, bastante bien) esta de visita, que abusan de el en la escuela, que todos lo evitan, que sus papas estan separados y que su débil padre tiene otra familia y finalmente que su mama Lizzie (entregada Felicity Jones) tiene cancer, el niño tiene talento para el dibujo y carga con el quehacer de la casa y el cuidado de su madre, pero es un solitario de primera que siempre esta inmerso en su mundo, ademas todo el mundo lo trata con pinzitas por su situacion y eso lo aleja todavía mas de los demas, en medio de ese desorden la abuela llega y le exige a Lizzie que hable con el niño y aclare todo, en medio de la noche a las 12:07 algo comienza a suceder, el tejo que esta junto a la iglesia y cementerio comienza a moverse, tiene vida y llega por el amenazando con contar tres historias para que despues el pequeño cuente la suya, es decir la verdad que oculta.

Con esta premisa fantástica el director J.A. Bayona cierra la trilogía maternal junto a "El Orfanato" y "Lo Imposible" sobre el amor maternofilial, y que manera de cerrar, Bayona tiene talento para dirigir, con gran sentido del tiempo y el espacio, pasando de manera hermosa las transiciones de pantalla, como en las historias hechas por acuarela que son hermosas con buen ritmo y muchos mensajes, y con esa clase para pasar del mundo real al de fantasía, si en su primer cinta había pasado del real al sobrenatural en esta lo hace del real a la fantasía o quizá la imaginación de un niño, aunque viendo ese final podemos precisar que no es asi y hay algo mas, por ello la voz del monstruo es de Liam Neeson quien es nada menos que el abuelo que endulzo un poco la vida de la abuela bruja.

Asi mientras transcurre la difícil vida de Connor el tejo llega a contarle la primer historia sobre un reino con un rey que perdió sus tres hijos y su esposa para que solo le quedara un amado nieto, al tiempo se casara con una joven mujer que resulta ser una bruja y al tiempo el rey muere en circunstancias extrañas, el nieto se enamora de una muchacha que es asesinada y el pueblo se levanta por la sangre de la bruja lo que le da la corona, mientras el monstruo le dice a Connor que rescato a la bruja y le explica lo que esta detrás de la historia y el porque de sus acciones, la segunda historia sobre un boticario malhumorado y amargado que pierde sus clientes por la llegada de la modernidad y las platicas de un clérigo que lo ataca se convierte en otra sorpresa para Connor cuando las dos hijas del clérigo se enferman y este al sentirse empujado pide la ayuda del boticario que le da la espalda al no defender sus ideales, lo que causa el enojo del monstruo que ataca el hogar del clérigo.

La tercera historia sobre el hombre invisible todavía es mas afín a Connor y finalmente la revelación de la cuarta historia, la verdad que esconde Connor y que se ve obligado a rebelar frente a las amenazas del monstruo, para este momento Bayona me tiene en sus manos y he entendido cada una de las historias, los simbolismos y los paralelismos con la vida real, me ha ganado con su brillante estilo y la emotiva banda sonora, con los efectos especiales que combinan animatronix , cgii y efectos de antaño de forma inteligente, con las actuaciones de un reparto fenomenal, con el guion de Patrick Ness basado en su propio libro, la historia del viaje de madurez de Connor aceptando que siente miedo de perder a su madre pero también que esta cansado de atenderla, que el bien y el mal estan en todos, que no todo es lo que parece, que a final de cuentas ser humano es aceptar lo bueno y lo malo, aceptar que uno tiene deseos que no siempre son entendibles y que debemos dejar ir para curarnos, y por si fuera poco Bayona despues de hacernos soltar las lagrimas nos regala un final que nos deja todavía mas maravillados si es posible.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Animales Nocturnos

ANIMALES NOCTURNOS (NOCTURNAL ANIMALS, EU, 2106)

