Cinecritica: Mujercitas

MUJERCITAS (LITTLE WOMEN, EU - CANADÁ, 1994)

Cuando termino la cinta de Gillian Armstrong basada en el celebre libro de Louise May Alcott tenia húmedos los ojos y quiza se deslizaba una que otra mejilla por mi rostro, y yo como buen macho mexicano no podía creerlo ¿era acaso ese idílico final que me había ganado? no, no lo era, era un conjunto de todo, de la difícil vida que afrontaron las mujercitas del titulo, de la amabilidad cristiana de ellas y su madre, de su tierna relación fraternal que traspasa la pantalla, de su naturalidad que les hizo ganarse el amor y respeto hasta de personas que las denostaban, de su incansable lucha por sus sueños, individuales y a final de cuentas

conjuntos, de tener que sobrevivir a una epoca donde las mujeres estaban ancladas

a facetas muy especificas, por una madre imbatible, por el doloroso destino de una de ellas, por el avance inclemente del tiempo, y por supuesto por ese final que le ha dado a tantas generaciones de mujeres la fuerza y la inspiración para seguir sus sueños, ya sea de escritora o de cualquier otro tipo, y ¿porque no? de buscar y perseguir el amor que es tan diferente como los diferentes sueños de nuestras protagonistas.

Pareciera que escribo todo esto de manera subjetiva pero nada esta mas alejado de la realidad, la cinta esta impecablemente realizada, a una producción y diseño de epoca majestuoso que no teme mostrar un pasado sucio o poco pomposo, con una banda sonora adecuada, y un vestuario maravilloso, ademas de contar con una dirección inteligente y pulcra que por momentos tiene algunos arrebatos de autentica genialidad, y por supuesto lo mejor de todo, un reparto que no tiene fallos y que posiblemente es el mejor que ha tenido una adaptación de la novela, a la luchona Josephine "Jo" (Winona Ryder, perfecta) feminista de primera ola que antepone sobretodo el amor por los que ama y que aun asi no deja de ser irrespetuosa e incansable, una mujer luchona que no se detiene hasta ser escritora, la dulce Meg (bella y edulcorada Trini Alvarado) que deja su sueño atrás tras encontrar el amor, la frágil Beth (Claire Danes, muy bien) que sirve como enlace de su familia y la caprichosa y boquifloja Amy (Kirsten Dunst, maravillosa e hilarante), ese "Jooo tu unico encanto" es de antologia, que solo busca un marido rico que la despose mientras se preocupa por su nariz chata.

Sumamos a la versión adulta de Amy (una bella Samantha Mathis), Christian Bale como el adorable Laurie que se roba cada escena en la que aparece, Susan Sarandon como un halo de luz y amor como la madre "Marmee", Gabriel Byrne como el soso e insípido profesor Friedrich Bhaer, la amigable torpeza que logra Eric Stoltz, y secundarios de la talla de Mary Wickes o John Neville, todos impecables y dirigidos de manera formidable ya que no tienen falla en ningún momento. Armstrong nos cuenta la historia de las cuatro hermana de manera que siempre estamos interesados, ya sea por las obras de Jo, por el inocente romance de Meg, por los pataleos de la ingobernable Amy, y hasta por los sacrificios de Beth, ademas de que no se deja de lado esa critica ácida y burla a la sociedad burguesa de la epoca, esos bailes con miles de reglas, el que dirán presente en todo momento, las lineas insidiosas de Jo hacia esto y hasta sus constantes quejas que son zanjadas por su madre tan dulce como directamente con su "porque son hombres".

La cinta nunca deja de lado el humor, de pronto uno ríe a franca carcajadas, despues sufre con un dramatismo muy logrado, sonríe cómplice con las ocurrencias de las hermanas March y termina queriéndolas, preocupándose por ellas, festejando sus victorias, sufriendo sus derrotas, llorando sus tristezas, y deseando que logren un final feliz, por mas que la vida no sea nunca de esta manera, o por lo menos no de la manera en la que nosotros quisiéramos, y aun asi, siempre existe una salida a la felicidad, incluso de alguien tan obstinada y necia como nuestra querida Jo.

Calificación: Notable

Cinecritica: ¡Scooby!

