Cinecritica: Ichi: The Killer

ICHI THE KILLER (KOROSHIYA 1, JAPON, 2001)

Película del prolífico director Takashi Miike que lo mismo hace una comedia que una película de samuráis, una cinta de terror, una adaptación de videojuegos, películas de yakuzas o adaptaciones de mangas, debo aceptar que no conozco casi nada de su filmografía a excepción de dos cintas que creo ya tengo reseñadas en este mismo blog, y esta cinta del 2001 viene siendo una cinta inclasificable, si acaso solo se puede clasificar como adaptación de manga aunque según lo que he leído no sigue al pie de la letra el manga en el que esta basado que -mea culpa- todavía no reviso, y aunque es una historia de yakuzas creo que no se puede calificar asi por la temática que maneja que es más bien sobre las diferentes formas de pensar de sus personajes que tienen caracteres y deseos enfermizos que condicionan su forma de vida y la de los que los rodean, al mismo tiempo maneja una historia de venganza y amores enfermizos y nos entrega un final que se presta a multiples interpretaciones y que todavía estoy rumiando.

 

Comenzamos viendo como un pronexeta esta golpeando a su prostituta mientras alguien esta viendo esto y se masturba y de lo que surge vemos salir el nombre de la cinta, a partir de esto sabemos que temática tendrá la historia, un jefe de la mafia desaparece y su mano derecha Kakihara (Tadanobu Asano, excelente) comienza a buscarlo con todos sus recursos porque siente un gran cariño por él, en tanto su "mujer" principal no parece preocupada, Kakihara lo busca incansablemente capturando jefes de otras mafias y torturándolos, y enfrentándose a toda la mafia, mientras que en realidad el jefe ya fue destazado por un sádico asesino llamado Ichi (Nao Omor, bastante bien) quien esta siendo manipulado por Jijii (Shinya Tsukamoto) para que elimine a toda esa mafia aunque nunca sabemos la razón exacta, lo más interesante viene de la línea de Kakihara quien después de torturar a cierto jefe mafioso colgándolo con ganchos y quemándolo con aceite usado es llamado por los yakuza para responder ante sus actos por lo que se corta la punta de la lengua por decisión propia y sigue su terrible búsqueda/investigación donde es expulsado frente al miedo de toda la mafia, lidia con prostitutas, busca quien llene el lugar del jefe que lo golpeaba hasta la muerte ya que Kakihara es sadomasoquista.

 

La otra línea nos muestra a Ichi quien es como un niño con recuerdos implantados que después de ponerse un traje otaku llega con los objetivos y los destaza al explotar después de llorar como niñita, pero Ichi no puede con un recuerdo de una violación que lo persigue que nunca queda claro si fue verdad por lo que sucede en una escena, Ichi va liquidando poco a poco a toda la mafia de Kakihara quien manda llamar asesinos estrambóticos propios del mundo manga y se siente cada vez más emocionado y excitado con el sádico Ichi que puede ser el único que logre torturarlo de tal manera que llene su sadomasoquismo, para esto vemos varias veces lloriquear a Ichi y perder el control con sus planes y deseos sádicos como el de golpear a cierta prostituta y matar a la que piensa es la chica de sus recuerdos, el enfrentamiento final es tan raro como podría ser, con un Ichi imparable y después impotente frente a un Kakihara decepcionado que encuentra su final y su propio infierno al mismo tiempo que los planes de Jijii fallan y encuentra su final con la venganza de cierto niño mientras que de Ichi solo podemos suponer que esta muerto después de aceptar su debilidad mental, una película sobre personajes enfermizos con todas las parafilias posibles que logran que no formemos empatía con ninguno lo que ayuda a carcajearnos con esa violencia exagerada que no molesta debido al estilo que maneja y que tiene momentos realmente logrados, junto a otros de mal gusto (esa felación antes de morir), y que tiene lo mejor en un personaje como Kakihara que es perfecto para convertirse en personaje de culto.

