Cinecritica: The Mustang

THE MUSTANG (ÍDEM, FRANCIA-BÉLGICA, 2019)

Roman (entregado Matthias Schoenaerts) es un huraño recluso que a las primeras de cambio le dice a su encargada que no le gusta el contacto humano, que incluso lo evita, es decir que no sabe lidiar con este y por lo tanto lo ponen a trabajar fuera de prisión, específicamente en un programa del que se nos informaba al inicio de la cinta donde nos enteramos de que mas de cien mil caballos vagan libres por el territorio norteamericano, es decir los Mustang del titulo, y que los prisioneros los doman y entrenan para despues venderlos y poder otorgarles un hogar, a los que lo logran porque los que fallan son sacrificados, dándonos desde un inicio el contesto humanitario del programa pero también el capitalismo rapaz del mismo, en el lugar Roman se dedica a palear estiércol pero al tiempo es descubierto por el cinico Myles (Bruce Dern, maravilloso) que le da no solo una sino varias oportunidades de redención para el tipo que falla una y otra vez, no solo porque le dan al caballo mas complicado y salvaje sino por sus mismos defectos.

El tipo apenas puede entablar una platica con los demas, se mantiene alejado de todos, y tiene cero paciencia con las personas y con el caballo, pero también es obvio que algo en ese huraño y rebelde animal le recuerda su propio ser y por ello no quiere tirar todo, por mas que en cierto momento incluso se agarre a guamazos con el caballo, literalmente, y que sea tirado y arrojado una y otra vez, al final sabemos lo que ocurrirá, o mas o menos porque el guion de la propia directora Laure de Clermont-Tonnerre, Mona Fastvold y Brock Norman Brock sigue la historia esperada de un sujeto que aprende humanidad del mismo animal con el que se identifica pero al final se decanta por el camino menos meloso pero mas realista, de hecho la cinta esta bien llevada por este lado, la directora es lo suficientemente inteligente para no humanizar al caballo que siempre sentimos salvaje y nunca se va por el camino fácil ni el chantaje.

Eso si, logra algunas escenas hermosas de los caballos entrenados, y hay mucho dramatismo en las conversaciones de Roman con su hija donde nos enteramos porque esta ahi, el porque de la terapia de ira, el porque de la culpa que carga y el rencor de la chica, y finalmente la extraña naturaleza que comparte con el caballo Marquis que viene siendo su versión animal y por ello lo entiende perfectamente, y por ello le busca ese final, como el no tienen salvación y redención, por lo menos no la de forma acostumbrada pero quizá puedan lograrlo de alguna manera poca ortodoxa, o por lo menos eso se queda deseando uno para un personaje tan conflictuado como dañado.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Desastre en Paris

DESASTRE EN PARÍS (DANS LA BRUME, FRANCIA, 2018)

El trotamundos Mathieu (esforzado Romain Duris protagonista de "El Latido de mi Corazón") sueña con su hija corriendo libremente por el campo mientras toca las flores, al despertar descubrimos que esto es mas bien un deseo ya que su hija Sarah (la joven promesa Fantine Harduin) sufre una rara enfermedad que la confina a estar encerrada en una burbuja en todo momento ya que estar fuera la mataría, ahi la joven convive vía internet con otros jovenes de igual condición y hasta se enamora de uno de ellos, han aprendido a tener esta vida, tanto la pequeña como su dedicada madre Anna (Olga Kurylenko, bien) pero Mathieu se niega a ello y busca maneras de darle una vida normal, apenas estamos conociéndolos cuando una extraña bruma sale de la nada y todos huyen despavoridos, la pareja se dirige al ultimo piso del edificio donde una amable pareja los alberga, ahí no tienen información, ni luz, ni agua, si acaso una débil señal del gobierno que les recuerda que estan en estado de emergencia.