¡SCOOBY! (SCOOB!, EU - CANADÁ, 2020)

Las referencias a la cultura pop no son malas pero no pueden ser lo unico en lo que se base una cinta, este es uno de los grandes problemas de las cintas de animacion para toda la familia, y que logran que en cinco años se sientan caducas, viejas e incomprensibles, esto le sucedió a todas las secuelas de "Shrek" por ejemplo ya que solo la primera no basa la película en esto, escribo todo este largo prologo porque justo ese es uno de los problemas principales de este reboot/actualización de Scooby Doo, que tiene todo menos ser Scooby Doo, aqui no hay misterio ni terror sino una historia de superheroes para salvar el mundo de un ente diabólico real donde el crossover se inclina mas hacia el lado de la formula que volvió a Marvel amos y señores del dinero, y que como esta ni siquiera se preocupa por hacer una cinta decente, asi lo que parece ser el universo de Hanna-Barbera se convierte en un festival de fanservice de ver quien capta mas referencias.

No todo es malo, la cinta comienza bastante bien con una versión ligera y cariñosa de como se conocieron Shaggy y Scooby, que mas alla de algunos diseños malos y escenarios planos funciona mas que bien, el problema es que ya de adultos no asistimos ni somos participes de nada de lo que hiciera popular a la serie, no hay misterios, no hay agentes inmobiliarios corruptos, no hay tecnología sin sentido, ni monstruos y fantasmas, en lugar de eso referencias pop, un villano que sale de otra serie como Pierre Nodoyuna (voz de Jason Isaacs), un héroe que sale de otra serie mas como Halcon Azul (voz de Mark Whalberg) y Dinamita (voz de Ken Jeong), y algunos cameos mas que anuncian el universo extendido deseado pero que nunca embonan organicamente, y es que el problema es como ya apunte que es una cinta de superheroes, enfocándose en los problemas del nuevo Halcon Azul y su compañero e incluso funciona mejor la relacion odio de Pierre y Patan que la de estos.

Y aunque se le da mucha participación a Shaggy (voz de Will Forte) y Scooby (voz de un bienvenido Frank Welker) la verdad es que se sienten como algo secundario por mas que a mi me ganen las interacciones entre ambos, en especial esas que hacen referencia y homenajean la serie original; ellos huyendo del villano en esas hilarantes transiciones, los brincos asustadizos y escapes, los disfraces tomando el pelo, y esa intro casi copiada del original, por desgracia los demas personajes de Scooby son dejados de lado y casi no aparecen ni tienen peso, ademas cambian la forma de ser de ellos, Fred (voz de Zaz Efron) sigue siendo valiente pero ahora también es bobalicón y nada tranquilo, Daphne (voz de Amanda Seyfried) ha cambiado su forma de ser, pero la peor es Velma (voz de Gina Rodriguez) que paso de ser la inteligente y pensante del grupo a una pedante sarcástica, A pesar de una trama inconexa y que nunca nos interesa la verdad el fanservice nostálgico gustara a los conocedores de la serie original aunque dudo que la mantengamos en la memoria, casi tanto como dudo que las nuevas generaciones se interesen por algo que nunca fue pensado para ellos.

Calificación: Mediocre

Cinecritica: Krisha

KRISHA (ÍDEM, EU, 2015)

Vemos un plano cerrado con la cara de Krisha (impresionante Krisha Fairchild, tia real del director) que tiene una cara indescifrable pero llena de dolor y ansiedad, y este fotograma es con el mismo que se cerrara la opera prima de Trey Edward Shults, una película incomoda, irritante, molesta y claustrofobia, y todo esto en el mejor sentido de la palabra ya que la cinta de Shults es un alucinante viaje donde las tomas son impresionantes y siempre van de acuerdo a lo que siente la protagonista, desde largos planos secuencia donde vemos a Krisha llegar a casa con un notable nerviosismo y curiosidad, una cámara casi fija cuando la familia se saluda, abraza y besa en ese ritual familiar de accion de gracias que todos conocemos ya que nos remonta a cualquier reunión familiar, con esos close-up a una Krisha que esta sublime, esos juegos con los espejos y los planos, y el uso de colores que siempre va de acuerdo a lo que se nos quiere decir.