 

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: No

NO (IDEM, CHILE-MEXICO-EU, 2012)

La quinta película de Pablo Larraín resulto una increíble sorpresa para un servidor y una muestra de que tengo que revisar toda la filmografía del director, esta crónico sobre la campaña del "No" que derroto a la del "Si" de Pinochet es una muestra perfecta de como se debe hacer una cinta de este tipo, cuando comencé a ver la cinta me incomodo un poco la manera en la que esta filmada, no solo por la extensión que deja dos grandes franjas negras (estoy acostumbrado a eso por las películas antiguas que tengo) sino por la suciedad de las imágenes que no están nada pulidas, pero rápidamente uno se acostumbra y se da cuenta del grandísimo acierto del director al grabar la película de esta manera, al filmar con el soporte de video U-matic 3:4 que se usaba a finales de los ochenta en Chile a uno le parece difícil descifrar que partes son ficticias, grabadas en la actualidad y cuales son documentos de la época, asi que dejamos de pensar en cuales son reales y cuales no y nos sumergimos en la historia como si estuviéramos viendo una cinta normal o inclusive un documental.

 

Justamente eso parece esta cinta, un documental que nos acerca de la mejor manera posible al relato y que como se adentra tanto en la vida personal de los protagonistas que parece un documental exhaustivo, por supuesto que nunca somos engañados pensando que es un documental pero funciona como tal, además la historia que cuenta es fascinante, nos tiene en todo momento pendientes y aunque sabemos como termina sufrimos junto a los protagonistas, además de que Larraín con la misma inteligencia de su protagonista no se toma la cosa tan en serio y le da un sentido más luminoso y optimista a la historia, lo cual la hace más accesible para nosotros, y también Larraín nos muestra la historia del lado "Si" de la campaña pro-Pinochet sin mostrarlos como monstruos o censurarlos, simplemente muestra los hechos sin tomar partida (por lo menos no de manera cínica). Rene Saavedra (Gael Garcia Bernal, bien) es un experto mercadologo que fue exiliado a México y que al volver a Chile es convencido de crear la campaña del "No" del plebiscito que Pinochet se vio obligado a hacer debido a las presiones internacionales.

 

Saavedra no lo hace de manera abierta porque su postura es mucho más prudente que la de su Ex esposa (Antonia Zegers) quien siempre esta en las manifestaciones, aun así Saavedra crea la campaña y se enfrenta al gobierno totalitarista que los rige, a los militares que lo persiguen, y hasta los mismos políticos y familiares que ven su campaña "ligera", llena de alegría donde hay canciones uniendo a los chilenos, atacando a Pinochet y con chistes cada dos por tres, y muchos colores cosa que los partidarios y contrincantes llaman "mariconadas", pero Rene esta convencido de que esta es la forma de ganar y no dar una imagen deprimente y lastimosa, en tanto que la campaña "Si" liderada por el frio Luis Guzmán (Alfredo Castro, bastante bien) se va por el lado del miedo, del chantaje, del ataque, cosa que le da la ventaja al "Si" hasta que el "No" empieza a satirizarlos, quizá demasiado tarde para darle la vuelta al asunto que culmina con un Pinochet obligado a enfrentar su derrota cuando sus generales le den la espalda frente a la presión internacional para respetar los deseos del pueblo, así con Rene y un talentoso grupo de colaboradores sacan adelante la campaña con una línea publicitaria para cualquier venta de un producto y que Larraín nos entrega de forma perfecta con la historia que graba con la campaña real mostrada por segmentos de forma inteligente y videos documentales, un éxito y una muestra de que el cine latinoamericano tiene calidad, pese a quien le pese.

 

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Breezy

BREEZY (IDEM, EU, 1973)

Tercera película del maestro Clint Eastwood y muy subvalorada, esta cinta esta casi olvidada y hasta los fanáticos de Eastwood no la conocen, o no se han dado la oportunidad de conocerla como una de las cintas menores del director para decir que no es indispensable, cuando Eastwood la hizo no se la quisieron distribuir debido a las exhibiciones de prueba que no fueron alentadoras, la cinta se enlato durante un año y cuando por fin se lanzo sin nada de publicidad en pocas salas le fue muy mal, Eastwood no estaba contento con la forma que trataron su cinta y acuso de esto al fracaso al que la obligaron, algo que todavía carga hasta la fecha porque como apunte arriba es una de la cintas más desconocidas del director, pero esta historia de amor entre un hombre maduro frio y duro y una hippie liberal, aniñada y alegre vale mucho la pena.