Desde ahí vemos un París inundado por esa niebla grisácea que por si fuera poco va subiendo poco a poco y que como no podía ser de otra forma es mortal, es decir que con París tapado completamente por ella y llegando de improviso el porcentaje de sobrevivientes debe ser casi nulo, el gobierno no aparece, los pocos humanos sobrevivientes estan escondidos o toman las cosas de la peor manera, armando desmanes por aquí, teniendo batallas campales por alla por los lugares seguros, y hasta un cínico policía que ha sacado a la luz su espíritu sanguinario con tal de sobrevivir, por supuesto el director Daniel Roby y sus guionistas no se contentan con tener la tensión de la fatídica niebla subiendo sino que al tener la burbuja sin luz y con baterías nos llevan a una tensión máxima, yendo a cambiar la bateria que se convierte en una misión suicida y a sabiendas de que en algún momento se acabaran por lo que se ocupa un nuevo plan, uno que salve a la pequeña.

Es ahi donde los tanques de oxigeno, los trajes militares, los sobrevivientes que son ambiguos, las baterías agotándose, los viajes por los pintorescos tejados, las maratones por las laberínticas calles, la desesperación de los fracasos, los perros sobrevivientes, los sacrificios, la aceptación del destino y finalmente la supuesta vuelta de tuerca que nos explica el inicio de la cinta toman el rumbo de la cinta y nos regalan una hora y media de thriller de supervivencia familiar con mucho dramatismo y las dosis exactas de sentimentalismo sin caer en la ñoñez, un adecuado divertimento que no le pide nada a las producciones hollywoodenses inclusive en efectos especiales que tan bien logrados estan en la cinta y que nos regalan un París apocalíptico que sigue siendo hermoso, tanto como la niebla que lo impregna y que tiene una explicación tan logica como la vida misma.

Calificación: Interesante

Cinecritica: Infierno en la Tormenta

INFIERNO EN LA TORMENTA (CRAWL, EU, 2019)

Al inicio vemos la independiente, fuerte y arisca Haley (Kaya Scodelario, lo mejor de la cinta) y reconocemos a la aguerrida actriz que sigue sin tener suerte en sus papeles por mas que podría ser una estrella por derecho propio, y aqui de nueva cuenta nos da cátedra de su talento con un personaje cliché al que sabe darle cuerpo y forma, y la verdad sea dicha, este indoloro palomazo de Alexandre Aja producido por Sam Raimi no es una mala decisión, es divertido, entretenido y nos tiene al filo de la butaca en todo momento por mas que la premisa sea jalada de pelos uno termina por comprarla, existe algo de encanto en saber que en realidad puede pasar algo, un huracán categoría 5 llega a la Florida e inunda todo, el padre (Barry Pepper) de Haley no contesta las llamadas y esta termina buscando a su deprimido padre quie acaba de divorciarse de la madre de esta, lo encuentra por fin en el sótano de la casa que esta vendiendo, esta malherido y el agua sube sin piedad, como también atacan sin piedad dos lagartos que no solo son grandes e inteligentes sino ademas cargan un hambre que no puede ser saciada.

A partir de aqui la cinta se reduce a sobrevivir del ataque de los reptiles que de dos pasaran a varios y luego a muchos mas mientras la casa se inunda poco a poco dejandoles menos espacio y causando mas peligro, con muchas victimas, desde los típicos delincuentes abusivos hasta los policías imbéciles, y mucha sangre, es decir la cinta cumple como sano entretenimiento y nos regala algunos datos sobre estos cazadores, que si su lloro, que si no escuchan fuera del agua, y nos regala a una entregada Scodelario que siempre esta enseñando cuerpo, es decir estamos ante la historia de supervivencia de una bellisima chica como Blake Lively en "Miedo Profundo" pero esta vez con la tensión de la claustrofobia y unos ataques que no dejan de ocurrir, Aja sabe perfectamente como filmar este tipo de historias, mantiene el suspenso, nos regala algunos buenos sustos, sorprende muchas veces, entrega algunas buenas tomas bajo el agua, y tiene algunos lagartos/caimanes/cocodrilos? bien hechos con los modestos pero prácticos efectos especiales.