Una maravilla del director Tom Ford que ademas escribe el guion basado en la novela de Austin Wright, cine negro con temas actuales y que convive con el thriller psicológico mas inteligente, estamos ante una cinta que trata tantos temas de importancia que cuando termina la cinta todavía se queda uno rumiando la trama, los detalles, los símbolos, el significado, el mensaje de una obra tan compleja, y que ademas tiene la plusvalía de estar grabada de forma impecable por un director que le da tanta importancia al fondo como a las formas, Ford no solo graba de forma impecable, cada toma busca la perfección, es hermosa y siempre tiene algo mas que decir que lo que se ve a simple vista, Ford demuestra cual es su otra profesión, que viene de un lugar donde el estilo, las formas, lo visual es muy importante, aprovecha su conocimiento para bien de la cinta pero al mismo tiempo critica el mundo en el que él vive y que nos esta vendiendo a nosotros, es decir que Ford se muestra cruel con su forma de vida y con su publico, como lo hace con sus personajes.

La cinta nos cuenta la historia desde tres puntos, de tres realidades todas vistas por la protagonistas, ya desde los créditos con las mujeres bailando en una muestra de "arte" el director nos muestra por donde van los tiros, Susan Morrow (Amy Adams, excelente) es la que hizo la exhibición y la única que parece no estar satisfecha por mas que todos la feliciten, la relación con su marido (Armie Hammer) ni siquiera existe, el tipo se va de "trabajo" y Susan solo se queda sola a escuchar la verdad por teléfono, Susan ademas envidia la relación de sus amigos Alessia (Andrea Riseborough) y su marido homosexual Carlos (Michael Sheen) y es tan diferente a la de ella, en medio de su vida fría y cruel le llega un paquete mandado por su ex marido Edward (Jake Gyllenhaal, muy bien) con una novela que sera publicada dentro de poco y dedicada a ella, ademas le dice que pasara unos días en la ciudad dentro de poco.

Susan parece no tomarle importancia pero cuando comienza a leer la novela que resulta ser un sórdido thriller del oeste profundo norteamericano no podrá dejarla de lado, en la historia una idílica familia formada por el buenazo Tony (Jake Gyllenhaal de nuevo), su mujer Laura (Isla Fisher) y su hija adolescente India (Ellie Bamber) van en carretera por el desierto rumbo a su destino vacacional, de pronto tres hombres en un gto verde comienzan a atacarlos y los sacan del camino, empiezan a presionar a la familia y los sacan del carro para atacarlos sin piedad, se llevan a la mujer e hija de Tony y a este lo abandonan en el desierto buscándolo al cabo de un tiempo para asesinarlo, Tony escapa y llega con la policía que solo le pide esperar para despues pasar el caso a Bobby Andes (Michael Shannon, esplendido) quien le pide reconstruir todo con lo que encuentran a su mujer e hija asesinadas en un sofá rojo.

El caso sigue pero sin ningún avance sustancioso y Tony solo queda en espera de ver que sucede hasta que Andes lo llame dándole a escoger una opción mucho mas justiciera, todo esto lo va lee Susan al tiempo que vive su vacía y gris vida donde sufre insomnio y empieza a confundir la realidad con la ficción, mientras por otro lado recuerda su pasado con Edward, la única vez en la vida que ha sido verdaderamente feliz, las tres historias tienen transiciones exquisitas que a veces se confunden por segundos, la fotografía es diferente en cada una de ellas siempre representando el sentir de Susan, y las historias convergen en elementos que son importantes, y lo mas importante es el simbolismos que guardan la historia del libro con la realidad, algo que nosotros los espectadores notamos pero que Susan lo hace todavía mas, por ello imagina al personaje principal como su ex marido, por ello son iguales y actúan igual frente a la adversidad, por ello Tony también es débil y deja morir a su hija y a su mujer.