 

Edith Alice "Breezy" Breezerman (Kay Lenz, excelente en el papel de su vida) es una joven que vive dia a dia, no se si es correcta llamarla hippie aunque sus creencias si van por este camino, ama a los animales, ama todo lo que existe, busca la alegría en todo, en todo ve algo bueno, supone que Dios es el nombre para la conciencia del hombre y por supuesto tiene una gran libertad sexual, Breezy duerme donde puede aunque esto signifique que se aprovechen de ella, mientras que Frank Harmon (William Holden, excelente) se despide de una mujer esperando no volverla a ver después de pasar la noche con ella, es un solitario empedernido, se ha acostumbrado a ello pero no porque lo desee sino porque no se ha vuelto a enamorar después de terminar muy mal en su primer matrimonio.

 

Breezy se sube en el carro de un depredador sexual y apenas logra escapar y termina subiéndose en el carro de Frank, al tipo le llama la atención pero Breezy se separa de él llorando, aun asi la joven sigue yendo a visitarlo y conociéndolo, metiéndose en su vida a fuerza, pero después Frank lo agradece y se da cuenta de que Breezy lo ama, cosa que el todavía no acepta, pero que al final tendrá que aceptar por más que haya una abismal diferencia de edades, el es un hombre adulto, ella una adolescente, las diferencias sociales, el es un empresario con dinero, ella una hippie vagabunda, y la forma de pensar, él es pesimista, duro y arisco, ella es confiada, alegre y feliz, y asi se va ganando su corazón, entre tanto parloteo y sonrisas, lo mismo hace con nosotros, Breezy se gana nuestro cariño y aunque entendemos sus problemas y diferencias queremos que sean felices, a pesar de que se convierta en la comidilla de sus amigos y de que parezca un viejo rabo verde con crisis de edad, al final Frank decide darse la oportunidad de ser feliz, algo que aprendio de Breezy, pero ¿Quién no lo haría con una preciosidad como Kay Lenz que con esa soltura, frescura, desparpajo y juventud?

 

Calificación: Bien

Cinecritica: Atlantida, El Continente Perdido

ATLANTIDA, EL CONTINENTE PERDIDO (ATLANTIS, THE LOST CONTINENT, EU, 1961)

Película olvidada del soñador George Pal quien principalmente produjo pero dirigió unas pocas cintas que aunque olvidadas reflejan de buena manera la fantasía que debe habitar en el cine donde ahora todo se toma muy a pecho y se le pone más interés a cuantos pixeles tiene un efecto especial en lugar de que nos despierta, en ese sentido la película de Pal presume unos efectos especiales que quizá ahora se vean chafones e increíblemente desfasados pero que en su tiempo funcionaban e incluso algunos todavía lo hacen, por supuesto me refiero a la ambientación de algunos cuartos, y la historia aunque sencilla es de esas que se antoja ver junto a la familia un domingo con tiempo.

 

Ya en el prologo se nos dijo que la Atlántida es la cuna de toda la cultura y los avances de la civilización del mundo ya que se disperso por el mundo y por ello culturas tan lejanas son parecidas, Demetrio (Sal Ponti acreditado como Anthony Hall) es un pescador griego que encuentra una princesa llamada Antillia (Joyce Taylor) y la rescata, esta quiere regresar a como de lugar a su reino, una tal Atlántida que nadie conoce y que esta más allá de los limites conocidos, Demetrio no lo cree pero la princesa lo obliga a ir prometiendo su mano si fracasan, el tal reino si existe pero se ha corrompido a grado tal que quieren invadir todo el mundo para esclavizar a la humanidad.

Demetrio es hecho esclavo a pesar de las quejas de la princesa donde además de usarlos como mano de obra barata los convierten en bestias, Demetrio pasa por la prueba de fuego y agua y gana la libertad, después de eso se alia con la princesa y el sacerdote principal (Edward Platt) para detener los planes del imperio ganándose la confianza de Zaren (John Dall) aunque en realidad sabotea sus planes, lastima que al final la destrucción de Atlántida no se vea tan bien como el resto de la cinta y que supuestamente esta es destruida por Dios ya que sus habitantes se corrompieron, digo, si asi fuera ya no estarían varios países.

Calificación: Regular

Musica: Standing in the Way of Control - Gossip

STANDING IN THE WAY OF CONTROL - GOSSIP
Gossip se formó en 1999 en Searcy, Arkansas y originalmente eran Beth Ditto como cantante, el guitarrista Brace Paine y Kathy Mendonca en la batería. Fueron influenciados, en parte, por bandas como Riot Grrrl y el feminismo, aunque los miembros de la banda no se identifican como banda nombrada anteriormente. La banda se trasladó luego a Olympia, Washington en 1999, y firmaron con la discográfica independiente K Records. Esta discográfica publicó el primer trabajo de Gossip, su homónimo EP debut, The Gossip en 1999.