El uso de la música es buenísima, mención especial a esa escena con los aplausos que rompe la cuarta pared respetando la congruencia en todo momento, y es que para ese momento ya somos victimas de Shults que hace con nosotros lo que desea sin que entendamos totalmente lo que sucede en un drama familiar que nunca es chantajista ni tiende a la miseria, estamos simplemente ante una de las millones de historias del día a día, tan cotidianas que duelen porque se sienten cercanas, y es que si la cámara y lo precioso de las tomas, que buscan una perfección, nos remiten a Malick lo cierto es que la pesadilla surrealista en la que cae la protagonista parece mas cercana a la mente de Lynch. Desde el inicio con Krisha preocupada y una obvia incomodidad de algunos miembros de la familia, casi todos increíblemente familia real del director, no solo eso sino que Krisha se siente ajena a la familia y se comporta de forma sospechosa, se enfoca en preparar la cena sin pedir ayuda, solo mira a los demas desde lejos, nunca entabla conversaciones y sus contestaciones son secas.

Mientras los chicos juegan vencidas como adolescentes inmaduros Krisha cada vez esta mas sola y alejada, por ahi tiene una conversación hilarantemente divertida con el payaso de la familia que también le suelta un discurso casi reclamándole su pasado, intenta acercarse a Trey (el mismo director) aconsejando que siga su sueño de director en una obvia referencia a una realidad ¿alterna? y asi deducimos que Krisha tuvo una vida de fiestas y excesos que la alejaron de la familia, asi poco a poco la tia cae mas al infierno, con nadie hablándole, todos reclamando, juzgándola aqui y alla, personas incomodas, ella espiando y mirando como si quisiera ser invisible, la caída en los excesos y los ladridos imparables de los perros donde se remata de manera magnifica un guion que nos habla del drama familiar cotidiano, normal, y no por ello menos doloroso mientras miramos nuevamente el doloroso rostro de Krisha y por fin la entendemos del todo.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Las Olas

LAS OLAS (WAVES, EU, 2019)

Hacia la mitad de la cinta del guionista y director Trey Edward Shults los eventos se han vuelto tremendistas y catastróficos, la cámara deambula de aqui para alla temblando como si supiera lo que va a suceder, y nosotros también lo sabemos, el montaje es frenético, el movimiento de la cámara es rápido, los sucesos pasan velozmente, los colores son fuertes e intensos, nos encontramos en la relación de aspecto de 2.35:1 a la que entramos desde esa dolorosa escena en la bañera, nos sentimos presionados como el personaje principal, sentimos el peligro de lo inevitable, y finalmente sucede, lo intuíamos, lo sentíamos, pero el director Shults usa de manera perfecta los recursos narrativos que tiene para que no solo seamos espectadores sino que seamos participes de un drama muy fuerte y doloroso que en ningún momento se vuelve chantajista sino que por el contrario conforme mas avanza es cada vez mas humano.

Dividida en dos partes muy notorias la verdad es que no estamos ante dos cintas como se puede llegar a pensar sino a dos pedazos totalmente diferentes en ejecución pero que se complementan por tener la misma alma, y es que uno no se comprendería a cabalidad sin el otro, Al inicio seguimos al obstinado Tyler (Kelvin Harrilson Jr. quien ya trabajo con el director con "It Comes at Night") que tiene una vida privilegiada, pertenece a un estrato social media superior o alta, va a una escuela privada, es un ídolo deportivo en la lucha greco-romana, es novio de la diosa de la escuela, la sexy Alexis (Alexa Demie), y obtendrá una beca estudiantil por el deporte, pero todo esto tiene un precio, su padre, el perfeccionista Ronald (Sterling K. Brown, muy bien) lo presiona en todo momento, entrena con él, le revisa las tareas, cuida sus horarios, y esta pendiente de el en misa, a final de cuentas no empatizamos con ninguna de los dos, o parece difícil, el chico tiene muchas oportunidades y por momentos se pierde en fiestas, pero tampoco compartimos la presión excesiva y enferma de un padre que le reitera una y otra vez esas oportunidades.