Mención especial a los efectos del huracán, de verdad parece que estamos presenciando un huracán pegar sin piedad en el lugar, tanto afuera como en la casa donde el agua entra a chorros, un película de serie B que lo hace mucho mejor que los blockbusters en este tipo de detalles, lastima que el drama familiar solo estorbe, no funciona y parece metido con calzador, mas aun cuando se pone melodramático y uno desesperado piensa que porque demonios no se mueven o actúan, o por lo menos e preocupan ya que esas lagartijas quieren merendarselos, y no parecen perder el tiempo en otra cosa, asi con algunas escenas que quedan en la memoria, desde el ataque de unos lagartijas que apenas salen del huevo, las mordidas que son salvadas por una pistola, una competencia de nado, un brazo arrancado, la escena del baño, y un preocupado perro que nos ayuda a preocuparnos no solo por ella sino por los otros dos, es decir una cinta mas que palomera que no se toma en serio pero que respeta a su publico y que cumple con la máxima que Raimi y Aja entienden bien, entretener al respetable.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Nightmare Cinema

NIGHTMARE CINEMA (ÍDEM, EU, 2018)

Cinta de antología de terror que nos cuenta cinco historias de terror que no pasan de los veinte minutos teniendo como hilo conductor el cinema del titulo, un cine Rialto que parece llamar a los desafortunados que pasan por ahi para ser testigos de como son protagonistas de las cintas que pasan en esas funciones de la noche, con la sala sola y un proyeccionista mala leche que parece venir del infierno interpretado por Mickey Rourke, como es lo común en estas compilaciones tenemos una gran variedad de estilos que también se traducen en diferencias abismales de calidad entre los cortos, con directores veteranos en su mayoria y con buenos dividendos en el pasado tenemos una compilación que se eleva por sobre las demas por la diferencia de los cortos y por esa mala leche para con los espectadores y protagonistas que solo puede darte la experiencia.

El primero "The Thing in the Woods" nos muestra a una despechada chica que entra curiosa al ver su nombre en el titulo del cine, ahi se topa con una historia que nos recuerda a "Evil Dead" incluso en los protagonistas y que a primeras no parece pasar de ser un slasher con un tipo armado con un soplete y la mascara protectora que se esta cargando a los adolescentes que pasaron un fin de semana en una cabaña del bosque, hasta aquí pareciera una adecuada y bobalicona parodia que hacia el final se tuerce para ser algo muy diferente y darnos un final digno del mejor terror, esta historia de Alejandro Brugués es de lo mejor de la antología, compite por el segundo lugar porque lo mejor es el segundo corto "Mirare", el del veterano Joe Dante donde con una sencilla premisa que va de una insegura joven (Zarah Mahler) que es convencida por su prometido a una sencilla operación estética que le borrara una cicatriz y que ya en el lugar el tenebroso medico (fascinante Richard Chamberlain) la convence de algo mas, mientras la chica cae en múltiples pesadillas y donde la realidad no se entiende hasta que cae un final surrealista que critica perfectamente el culto a lo superficial.

El tercero de Ryuhe Kitamura "Mashit" es una alargada historia sobre un sacerdote pecador que es director de un colegio católico, lo mismo tiene sexo con la monja joven y de buen ver que con los pequeños niños, tampoco le importa mucho que uno se haya suicidado al ser poseído pero mas pronto de lo que cree llegara su castigo cuando cierto demonio haya tomado posesión de todos los pequeños mientras el mata a placer pensando que hace el trabajo de Dios, por supuesto que es todo lo contrario, por ahi también esta la historia de una madre y su pequeña, una historia sórdida que al final se decanta por el gore mas ridículo, un corto mucho menor en esta cinta, por fortuna el cuarto de David Slade "This Way to Egress" es un valioso corto que pelea por el segundo lugar y que causa casi la misma incomodidad que "Mirare", una mujer "Elizabeth Reaser" va con un experto porque cada vez ve el mundo y las personas mas horrible, las paredes manchadas de heces, las personas desfiguradas, todo en oscuridad perpetua, mientras espera sus hijos la sacan de sus casillas y finalmente la mujer termina vagando por un lugar cada vez mas extraño, con un diseño de producción fenomenal, con todo y sorpresa final que nos regala un final exquisito donde se abraza la mentira con tal de ser feliz, y finalmente "Dead" del veterano Mick Garris sobre un pequeño que sobrevive apenas un ataque de un psicópata y que ahora es presionado por el espíritu de su madre para morir, y que se topa con el violento tipo en el hospital, la historia mas débil y chantajista que ademas termina en el Rialto dando pena ajena, lastima porque esta compilación merecía un mejor final.