Una representación de ella misma y la familia que pudo ser, porque la novela guarda paralelismos muy importantes, el auto, el sofá, la familia perdida, los tres maleantes que no dejan de ser la representación de los temores y traumas de Edward, por ello el final tan terrible de la novela donde Edward da a entender lo que ha cambiado su vida y lo que busca ahora, quien es ahora, y por ello el final tan cruel donde Ford no da concesiones, por ahí he leído que es un final débil y sin sentido, nada que ver, es un final poderoso, cruel, frió y triste donde todo queda claro, y para ello vimos una maravillosa historia en tres partes, que tanto en ficción como en fantasía tienen el mismo peso, con un reparto de antología, a los ya nombrados sumemosle a un gran Aaron Taylor-Johnson como Ray el cínico líder de los delincuentes y a Laura Linney como la centrada y cínica mama de Susan, una fotografía preciosa, un diseño de arte hermoso, una banda sonora triste y deliciosa, la dirección de Tom Ford que es limpia y con buen ojo, mostrando talento en tiempos, colores y encuadre, y ademas el significado de la historia, tanto del típico héroe Andes que representa la voz justiciera de Edward como el mensaje final, no solo el de venganza perfecta sino el de no dejar ir la felicidad, un segundo filme notable de Ford.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Manchester junto al Mar

MANCHESTER JUNTO AL MAR (MANCHESTER BY THE SEA, EU, 2016)

El huraño y solitario Lee Chandler (Casey Affleck, perfecto) trata de no tener el mas mínimo contacto con nadie, se porta de manera molesta y grosera con los demas, no le interesa en lo mas mínimo que intenten flirtear con el y hace su trabajo de manera profesional, es el conserje y encargado de mantenimiento de los departamentos de un edificio en Massachusetts lo que lo condena a una serie de trabajos repetitivos, monotomos y cansinos, Lee recibe una llamada donde le informan que su hermano falleció y despues de ver a los médicos y en medio de la preparación del sepelio le dicen que su hermano lo dejo de tutor legal de su sobrino al que no ha visto en años y con quien choca desde el primer momento al llegar al pueblo del titulo en Nueva Inglaterra, asi Lee se ve obligado al lugar de donde salio huyendo, de donde las personas voltean a verlo y se impresionan y parecen juzgarlo, de donde parece querer escapar lo mas rápido posible, lo que choca con los idílicos flashbacks donde el tipo siempre esta feliz junto a su hermano y su sobrino, con su mujer e hijas, con sus amigos, donde todos en el pueblo lo estiman.

Es obvio que algo sucedió que modifico su forma de vida y comportamiento de una manera sorprendente y lo conoceremos en su debido momento porque el director Kenneth Lonergan sabe contar la historia de manera excelsa, con un guion propio donde con pocas palabras se dice mucho, donde entendemos mas que escuchar, donde el manejo de tiempos es perfecto porque nos va metiendo poco a poco en la mente de este ser deprimido y derrotado, queremos entenderlo y lo haremos poco a poco, el porque de su proceder, de haber escapado de su familia, amigos, pueblo y hasta de los humanos, de imponerse un autocastigo a modo de expiación, y por supuesto la oportunidad que se le brinda al hacerse cargo de su sobrino Patrick (Lucas Hedges), una imposición y castigo que el fallecido Joseph (Kyle Chandler) causa a su hermano pensando quizá en su propio bien.

Ahí en el pueblo Lee rememora todo, tanto los momentos felices como su matrimonio con Randi (Michelle Williams, bastante bien) y sus hijas, con momentos idílicos y algunas peleas, hasta que llega el momento de ver el doloroso recuerdo que debe cargar Lee, una carga que nadie podría soportar y que no lo deja vivir como una persona normal, claro que tenemos retazos de su verdadera personalidad con su sobrino Patrick, la relación crece y terminan respetándose y queriéndose, en otra majestuosa escena su ex mujer con bebe nuevo le hará una declaración y le pedirá perdón donde Lee solo puede agradecerlo pero ya no volver el tiempo, ahi esta otro punto grandioso de la cinta, el reparto, todos estan muy bien y hasta los secundarios tienen el tono perfecto, Casey Affleck esta grandisimo, su tono de voz, la manera en la que habla, sus ojos, el lenguaje corporal, no ocupa hablar o estar frente a la cámara para trasmitir lo que siente y piensa, gano el oscar muy meritoriamente y quizá se lo debían desde antes. 