Esto lo vemos en pantalla ancha, con colores vivos y un montaje exacto y tomas que rozan la perfección, al del carro, la lucha, etc., pero cuando Tyler se entera de una desgracia que puede destruir su futuro el formato cambia, los colores se vuelven mas intensos, llenan la pantalla, poco a poco no impiden discernir perfectamente todo, estamos en el mundo de Tyler, uno que se esta derrumbando, donde puede perder la beca, donde su cuerpo puede sufrir un daño irreversible, donde su novia le suelta que esta embarazada, y ¡oh castigo de Dios! decide tenerlo, Tyler explota, no quiere un niño, su vida de esta yendo por el caño, sus sueños, sus logros, todo esta perdido y su personalidad y carácter hacen que empeore todo de tal manera que toma decisiones erróneas una y otra vez, no soporta la presión, es tan egocéntrico como cualquier adolescente o adulto de 18 años, y esto termina pasandole factura en esas escenas que describí en el inicio donde ya no hay vuelta atrás, y de inmediato la cámara cambia de aspecto a un claustrofobico 4:3, la vida se ha terminado, el drama ha llegado a su punto cúspide, y no podemos imaginar que mas puede suceder.

Es entonces cuando Schults cambia de protagonista súbitamente, la hermana de Tyler, la tímida y callada Emily (dulce Taylor Russell) es ahora a quien seguimos, Shults deja el aspecto pero cambia los colores y el ritmo, la vida de Emily es un infierno en redes sociales, en la escuela, y en casa donde solo escucha pelear a sus padres sin que nadie hable con ella, entonces llega a su vida Luke (Lucas Hedges en otra buena actuación), un chico bonachón y buena gente que ayudara a curar las heridas de Emily y a conseguir una redención que llega a su clímax cuando esta y su padre hablan, y donde el mismo Luke conseguirá una redención/personal familiar que desencadenara la de Emily, intentando hablar con su madrastra (Renée Elise Goldsberry) y haciendo las pases con su padre en la búsqueda del amor, el perdon, la redención y la familia, dándole amor y protección a quien lo merece y a quien no también, porque nadie es un monstruo, solo somos seres humanos, todo ello con un soundtrack maravilloso que siempre nos mete en lo que vemos, con una fotografía preciosa que hacia el final cambia su aspecto para dejarnos respirar, con encuadres bellos y hermosos que nos remiten a Malick, despues de todo es el maestro de Shults, y con ese ir y venir de la vida porque el titulo es mas que perfecto, la cinta nos golpea con la fuerza de una ola y nos jala hacia una tranquilidad divina que irremediablemente golpeara de nuevo.

Calificación: Notable

Cinecritica: Cindy la Regia

CINDY LA REGIA (ÍDEM, MÉXICO, 2019)

En cierto momento de la cinta el fotografo Mateo (Giuseppe Gamba) le enseña su trabajo a la socialite Cindy (Cassandra Sánchez Navarro) y esta le suelta que es un gran fotógrafo y que todo mundo debe conocer su trabajo, y lo que nosotros espectadores vemos son una fotografías normales de gente posando, unas que podríamos tomar tu o yo o quien sea, justo doy esta larga explicación por el celebre recibimiento que ha tenido la cinta de Catalina Aguilar Mastretta y Santiago Limon, escrita por Maria Hinojos basado en un personaje de comic de Ricardo Cucamonga, y trato de poner a la mayoria de los implicados porque esas fotografías sosas y con calidad normalita tirándola a mala muestran perfectamente lo que esta cinta es, de hecho nunca la hubiera revisado pero los halagos de muchos críticos nacionales y en especial de Fernanda Solorzano me hicieron repensar la situacion y termine viéndola.

Groso error, estamos ante una película mas del montón, de esas decenas comedias románticas que salen en el cine todos los años y que llaman una y otra vez a los cinefilos del pais que por desgracia han entrado en un circulo de tendencias que casi los obligan a ver estas cosas, Cindy es una niña bien que siempre ha soñado con casarse y tiene un blog donde da consejos para ello, su máximo sueño es ser la esposa de alguien poderoso, pintarse las uñas y organizar las carnitas asadas del fin de semana, pero cuando su novio de toda la vida le pida matrimonio en plena fiesta de cumpleaños la chica decide huir a la ciudad de Mexico con su prima Angie (Regina Blandón tan mal como de costumbre) que tiene una relación lesbica con Rox (Nicolasa Ortiz Monasterio) que terminara siendo el clímax chafisima de la historia. Le cortan las tarjetas, agarra trabajo fácilmente, platica con la abuela (Isela Vega) que es un espíritu libre, y termina dejando a su pretendiente ricachon por el fotografo de marras.