Calificación: Interesante

Cinecritica: El Rey León

EL REY LEÓN (THE LION KING, EU, 2019)

El inicio del "live action" que en realidad sigue siendo de animación, parece exactamente igual a la versión original pero la verdad es que no es cuadro por cuadro, desde el inicio vemos una diferencia de tiempos que solamente sirven para alargar innecesariamente la cinta y meter algunas cosas con calzador como nos damos cuenta despues, asi el inicio con el estilo fotorrealista nos deja con la boca abierta pero despues de nuestro asombro empezamos a recordar la original ya que parece intentar copiar todo, pero entonces notamos los colores acres y grises apagados y finalmente llegamos ala parte donde Rafiki (voz de John Kani) levanta a Simba y no hay magia, ni emoción, ni simbolismos, de hecho los animales se comportan tan "reales" que apenas podemos conectar con ellos y ver a un simio batallando para tomar posturas antinaturales da pena ajena, y este como comente es apenas el inicio de la película, conforme avanza va mostrando mas y mas defectos.

Se quitan diálogos claves que hacen que algunas escenas no funcionen, se meten otros diálogos que simplemente estorban, y tenemos escenas larguísimas como el ratón que intenta comer Scar (Chiwetel Ejiofor) que se alargan una eternidad sin sentido alguno mas que el de mostrar que tienen mucho dinero para hacer la película, y asi se siguen las pésimas decisiones una tras otra y uno termina con la sensación de que vio la misma película pero de muchísimo peor calidad, no la misma película, la misma historia, pero como si pensaran que la original era un borrador al que había que hacerle correcciones mancillando lo que era maravilloso, desde el estilo apagado de la animación, los animales sin expresiones, los diseños que son iguales y nos hacen confundirnos, los musicales que aquí estan faltos de magia, el "Be Prepared" de Scar es algo vergonzoso, las voces simplemente son menos buenas, Beyonce sigue sin aprender a cantar sin gritar, escenas que se alargan sin sentido, "tu reino es hasta donde alcanza la luz", ¿y el riachuelo? también ¿y el campo? también, uno termina francamente desesperado.

Y finalmente el despojar los simbolismos, aquí todos son personajes grises, sin carisma ni carácter, ya no existe el mensaje de miedo a los extranjeros, lo del circulo de la vida apenas se toca, pero el feminismo rapante esta a flor de piel, Nala es toda una erudita sabia y madura desde que es pequeña, lo que termina molestando a uno y pensando que no ve el mismo personaje, Scar ahora es un pelele que le teme a las hienas que son lideradas por una hembra, y demas tonterías que uno termina por entender que no importa lo que haga Disney a sus clásicos, los prostituirá con tal de dinero, eso y las pésimas decisiones de Jon Favreau con una cinematografía nula, sumado a esos cambios en la banda de Pharrell Williams que solo estorban y una interpretación de canciones pésima, incluso con canción nueva que no encaja dan por resultado una de las peores adaptaciones que ha hecho Disney, no solo es mala sino que carece de imaginación, se limita a meter posturas políticamente correctas, y es tan cobarde que evade cambiar escenas, la banda sonora o la música aprovechándose del trabajo de otros para pagar cheques a personas sin talento o que apenas trabajaron, es infinitamente mejor revisar la original "The Lion King" que revise antes de ver este despropósito.