La fotografía es hermosa al igual que las locaciones, y sirven como perfecta muestra de la psique del personaje, no importa que Lee este en nieve de un metro de profundidad o en un idílico pueblo costero, su corazón y mente seguirán igual de obscuras, las tomas, esos planos fijos y largos donde el director deja que los actores hagan su trabajo, esas escenas poéticas donde se nos recuerda que el cine es arte, el hábil manejo de hacernos reír a carcajadas a empezar a llorar como niños sin que se sienta forzado en ningún momento, tan natural como la vida misma, una banda sonora preciosa, y una dirección talentosa hacen una cinta redonda, con tema teatral pero muy cinematográfica, ademas el mensaje nunca cae en la salida fácil y/o el chantajismo, se puede vivir y disfrutar la vida, mejor dicho se debe vivir y disfrutar la vida sin importar los demonios que carguemos pero no es fácil, estos siempre seguirán con nosotros, los cargaremos siempre y no seremos los mismos, solo queda acostumbrarnos a ellos aceptando que no hay vuelta atrás, que no sera igual que antes.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Rogue One: Una Historia de Star Wars

ROGUE ONE: UNA HISTORIA DE STAR WARS (ROGUE ONE: A STAR WARS STORY, EU, 2016)

Un grupo de soldados llegan por el talentoso ingeniero Galen Erso (Mads Mikkelsen) quien trata de esconder a su familia, la mujer termina siendo ejecutada pero la niña sobrevive para convertirse en Rebelde, una crecida Jyn Erso (Felicity Jones) es reclutada por la alianza rebelde para una misión suicida, al inicio empece a ver la cinta con muy pocas expectativas, despues del desastroso episodio VII no esperaba nada pero le tenia fe al director Gareth Edwards que ya había entregada un entretenido regreso de Godzilla, y la película me sorprendió gratamente, muchas voces apuntan por ahi y por alla que es la mejor cinta desde el episodio V, y tienen algo de razón, las precuelas y secuelas de la saga han sido terribles por lo que no es un  gran merito, pero si que estamos ante una entretenida cinta de aventuras con grupo en misión suicida, algo que suele funcionar en el cine y lo que es mejor, Edwards logro darle congruencia y sentido a esta cinta y el episodio IV.

Lo que es mas meritorio es que ahora el defecto principal de la estrella de la muerte, algo que siempre ha carecido de sentido, el que disparandole un laser por un hoyo la destruya en automático tenga su razón de ser, mientras todos tachan de traidor a Galen la verdad es que este ha colaborado con el imperio para ponerle esa facha garrafal a su arma mas peligrosa, asi que lo que en un inicio era una misión para asesinar a Galen sin conocimiento de Jyn se convierte en conseguir los planos a como de lugar, razon por la cual la princesa los tenia y los guardo en R2D2, ya hablando de la cinta en si y menos de guiños, técnicamente es impecable, solo algunas apariciones cgi afectan un poco, artisticamente el director sabe lo que quiere y en cuanto a la historia cumple en entretenernos y hasta emocionarnos. Jyn junto a l dedicado Cassian (Diego Luna), el creyente Chirrut (Donnie Yen), el asesino Baze (Jiang Wen), el piloto Bodhi (Riz Ahmed), y el cínico droide K-2SO con voz de Alan Tudyk van a encontrarse con Galen pero Cassian tiene la misión de matarlo para que no termine la construccion de al estrella.