Ah si, como al final no tenemos ningún problema o nudo, nunca existió ninguno, se sacan de la manga el problema de que descubrieron la relación lesbica y Cindy lo resuelve de una manera que da pena ajena como espectador, ¿en serio los papas cristianos solo pudieron correr hasta la puerta de su casa? ¿porque se iria en el viaje la manager y no la DJ? todo sumamente ridículo. Y bueno aunque admiro y respeto a Solorzano, es una de las mejores críticos del pais, no entiendo en que esta cinta es arriesgada, a final de cuentas Angie suelta que cada quien puede hacer con su cuerpo lo que sea, claro pero en esta situacion especifica Cindy engañaba a ambos o por lo menos a uno asi que no podemos hablar de que actuó perfectamente, la relación lesbica pues es un tema tratado desde hace décadas en el cine nacional, y finalmente ese mensaje de alma libre que no ocupa casarse, de acuerdo de nuevo pero desde el cine nacional clasico se ha tocado este tema y al final Cindy se queda con el fotógrafo soso asi que pregunto de nuevo ¿donde esta la innovación y lo arriesgado?

Calificación: Churrito

Cinecritica: Ted Bundy: Durmiendo con el Enemigo

TED BUNDY: DURMIENDO CON EL ENEMIGO (EXTREMELY WICKED, SHOCKINGLY EVIL AND VILE, EU, 2019)

En cierta parte de la cinta del experimentado documentalista Joe Berlinger vemos a un grupo de jovencitas entrevistadas cuando el juicio de Ted Bundy (un esforzado Zac Efron) es ya mediático decir que tienen miedo de ir a sus casas y ser atacadas pero que aun asi ven un no se que en el tipo, otra dice que es muy guapo, otra que se ve que no mataría una mosca y finalmente una suelta que cree que lo ama, este culto que despierta el desgraciadamente celebre asesino de mujeres es lo mas interesante de la cinta que deja casi de lado todas las fechorías de Bundy y se concentra en una relación personal que tuvo con la abnegada novia de muchos años, es decir se basa en las memorias de Elizabeth Kloepfer aqui llamada Elizabeth Kendall (Lily Collins, bien), una madre soltera que sostuvo una relación seria con miras a matrimonio con el psicópata mientras este se dedicaba a matar, decir que ella no sospechaba nada es mentir como se descubre en la cinta pero que aun asi ella estuviera fascinada por el tipo demuestra el carisma y encanto de un asesino que sigue dividiendo masas.

Y es que siendo sincero por supuesto que Ted Bundy resulta atractivo y su personalidad siempre llama la atención pero estamos conscientes que es un monstruo que no tenia empatia ni contemplaciones y que actuó como le dijo el juez Edward Coward (un hilarante John Malkovich) actuó de forma extremadamente cruel, malvada y perversa, incluso esta traducción queda corta a esas ultimas palabras que también le dan nombre a la cinta, y aun asi este juez no fue inmune a los encantos del chico y le suelta una cantidad de halagos de que hubiera sido buen abogado y que es un desperdicio, de esta manera nos damos cuenta del carisma, la labia y la manipulación que tuvo Bundy que logro tener un séquito de fanáticas y seguidoras que lo idolatraban aun con pruebas contundentes de asesinatos despiadados y sangrientos, por ello mismo esto me parece lo mas interesante de esta cinta menospreciada que nunca pensó en enfocarse en la psique del personaje ni en sus asesinatos sino en ese carisma manipulador del que siempre estuvo consciente y que saco de lo mejor de el.