Calificación: Churro

Cinecritica: Guasón

"GUASÓN" ("JOKER", EU, 2019) DE TODD PHILLIPS

Arthur Fleck (formidable Joaquin Phoenix en los huesos) reacciona ¡por fin! ante la vigésima vez que es atacado y humillado, y nosotros no sabemos como reaccionar frente a esto, nos sentimos desahogados pero también asustados, asombrados, sorprendidos, esta incomodidad se traslada a cada segundo de pantalla en esta cinta del hacedor de comedias varoniles Todd Phillips que también escribió el guion junto al experto en personajes marginados Scott Silver, esa incomodidad de la que hablo se siente en cada fotograma, en cada escena por la dirección de Phillips que nos deja la cámara donde mas duele, con mucho hincapié en su protagonista Phoenix que soporta cantidad de close ups para darnos a entender la miseria del personaje, con una fotografía sombría y una inteligente cámara la cinta nos incomoda porque el protagonista no parece un personaje de cómic o alguien caricaturesco sino una persona cualquiera, alguien que conocemos o incluso nosotros mismos en ciertas características, es decir lo sentimos real, cercano y por ello mismo muy incomodo. Si bien la cinta no es redonda, tiene escenas donde se le escapa el fatalismo y la historia al director aunque despues la recupere, y tiene el defecto principal de la actualidad, insiste en sobre-explicarse y eso termina cansando.

Estamos en ciudad Gótica de los años ochenta en medio de una huelga de basura y una plaga de ratas ¡gigantes!, ahí vive el solitario e inadaptado Arthur Fleck con su demandante madre, en la total miseria viviendo como payaso de segunda con el sueño de convertirse en comediante como su ídolo, el pesado Murray (Robert De Niro adecuadamente detestable) pero donde el tipo no solo no tiene gracia sino que apenas es capaz de manejarse en una sociedad que apenas entiende, con un problema que lo lleva a reír en medio de la peor situacion, ya sea por nervios, por desesperación o tristeza, en medio de esta situacion vemos como el pobre tipo es golpeado salvajemente por unos adolescentes nomas porque si, como sus compañeros se burlan de él, como su jefe no lo valora, su trabajadora social apenas y lo escucha para finalmente soltarle los medicamentos que necesita, su madre que no confía en que pueda superarse, el padre que lo abandono y la sociedad que siempre le escupe en la cara aunque solo quiera alegrar el momento de un pequeño. 

En esta ciudad todo es suciedad y oscuridad, llenándose de basura poco a poco como si nos hablara de la misma sociedad que se va convirtiendo en la misma, con esa plaga de ratas gigantes que son los mismos que habitan la ciudad, las ratas gordas, los políticos, los empresarios que les dicen payasos a todos los que no conforman su circulo, que mienten y engañan a la población y beatifican a un trió de pillos solo porque son parte de ellos, es decir estamos ante la representación de cualquier ciudad del mundo, y también de la posible vida de uno de sus habitantes, y como este es llevado al limite, arrinconado, atacado, humillado y pierde todo hasta que finalmente sucumbe a su lado mas oscuro, esto es lo que le sucede a Fleck que poco a poco es orillado a abrazar su locura y cuando lo hace lo hace con gusto y nosotros mismos lo aplaudimos aun a sabiendas de lo que esto significa.

Después de que uno por uno se van derrumbando los ladrillos que conforman el castillo que mantiene la vida de Arthur a flote no le quedara nada a que agarrarse, ya sea el descubrimiento de su improbable padre, su dolorosa niñez, la verdadera naturaleza de su madre, la perdida de su trabajo, el abandono del gobierno, los recortes que le quitan su medicación, el fracaso en su sueño, la realidad de su interés romántico, y la humillación por la única persona que idolatraba en el mundo, es cierto que Phillips juega con la opción de la ambigüedad en todo esto pero aun asi no puede ser mas que doloroso para un Arthur que termina abrazando la locura primero con un acto violento que piensa recompondrá su vida, y despues con la aceptación de la realidad y esa bajada en las escaleras a modo contrario de la pesadumbre conque las sube, por fin a abrazado su locura y el personaje anarquico y desquiciado que todos tememos y amamos, que odiamos pero nos atrae.