Las cosas se salen de control y ahora tienen una nueva misión, recuperar y enviar los planos a la base rebelde, todo esto en medio de corretizas, peleas, disparos, humor, y un buen manejo de los tiempos del director en lo que sucede a cada personaje, al final ocurre lo obvio, ya sabíamos como tenia que terminar, pero no por ello es menos emocionante y hasta sentimental sin llegar al chantajismo, Jones hace un buen trabajo aunque la cinta se la roban la superestrella Donnie Yen y Jiang Wen, ademas de la voz de Tudyk con sus sarcásticos y salidos comentarios. Y en lo personal no me molesta la escasez de jedis y me agrado la idea de la fuerza en tipos que no lo son, es una apologia a la religión pero bien usada por el director, ademas ver a Darth Vader aparecer unos segundos es un fan service increíble, acaba la cinta y uno termina genuinamente emocionado como cuando vio las originales de pequeño.

Calificación: Interesante

Cinecritica: Silencio

SILENCIO (SILENCE, EU - TAIWAN - MEXICO, 2016)

El padre Alessandro (Ciaran Hinds) les informa a los jóvenes jesuitas Sebastiao Rodrigues (entregado Andrew Garfield) y Francisco Garupe (Adam Driver, bien) que el padre Ferreira (Liam Neeson) ha apostatado y tomado una nueva identidad en Japón, esto les parece imposible a los sacerdotes, no puede ser que el hombre que les enseño e inspiro la fe halla renegado de Dios por lo que se ofrecen voluntariamente a la misión de encontrarlo, una misión suicida ahora que Japón ha tomado medidas tan radicales con los católicos, por supuesto que los jesuitas no dudan ni un momento y saben que esta es una misión que Dios mismo les ha encomendado, este es el punto de partida de una de las películas mas personales del maestro Martin Scorsese, ese que siempre ha estado dividido entre la duda y el amor a la fe en contra de todo, toda su filmografia ha estado marcada y movida por este sentimiento, por esta supuesta contradicción que no lo es tanto ya que Dios nos dio la inteligencia justo para usarla y poder cuestionar, dudar, creer, amar, en pocas palabras para vivir la vida.

Una épica histórica religiosa en la que siempre se nota la mano del director y que hace homenaje en la forma narrativa y visual de los grandes maestros japoneses como Kurosawa y Ozu, hace veintisiete años Scorsese se encontraba en Japón grabando para el mismísimo Kurosawa y se topo con la novela "Silencio" de Shusaku Endo, desde entonces quedo decidido a llevar la historia al cine con su propia mano, tuvieron que pasar 26 años para logra llevarla a cabo y el resultado es una exquisita historia épica religiosa como las de antaño, con una maestría técnica en todos lo niveles pero lo mas extraordinario, con la idea reforzada del director de que el cine no solo sirve para contar historias sino tambien para hacer reflexiones profundas y complejas, y si es posible toma aun mas valor debido a que el mismo dilema moral del personaje central es el del creador de la cinta, ese dilema que hizo que Scorsese dejara de lado la idea de su juventud de hacerse sacerdote, y uno que es trasladado a nosotros los espectadores de tal forma que la razon siempre se enfrenta con la fe.

Y es que el director no da concesiones, muestra todo de forma realista y cruel, casi con autocompasion, y toca tantos temas que da pie a todo tipo de debates, despues de todo los que son religiosos sin pie a ninguna duda les parecerá quizá hasta incomoda aunque termine gustándoles el tema de mártires, en tanto que para los escépticos les parecerá que Scorsese le da demasiado valor a la fe y la religión, pero lo mas extraordinario es que ambos grupos junto a los que son neutrales terminaran tocados e impactados por un tema que es tan valioso y que esta mostrado de manera tan impecable. Los dos jesuitas consiguen un guía que es católico para que los lleve por tan peligroso terreno, ahi llegan a una aldea donde las personas los reciben con muchísimo gusto pero en poco tiempo llega el Grand Councilor Inoue Masashige (Issey Ogata) que ha comenzado una persecución tremenda, sangrienta y sin precedentes en japón a torturar y matar a los que tienen religión católica.