La cinta comienza como la visión de una mujer que se enamora perdidamente y despues se ciega por el amo incondicional que le tiene a Bundy, y que cuando este es atrapado cae en la bebida sin poderlo olvidar, porque seguía enamorada de él, por la culpabilidad que sentía, y por el arrepentimiento de dejarle a su hija, pero poco a poco la cinta empieza a dejar atrás su punto de vista y se enfoca en Bundy, sus escapes, su inteligencia estudiando para su defensa, su falta de empatia y doble cara, su manipulación a los demas que lleva al extremo cuando Elizabeth lo abandona y toma a Carole Ann Boone (la ascendete Kaya Scodelario, bien) incluso como su esposa usandola para manipular los medios y teniendo un hijo con ella mientras sigue coqueteando con todas las mujeres que se le ofrecen, quizá estas sin entender porque se sentían tan atraídas, pero es que Bundy media sus gestos, su sonrisa, sus movimientos, sus ademanes, todo estaba frialmente calculado por un hombre tan atrayente como repulsivo cuya mente compartía la misma contradicción,  por fortuna el personaje de Collins regresa al final en una interacción magnifica con una resolución sugerente y con clase, y bueno aunque Efron lo hace muy bien el problema es que esos gestos pensados de Bundy aunque atractivos carecían de alma, algo casi imposible de lograr en una actuación.

Calificación: Bien

Cinecritica: Espada de Confianza

ESPADA DE CONFIANZA (SWORD OF TRUST, EU, 2019)

Estamos ante una indie de esas que se dejan ver con facilidad y que no tienen otra aspiración que hacernos pasar un buen rato, y aunque la trama es completamente absurdas terminamos creyéndolo porque el tonto buena gente de Nathaniel (hilarante Jon Bass) casi convence a la inocente Cynthia (la ascendente Jillian Bell) de que la tierra es plana con maquetas y explicaciones para cada una de las preguntas que tiene, en una actualidad de personas anti-vacunas, terraplanistas, tierra hueca y  demas teorías conspiratorias no seria raro encontrar un grupo de gente que busque reliquias que demuestren que el sur gano la guerra civil, asi jugando a burlarse de la derecha la cinta funciona, y eso que me considero de derecha, pero como en todo l cosa es tener la mente abierta y no tomarse las cosas en serio ni a pecho y divertirnos con las medidas actuaciones de Marc Maron como el rejego dependiente de la tienda, la lesbiana con carácter de Michaela Watkins y los dos antes mencionados.

La historia va de una pareja que acaba de recibir la herencia del abuelo de una de ellas, como gasto todo en sus gastos médicos de anciano solo dejo una espada de la guerra civil que con pruebas poco creíbles supuestamente comprueba que el sur gano la guerra, a Mel no le interesa pero cuando su empleado bueno para nada le diga como esta el mundo y contacten a unos extremistas buscaran cerrar un trato con lo que parece ser una secta y donde ellos y las chicas encuentran que lo mas valioso es la emoción en un mundo soso mas que el dinero, algunos diálogos ingeniosos, personajes ridículos pero adorables, y villanos caricaturizados hacen de la experiencia algo muy llevadero y con menos de hora y media todo se pasa volando, ademas no entra en criticas mas duras por lo que queda como un entretenimiento ligero a pesar de tocar múltiples temas espinosos.

Ademas la directora y guionista Lynn Shelton nos mete una bonita historia de amor que destila cariño y realidad por todos lados con ella misma formando parte de esta, de hecho cuando su Deirdre llega a la tienda a querer la compañía de Mel y la parte final con este aceptando sus sentimientos aunque solo queden en eso es lo mejor del filme, y la explicación de su relación difícil y fallida, como miles si no es que millones que existen en EU nos gana y nos da todo lo que necesitamos saber en una actuación contenida y muy inteligente de Maron, obvio que la cinta no es perfecta, la trama en si no va a ningún lado, y no tiene grandes momentos, algunos personajes no se aprovechan y a final de cuentas es una cinta muy pequeña tanto en pretensiones como en calidad pero de vez en cuando uno disfruta ver estas cintas delicadas e intimas y descansar de las grandes y escandalosas producciones.