Es decir despues de quitar una dirección pulcra, un guion inteligente, una exquisita seleccion de musica y una majestuosa banda sonora de Hildur Guonadóttir,  tenemos una historia que nos habla de simbolismos y que por ello es muy valiosa, que nos dice que la sociedad es capaz de crear monstruos e incluso idolatrarlos, pero con el pesimismo de que los que estan del otro lado son iguales o peores, despues de las referencias cinefilas a ciertas cintas claves y a mucho del cine del maestro Scorsese, principalmente "Taxi Driver" y "The King of Comedy", todavía tenemos una valiosa cinta con un protagonista que se entrega en cuerpo y alma, que nos regala una risa que es la mas incomoda que ha tenido el Joker y que nos presenta al Joker mas peligroso de todos, uno que no solo es un tipo seguro y burlón, ni que busca la anarquía ante todo sino uno que crea y cuida la propia sociedad harta del sistema fallido en el que vivimos, es decir uno que es cuidado, idolatrado, admirado y ayudado, un icono que acepta con felicidad este nuevo camino que solo puede llevarlo a la anarquía, la locura, la oposición al sistema, y a una vida que deja la tragedia para convertirse en comedia, una tan oscura como un pobre enano que no alcanza el seguro para escapar.

Calificación: Notable

Cinecritica: El Muñeco Diabólico

EL MUÑECO DIABÓLICO (CHILD'S PLAY, EU-CANADA, 2019)

Al saber que se realizaría un reboot de la saga sobre el muñeco mala leche Chucky mi desencanto fue evidente, una de las sagas de terror que mas disfrutaba por su humor chocarrero dejaría de existir para dar paso a una nueva versión, pero al tiempo me entere que la saga que todavía esta en suspenso seguiría como serie o algo por el estilo por su mismo creador Don Mancini que ha tomado el control de la saga, por lo que esta versión seria algo alternativo que apostaría por un publico diferente, nada mas real que esto ya que la cinta va enfocada totalmente a la generación z que tienen muchos chunches tecnológicos y viven con el miedo de que estos se rebelen y les borren la información o posteen esas fotos bochornosas, pero extrañamente el guionista Tyler Burton Smith y el casi novel director Lars Klevberg nos regalan algunos guiños al cine de los ochenta que su publico meta no entenderá.

Asi que la provocadora historia de un asesino psicópata burlón que pasa su alma a un muñeco para seguir matando sin levantar sospechas es cambiado por un muñeco tecnologico que puede aprender, una cruza entre un furbie y alexa, con un diseño horrible que hace imposible creer alguien compraría eso, mucho menos un padre a un niño pequeño, por otro lado la premisa es muy estúpida, en alguna planta asiática se producen los muñecos de una especie de apple, ahi un jefe es un patán con su empleado y este en venganza quita los candados que impiden que el muñeco se haga malo o pueda dañar para luego suicidarse, lo superidiculo es que no lo programa sino que solo quita candados dando a entender que todos fueron programados para dañar y solo se les inhibe, despues una calenturienta madre (Aubrey Plaza) le lleva un muñeco dañado a su hijo Andy (Gabriel Bateman, demasiado grandecito) para quedar bien con él, y el chico que ya esta casi en edad de tomarse unas cervezas juega con el muñeco que aprende del chico y lo quiere mucho.

Asi el muñeco siente verdadero amor por el niño, por lo menos programado, pero algunas malas enseñanzas, alguna película de culto que mira y los berrinches de Andy lo hacen confundirse y desviar el camino para matar de maneras inventivas a los que le hacen la vida difícil primero y despues a los que lo quieren por celos obsesivos, por ahi sale un policía que solo es una salida cómica, algunos personajes que solo aparecen para morir y un final exagerado con todo y ataque en centro comercial que es detenido por todo mundo y el intento penoso de la pandilla de strangers things estilo chucky, en pocas palabras una ridiculez que si apenas se sostiene es por la voz de Mark Hamill como Chucky y las mencionadas referencias cinefilas, por ahi se dice que es una muestra y critica del terror real hacia la tecnología, y aunque esto es interesante antes se ha hecho mucho mejor por lo que estamos ante una cinta sin sustos, sin sorpresas, bobalicona, poco creíble, con serias lagunas, con algo de gore, un humor que queda mucho a deber de la fuente que bebe y una cinta que quedo muy pero muy por debajo de la original por mas que la generación z se empeñe en negar.