Los padres viven ocultos mientras los demas sufren todo tipo de castigos e insultos a su fe, mas aldeas se acercan a ellos pero también mas personas los conocen y con ello mas son evidenciados, los padres ya no confían en nadie, mucho menos en su guía Mokichi (Shinya Tsukamoto, bien) que múltiples veces les traiciona o les da la espalda, en especial a Rodrigues que siempre le da otra oportunidad, pero cuando la persecución se vuelve mas fuerte estos ya casi no soportan, y es que como apunta el verdugo al matar o torturar jesuitas solo los hacia mártires que reforzaban la fe, al torturar a los que los siguen los padres sufren mas y se sienten culpables del sufrimiento de ellos, cuando se separan Rodrigues poco a poco se va quedando mas y mas solo hasta que pasa lo inevitable.

Y es aquí cuando se nos plantean las preguntas mas importantes del filme, Rodrigues no entiende porque Dios no le contesta, porque se mantiene en silencio con todo lo que esta presenciando, porque deja sufrir y morir a las personas por su causa, porque no los auxilia y detiene su sufrimiento, pero también nos muestra el otro lado de la moneda, el justo y casi santo Rodrigues peca de arrogancia muchas veces, ve su propio reflejo como el de Jesús, piensa que esta a la par y que sufriendo el martirio se acerca mas a Dios, y por supuesto la reinvindicacion de la figura de Judas encarnado aquí por el débil Mokichi que quiere creer pero que siempre muestra temor, dudas, que se vende, que traiciona por su propio bien, ¿a final de cuentas su fe es menor? y lo mas importante, Jesús nos perdona y nos ama, incluso a aquellos que pareciera no lo merecen ¿quienes somos para juzgarlos? ¿no es pecar de arrogancia también? una magnifica obra personal de un maestro que siempre lidiara con la duda, su fe la vive con la duda pero también con la creencia de que puede dudar pero nunca dejar de creer como lo muestra en su grandisimo final.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Sangre de mi Sangre

SANGRE DE MI SANGRE (BLOOD FATHER, FRANCIA, 2016)

Una chica llega buscando a su padre, un alcohólico caído en desgracia que intenta redimirse y que ahora se dedica a tatuar, Lydia (Erin Moriarty) por fin se le aparece a un confundido John Link (Mel Gibson, bien) que inmediatamente supone que la chica lo busca porque tiene problemas, al viejo lobo se las sabe todas, desde que los problemas de adicción de su hija hasta su necesidad de esconderse, y por mas que la chica lo ataque y le reproche el opta por simplemente aceptarla y esperar a que entienda sola el camino que debe tomar, pero cuando apenas la chica esta asimilando la nueva vida de su padre llegan a atacarlos y ella confiesa que disparo por error a su novio, un narcotraficante mexicano de la familia del cartel y por ello no se detendrán hasta asesinarla.

De aquí tenemos al viejo obligado a volver de su jubilación y sacar fuerzas de su juventud perdida para poder salvar a su hija y de paso demostrar que es mucho mas de lo que las personas suponen, balaceras, peleas, persecuciones, hasta un homenaje a su querido mad max, una película de serie B que funciona como las de antaño, consciente de sus limitaciones y aprovechando al máximo sus virtudes, una historia sencilla que encierra mas de lo que parece, una sorpresa con el villano interpretado por Diego Luna, un reparto secundario de lujo con William H. Macy a la cabeza, y una dirección muy buena del director Jean-Francois Richet que sabe muy bien como grabar escenas de accion cuando son necesarias. 

La producción también esta muy bien tomando en cuenta el poco presupuesto, y lo mas importante es la historia de Link, que funciona como muestra del mismo Gibson que cayo en desgracia y ahora esta en busca de la redención sacando fuerzas de su pasado pero con una fuerza y una actitud muy buena, y lo mas importante como siempre tenemos el mensaje de que Gibson es imparable y siempre logra lo que se propone por mas problemas que se le presenten, ademas esa pose de estrella que tiene, el talento de saber como escupir las lineas, de medir los tiempos, de ser un tipo duro sin renunciar al humor y de mostrarse "cool" cuando se amerita, vamos que Gibson es uno de los últimos modelos que nos quedan de estrellas que brillan por si solas, y un héroe de accion que puede cargar solo con una cinta sin despeinarse.