Calificación: Competente

Cinecritica: El Silencio de la Ciudad Blanca

EL SILENCIO DE LA CIUDAD BLANCA (ÍDEM, ESPAÑA, 2019)

Con un despliegue técnico notable y una ciudad preciosa, Vitoria es uno de esos lugares que debes visitar, la cinta de Daniel Calparsoro se desbarranca en el guion, y es que parece que los guionistas españoles no tienen idea de como adaptar novelas policíacas al cine, ya que lo mismo sucede con "El Guardian Invisible" y su secuela que simplemente no funcionan porque se sienten inconexas y azarosas, lo mismo se repite aqui donde resulta muy dificil seguir la trama a no ser que te hayas leído el libro supongo, pero como en aquellas adaptaciones lo que me causa inquietud es que es entendible que se corten ciertas cosas por cuestiones de tiempo pero entonces ¿porque me metes escenas que no aportan nada y no vienen al caso? en este caso podría señalar la escena de la iglesia con la pintura casi blasfema que se alarga muchísimo y que solo parece estar ahi porque se miraba chula.

Dos personas de veinte años aparecen en una especie de ritual que es identico al que realizaba un tipo que esta en la cárcel, y que su gemelo entrego con ese inspector Unai (Javier Rey, aviso a los españoles, estar sin gestos no te hace interesante o contenido, existe una diferencia) que es llamado Kraken y aunque media cinta cholen con la importancia del nombre despues se les olvida, el caso es que quizá es un imitador y la investigación comienza de nuevo con nuevas victimas que van subiendo de edad, el detalle es que muy pronto nos revelan quien es el asesino lo que nunca habría descubierto pues termine sin ver ninguna pista que nos llevara hacia él, quizá por ello se desvela y comienza un juego del gato y el ratón que nunca funciona entre dos personajes que nunca son tan interesantes como creen, y vemos desfilar a multitud de secundarios que apenas conocemos y olvidamos de inmediato, la jefa Alba (Belén Rueda) solo esta para ser el desfogue sexual y su personaje tiene cero desarrollo.

Del villano nunca tenemos claro sus motivaciones a no ser esa excusa del final que no quedan con ese tipo frió y pensante que se nos había presentado, claro que al final en general se vuelve estúpido, tanto asi que su muerte es totalmente anticlimatica, por ahi dicen que es la "Se7en" española pero me parece que se inspira mas en "El Silencio de los Inocentes" con ese gemelo genio en la cárcel que juega con el protagonista aunque despues se les olvida esta faceta de la cinta, de lo salvable una esforzada Aura Garrido como Estíbaliz que es el unico personaje que tiene algo de desarrollo y crecimiento, la trama es una tontería sin sentido, pelirrojos malos que se pintan el pelo sin que su mujer de hace añales lo sepa, abejas que nos dicen donde esta el escondite, corazonadas, personajes inteligentes que de pronto se vuelven estúpidos, subtramas que no van a ningún lado y persecuciones largas que no aportan nada.

Calificación: Mediocre

Cinecritica: Legado en los Huesos

LEGADO EN LOS HUESOS (ÍDEM, ESPAÑA - ALEMANIA, 2019)

Esta vez el director Fernando González Molina no oculta las cuestiones sobrenaturales para resolver la cinta ya que desde el inicio nos presenta brujas y termina de nueva cuenta con el Basajaun salvando el día, es cierto ya no salio de la nada pero aun asi me molesta bastante estas artimañas tramposas que supongo vienen desde el libro de Dolores Redondo y que simplemente no trago porque por mas mitología vasca que exista la historia no era la idónea para meterla asi, o por lo menos no de esta manera para resolver problemas que como escritor no sabes como resolver, bajo esta lógica puede aparecer hasta el mismo autor y entregarle un arma al protagonista que mate al asesino oprimiendo el gatillo mientras te saca un ticket con sus datos, si el cine español quiere crecer necesita mucho mas que esto.

De nueva cuenta un montaje desastroso, unos diálogos malos, tramas que entran y se les olvidan como la de Amaia (Marta Etura haciendo lo que puede) con su marido (Benn Northover), una Flora (Elvira Minguez) desaparecida quiza para que no robe el protagonismo de nuevo como en "El Guardián Invisible", un tipo (Leonardo Sbaraglia) que no aporta absolutamente nada a la trama, personajes que cambian de carácter radicalmente porque si, Fermin (Francesc Orella), una inconexion terrible, por momentos no sabemos si estan investigando esos asesinos que escriben Tarttalo antes de suicidarse u otra de las múltiples vertientes, y aunque el diseño sigue siendo bueno la fotografía ha bajado de calidad. La cinta inicia con uno de estos suicidios y Amaia se ve obligada a volver a Elizondo donde todo cada vez se cierra mas en su familia dejando de lado todo lo demas, y mas flashbacks que si en la primera parte eran extensos y no aportaban nada aqui de plano estan de oquis.