Calificación: Mala

Cinecritica: Annabelle 3: Viene a Casa

ANNABELLE 3: VIENE A CASA (ANNABELLE COMES HOME, EU, 2019)

Y sigue el universo del conjuro dándole dividendos a la Warner, con cada vez resultados mas regulares y peores en taquilla, de hecho esta tercera cinta de la famosa muñeca Annabelle se siente como una de esas tan famosas cintas de transición que son usadas en el universo cinematográfico de Marvel, es decir que no aportan nada a no ser que sea como puente o trailer extendido de la siguiente cinta, aqui se siente asi no solo por la excusa que tiene como historia del mismo Gary Dauberman que aqui debuta en la dirección sino por la cantidad ingente de espectros que aparecen en la cinta, que van desde la misma muñeca, un vestido de novia maldito, el Ferryman, una especie de hombre lobo de la neblina, una tenebrosa armadura samurai, el juego maldito Feeley Meeley, un guardapelo que comunica con los "muertos", un extraño piano y una televisión que predice el futuro.

Ante tanto uno no puede mas que quedarse agotado, ese es el problema de la cinta, ademas de su flojo guion son tantas las cosas que se presentan que uno no termina por ubicar ninguna, y queda la impresión de que mas bien es una estrategia de mercadotecnia para ver cual es el chunche o espectro mas popular para que sea el siguiente spin-off o ¿porque no? el siguiente caso del conjuro, una cinta que ademas arrastrara el problema de que cualquiera de esos malévolos objetos fueron derrotados por tres chicas asustadizas, apostando mas por el humor esta cinta comete muchos pecados. Ed (Patrick Wilson) y Lorraine (Vera Farmiga robándose la cinta solo apareciendo como cameo) recogen a la muñeca Annabelle y se dan cuenta del gran peligro que esta supone, algo de lo que no se dan cuenta las adolescentes protagonistas, la solitaria hija de los Warren Judy (ascendente McKenna Grace) se siente apartada de la sociedad al mismo tiempo que descubre poderes como los de su madre.

Por fortuna tiene una amable niñera (Madison Iseman) que la apoya, a esta se suma la amiga tontona Daniela (Katie Sarife) que acaba de pasar por el trauma de perder a su padre y por ende se mete a la casa, se cuela a la habitación prohibida e invoca a los espíritus liberando a Annabelle y muchos mas, de aquí en adelante se convierte en una casa de los sustos donde para acabarla de amolar tenemos un elemento cómico en el pretendiente de la niñera que rompe el ambiente, una resolución facilona y un exorcismo tramposo, asi como tecnológico, que simplemente no funcionan, por fortuna el ambiente esta bien logrado, el diseño de producción de esa epoca es impecable, el sonido es bueno y tenemos algunos buenos sustos como ese maquiavelico cambio de sombras que representan la naturaleza de la muñeca. Frente a esta cinta veo infinidad de voces pidiendo que ya acabe este universo cinematográfico, que si esta agotado, el problema es que son las mismas voces que piden que el MCU continué cuando hace rato se agoto, o mejor dicho nunca funciono, por lo menos no recuerdo una cinta de ese universo de la calidad de "The Conjuring".

Calificación: Regular

Cinecritica: Donnybrook

DONNYBROOK (ÍDEM, EU-FRANCIA, 2018)

Si en la reseña anterior hablaba de la tremenda entrega de Joe Cole en esa actuación física no queda mas que remarcar lo mismo aqui pero con Jamie Bell que se entrega totalmente físicamente y ademas con la ventaja que le da ser un actor experimentado que con pocas palabras, solo su mirada o incluso de espaldas es tratar de decirnos que siente. Estamos ante una dolorosa cinta que nos habla de la realidad de la américa profunda, esa que voto por Trump y que estan en plena desesperación despues de muchísimos gobiernos que les han dado la espalda, a esos americanos que construyeron el país y que ahora tienen que lidiar con la ignorancia, la pobreza y las drogas, en medio de eso tenemos la historia de Jarhead Earl (Jamie Bell, muy bien) un tipo con hijos y una esposa drogadicta al que no le alcanza para mantenerlos por lo que decide entrar en la competencia del titulo, una pelea donde el ultimo que quede en pie ganara todo.