Calificación: Bien

Cinecritica: The Beatles: Eight Days a Week - The Touring Years

THE BEATLES: EIGHT DAYS A WEEK - THE TOURING YEARS (IDEM, EU, 2016)

Documental que hace Ron Howard que se puede tomar de dos maneras, por un lado no aporta absolutamente nada nuevo pero esta bien hecho y para las nuevas generaciones que no saben prácticamente nada de The Beatles les enseñara por lo menos lo indispensable para poder empezar a escuchar a unos músicos que nunca dejaron de innovar, que no se casaron con un estilo y que prefirieron el valor artístico de su música por encima de sus millones de fanáticas, tomando imágenes de archivo, rescatando y restaurando otras, y con muchas entrevistas de antes y de la actualidad, con comentarios de McCartney y Ringo Starr, y por lo visto una gran admiración por parte de un director que a la mayoria de sus trabajos no les imprime nada la cinta se va en un suspiro y cuenta con un soundtrack que no se puede mas que alabar, es decir la música del grupo que nos acompaña en todo momento y nos queda en la mente siempre.

Un deleite para los fanáticos de la banda que aunque como apunte antes no encontraran nada nuevo o que no sepan lo disfrutaran en todo minutos, desde los comienzos de la banda donde no eran nadie, su vertiginosa subida a la fama, las fanáticas enloquecidas, su adicion a la cultura y al mundo quizá de manera inconsciente, las desfavorables declaraciones, la evolución de su música y con ello su caída del altar del consumismo, y lo mas importante, la música que siempre siguió evolucionando sin detenerse mientras duro el grupo pasando por muchísimos géneros y cada vez mas transgresora, para los que apenas los conocen sera un descubrimiento tras otro y ver que los ahora llamados celebridades son un chiste en comparación a lo que lograban los grupos de antes.

Es una pena que Howard le haya dedicado tanto tiempo a los inicios donde rompían récords donde se paraban, con toda la beatlemania que se despertó en esos tiempos, no me malentiendan esto es genial y lo señala el mismo titulo, pero despues de esta etapa vino lo mejor para ellos musicalmente hablando, ya no eran los dueños de los corazones de las adolescentes ni la música mas de moda pero artisticamente solo subían su nivel, esto se pasa apenas de refilon, y terminamos con el iconico concierto de despedida, quizá le faltarían a Howard otros cuantos documentales para apenas mostrar medianamente la profundidad y los matices de este grupo.

Calificación: Bien

Cinecritica: La Morgue

LA MORGUE (THE AUTOPSY OF JANE DOE, REINO UNIDO, 2016)

Un cadáver encontrado en un sótano junto a cuatro cuerpos destrozados, pero este se mantiene intacto, casi como si estuviera vivo, es llevado a la pequeña morgue de la ciudad donde le encargan al dueño Tommy Tilden (Brian Cox, bastante bien) que averigüe lo mas que pueda para esclarecer el misterio, en tanto su hijo Austin (Emile Hirsch, bien) lo unico que quiere es irse para pasar una velada con su novia Emma (Ophelia Lovibond), pero al final la sangre llama y el chico se queda en una velada que quieren apresurar, el cadáver es de un hermosa chica con belleza casi etérea, la empiezan a revisar y es aquí donde el tercer largometraje del director André Ovredal brilla, la minuciosa manera en la que es revisado el cadáver, casi de manera documental, las dos personas en ese espacio claustrofobico y sacando a relucir sus diferencias y demonios mientras investigan el caso.