Lo mismo para esas conversaciones casi esotéricas de Amaia con su tutor, ¿en serio no hay nadie que revise que no sirvió en la cinta anterior? y todo termina en una pelea familiar con la madre loca (Susi Sanchez) y un nuevo tipo manejando los hilos de todo, pero ya no nos podría interesar menos el asunto, mas aun sabiendo que lo resolverán con algo sacado de la manga, aun asi la cinta tiene algunos buenos momentos como esos del arrogante padre Sarasola (Imanol Arias) que se avienta algunas joyitas criticando la psicología de Freud, ¡hasta que alguien se anima!, o esa búsqueda de la maldad pura que hace el tipo, dejando de lado la maldad generada en la niñez que ahora embarga nuestra creencia social y la razón de que los peores degenerados y monstruos sean vistos como victimas de la familia y/o el sistema sin siquiera revisar la probabilidad de maldad pura y disfrutable del individuo solo porque si, lastima que solo se pasen de refilon estas provocaciones.

Calificación: Mediocre

Cinecritica: El Guardián Invisible

EL GUARDIÁN INVISIBLE (ÍDEM, ESPAÑA - ALEMANIA, 2017)

La investigadora Amaia Salazar (una solvente Marta Etura) que estudio en el FBI se ve obligada a volver a sus raíces vascas, mas precisamente a su ciudad natal Elizondo donde aparecen muertas adolescentes apenas pubertas en un extraño rito donde son puestas como una imagen religiosa y con un dulce típico de la región cubriendo sus genitales, Amaia no se encuentra tranquila ya que recuerda su doloroso pasado donde su dominante madre se propasaba en los abusos de sus hijos y tampoco le agrada la predominancia de la mitología y creencia vasca sobre el conocimiento de los lugareños, es obvio que estamos ante un thriller que bebe mucho de sus contra-partes suecas, primera parte de la trilogía del Baztán de Dolores Redondo que se queda muy lejos de lo que intenta emular, no conozco el libro pero lo que se ve aqui es una cinta inconexa que avanza a trompicones y que para variar, como varias cintas españolas, hace trampa para avanzar la trama.

Y es que el director Fernando González Molina firma una obra que carece de estilo propio siendo este el menos dañino de sus errores, tenemos un guion terrible de Fernando Velázquez que parece inconexo, nos perdemos entre la investigación y los aspectos personales, y mas aun los sobrenaturales que surgen asi de la nada, el montaje ayuda menos asi que en todo momento nos sentimos perdidos y eso hace difícil que empaticemos con la historia, al final casi no recuerdo nada mas alla de un diseño de producción sobresaliente donde se exceden un poquito con la lluvia y una fotografía que nos remite de inmediato al tipo de historia que se quiere contar, y la trama no es del todo mala solo que como apunte avanza a trompicones, de pronto aparece una pista y no se le da seguimiento, las muertas aparecen a borbotones y se le da mas importancia a ver los cuerpos desnudos casi perfectos de, no olvidemos, apenas niñas.

De pronto la investigación entra en callejones sin salida y aparece el tal Basajaun, un ente sobrenatural vasco que ayuda a las personas y naturaleza, a sacarle las papas del fuego a la prota, un deux ex machina descarado y simplón que echa por tierra la historia principal, que insisto no estaba mal, con ese asesino serial moralista,los ciudadanos supersticiosos, los conflictos entre los policías, el drama familiar con las hermanas y la tia, que se roba a hermana mayor Flora (Elvira Minguez robándose la cinta también), pero que se ve lastrada por escenas que no funcionan en la pantalla, la relación con su mentor del FBI no aporta nada, con trampas para avanzar la investigación con los entes sobrenaturales, una inconexion terrible y un final ridículo que no se cree nadie, bueno yo conozco algunos que quedaron convencidos con los finales de Paulo asi que...

Calificación: Regular