Pero por ahi también esta el proveedor de la mujer, el psicópata Chainsaw Angus (peligroso y oscuro Frank Grillo) que no dejara que su comprador se escape asi, mucho menos despues de cierto incidente que lo deja contra la pared, y que apoyado por su ninfomana hermana Delia (Margaret Qualley demostrando que si puede actuar y ademas bien) irán tras del tipo y le harán la vida imposible, y no solo a él sino a todos los personajes con los que se topen, un grupo de inadaptados, desalmados y depravados que no extrañaremos, y con cierto policía (James Badge Dale) siguiendo las pistas para tomar una venganza personal hacia el desalmado Angus, que también se da el lujo de maltratar a su hermana al mismo tiempo que tiene una relación incestuosa.

Violencia, sexo y drogas se juntan en este cóctel sórdido que no nos deja respirar y que siempre tiene un tono oscuro de desesperanza llegando a su cumbre en esa parte final donde apenas podemos soportar la mirada al ver dos de las muertes mas dolorosas recientes y emocionarnos con esa batalla final donde los golpes se ven, oyen y escuchan reales y donde la cámara los sigue sin darles oportunidad de descanso, quizá lo mejor que se ve en la cinta de Tim Sutton que de todas formas tiene un aire de pequeña esperanza, o por lo menos eso se vislumbra, que existe incluso despues del dolor nos entrega un respiro que era necesario en esta catastrófica cinta que nos retrata el dolor del norteamericano común, ese que ahora llaman white-trash.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Una Oración Antes del Amanecer

UNA ORACIÓN ANTES DEL AMANECER (A PRAYER BEFORE DAWN, REINO UNIDO-FRANCIA-CHINA-EU, 2017)

Un ingles que practica el boxeo tailandes en Tailandia es encontrado con droga y procesado como camello en una cárcel del país que literalmente es un infierno, mucho mas para él que para los demas reclusos que forman parte de bandas y grupos, tipos totalmente tatuados que torturan hasta la locura a los pobres incautos que desean llegando incluso a la muerte, los suicidios de los pobres diablos despues de violaciones colectivas e incluso amenazar con jeringas con sangre contaminada con sida, para Billy Moore (Joe Cole en una entrega emocional y física formidable, una mas que agradable sorpresa) como apunte es todavía peor al sufrir los racismos de su piel blanca y ser mas vapuleado por los guardias, por supuesto esto es peor al no entender absolutamente nada del idioma, algo que compartimos con él pobre tipo ya que hábilmente el director Jean-Stéphane Sauvaire no traduce por lo que nos sentimos inmersos en la desesperación e infierno del protagonista.

Toda la cinta es contada de esta manera, desde la perspectiva de Billy que ni siquiera duerme cuidándose la espalda, que es cuidado por un travestí que tiempo despues e hará intimo del chico conociendo que las desilusiones no solo llegan de las mujeres, es asi que Billy pelea por su vida, es castigado en un infame hoyo torturador y cuando parece que no tiene otra salida descubre que el mismo boxeo lo puede salvar ya que estos prisioneros tienen privilegios, unos que Billy peleara pero que le costaran muchísimo para finalmente lograr el reconocimiento que merece. La cinta parece convencional en su historia y discurso pero gana dividendos al saber que es una historia real, ademas de que esta muy bien dirigido haciendo que en realidad nos sintamos dentro de ese lugar desesperanzador y peligroso, con un protagonista entregado que nos convence de que esta sufriendo lo peor que puede ocurrirle a alguien y dando una lección mil veces repetida, la inhumanidad de algunos lugares asiáticos y el racismo imperante hacia los blancos por mas que solo se hable del contrario.

Con buenas escenas de lucha, en especial una sin cortes que es estupenda, y un Joe Cole en plena forma solo queda recomendar esta desconocida cinta que merece mas publico y donde al final eleva su nivel, no solo por ese final climático sino por esa decisión de su protagonista de no huir y enfrentarse con responsabilidad a sus errores, una que es retribuida por su padre (interpretado por el mismísimo Billy Moore real) en una mirada y sonrisa que dicen mas que mil palabras, la aceptación de la vida, la toma de decisiones correctas, el valor de la familia y lo que da mas valor, no es darse de golpes, sino enfrentar con responsabilidad nuestras acciones.

Calificación: Vale la Pena