Pero lo que muestra el cuerpo es raro, no parece tener explicación por mas que Tommy se empeñe en encontrarle alguna, que ya lo vio antes, que escucho en algún momento algo así, sangra demasiado cuando lo cortan, los órganos son extraños, nada esta en el lugar correcto, pero antes de eso no tenia ninguna marca, la lengua esta cortada pero cicatrizada, y un largo etc. que se vuelve mas grande cuando los ruidos, las luces, la tormenta que afuera esta comenzando hagan el ambiente mas denso, aquí se va construyendo de manera perfecta con suspenso, terror y un dejo de extrañeza el ambiente que nos lleva poco a poco a la locura, claustrofobia y desesperación como a los personajes.

Con una producción muy buena tanto en fotografía, diseño, efectos y maquillaje no queda mas que rendirnos y entrar en el juego del director que sabe perfectamente como usar los espacios y los tiempos, que sugiere mas que mostrar, que juega con nosotros y tiene la paciencia para construir el ambiente que desea, con los ojos que parecen avistar algo de pronto de la bella Olwen Kelly, con esos atisbo de sonrisa que de pronto aparentan aparecer, y con un duelo actoral que funciona en todo momento, lastima que en su ultimo tramo se desinfle con una resolución mas común pero este es un defecto menor en una cinta que apuesta por terror clásico y al que le importan las formas y estilo, vamos que Ovredal mantiene la fuerza hasta el final y nos deja un buen sabor de boca, terror y una sensación de miedo plausible.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Desierto

DESIERTO (IDEM, MEXICO, 2015)

La cinta de Jonas Cuaron, hijo del premiado Alfonso Cuaron, ha tomado mas relevancia o reflectores debido a su padre, lo cual no ha sido malo esta vez ya que de otra manera esta cinta no habría sido conocida por nadie y creo que tampoco Gael Garcia habria sido el protagonista, y es que la película tiene algunas virtudes que no deben pasarse por alto y que aunque el director ya había mostrado en su cortometraje anterior esta vez queda de manifiesto que las domina, un manejo del espacio y la cámara muy buenos, una fotografía siempre bella, el usar sabiamente la locación natural para apoyo del guion y fuerza en las escenas de accion, algo que si es una revelación, pero la cinta también carga un problema de guion grave, en lugar de mostrar las dos caras de la moneda de la inmigración Jonas se va por el lado sencillo de los Social Warriors y se pone del lado de lo popular.

Los inmigrantes son unos santos buena gente que quieren mejorar el mundo y los gringos que no quieren dejarlos pasar son unos psicópatas asesinos que se divierten cazándolos, ese mensaje deja mucho que desear, no hay matices, y se toma el partido fácil, lastima porque de no ser por este mensaje social la cinta habría quedado como una divertida cinta de asesino cazando hombres, ¿y quien mejor para hacerlo que Jeffrey Dean Morgan? Estamos en la frontera México-Eu, un grupo de inmigrantes se queda sin transporte y trata de terminar el paso a pie por el desierto, hay de todo, algunos que van varias veces que cruzan, otros primerizos, el gordito que pensó seria fácil, la chica de la que se aprovechan, puros clichés de los que ni recordaremos sus nombres, carne de cañón a excepcion de dos que siempre sabemos quienes serán, Moises (Gael Garcia Bernal) y la pareja forzada.

Por el otro lado tenemos lo mejor, un cínico gringo llamado Sam (Dean Morgan, robándose la cinta) que se pelea con un policía, que esta tomando whisky como si no hubiera un mañana a mas de cuarenta grados, y que tiene un perro que es el alma de la cinta, en la mejor parte de la cinta se acomoda y los caza con el rifle, de ahí la persecución con el perro donde caen como moscas, lastima que pasando esta parte la cinta empiece a desinflarse y solo quedemos esperando a lo inevitable, eso si, Jonas Cuaron sabe hacer su chamba y mantiene un poco de fuerza gracias por supuesto a su duo de villanos.

Calificación: Vale la Pena