 

Desde su lanzamiento, Ditto ha causado controversia por hablar abiertamente acerca de su peso y sexualidad, así como no guardarse opiniones acerca de otros músicos.

Su siguiente lanzamiento fue su primer álbum That's Not What I Heard y fue publicado por la discográfica Kill Rock Stars el 23 de enero de 2001. Entre el lanzamiento de su segundo álbum, lanzaron el EP Arkansas Heat el 7 de mayo de 2002. Movement, segundo álbum de estudio de la banda, le siguió un año después y fue lanzado el 6 de mayo de 2003. En noviembre de 2003, dos meses después de el lanzamiento de su primer álbum en vivo Undead In NYC el 9 de septiembre, la baterista Kathy Mendonca dejó la banda para seguir una carrera de partera. Hannah Blilie se unió a la banda para reemplazarla.

 

El primer lanzamiento presentando a la nueva batería fue el EP colaborativo Real Damage, entre la solista de electropop, Tracy + the Plastics, que fue lanzado el 25 de enero de 2005. El siguiente álbum de la banda Standing in the Way of Control le siguió un año después. Fue lanzado el 26 de enero de 2006 por Kill Rock Stars y después en el 2006 bajo la discográfica del Reino Unido, Black Yard Recordings.

 

Ahora viven en Portland, Oregon. The Gossip ha hecho de telonera para las bandas como Sleater-Kinney, Le Tigre, CSS y Mates of State. Es más, Gossip también ha hecho de telonera a Scissor Sisters en tres fechas durante la gira de éstos en noviembre de 2006, aunque en una edición de la revista NME, Ditto dijo que le molestó haberse presentado ante una audiencia a la que 'no le gustaba su propios Ramones'.

 

La canción fue escrita por Ditto en respuesta a la decisión del gobierno de los Estados Unidos de negarle el derecho al matrimonio a los homosexuales. La cantante afirmó con respecto a la canción:

“Nadie en los Estados Unidos estaba tan sorprendido o conmocionado por lo que Bush hizo, pero conozco gente que se sintió impotente y engañado ante esa decisión.” “Escribí el estribillo de la canción para tratar de animar a la gente a no rendirse. Son tiempos difíciles para los derechos civiles, pero creo de verdad que la única forma de sobrevivir es mantenernos juntos y seguir luchando”.

Video original subtitulado


Video subtitulado


Lyrics

Cinecritica: Bugsy Malone

BUGSY MALONE, NIETO DE AL CAPONE (BUGSY MALONE, REINO UNIDO, 1976)

Impresionante opera prima del señor Alan Parker, no se puede decir de otra manera porque además de ser una gran película es una grandiosa muestra de valentía, ¿Quién más se animaría a iniciarse en el cine con un musical que parodia/homenajea al cine negro y cuyo reparto esta enteramente formado por niños? se nota que Parker tenia seguridad y con justa razón ya que graba todo de manera perfecta, los musicales, las escenas de acción, los diálogos, y además todo de manera tan amena y divertida que a uno se le pasa volando la hora y media que dura la cinta y queda con ganas de mucho más, y no solo eso, la dirección de arte es magnifica, el vestuario ni se diga, la fotografía nos remite inmediatamente a esos años del auge del cine negro, y el reparto hace increíblemente bien su trabajo, especial atención a Jodie Foster que con trece años y antes de "Taxi Driver" se luce de manera impecable como una femme fatale miniatura.

Desde el prologo se nos avisa como va a ser la cosa, con unos tipos arrinconando a cierto mafioso y liquilandolo con ametralladoras que disparan crema cual pastelazo, de ahí pasamos a los créditos con la canción de "Bugsy Malone" (Scott Baio, bastante bien) mientras el capo de medio pelo se dirige a buscar chicas ya que esa es su especialidad, ahí se topa con Blousey Brown (Florrie Dugger) quien tiene como sueño ser estrella de Hollywood pero que debe empezar desde abajo como corista del cabaret de "Fat" Sam Staccetto (perfecto John Cassisi)  quien esta siendo masacrado por su rival Dandy Dan (Martin Lev) debido a que este tiene armas rapidas, Bugsy se enamora de Blousey y decide ayudarla en lo que sea con tal de que consiga su sueño aunque eso signifique dejar la vida de vividor que conoce y despertar la ira de la femme fatal Tallulah (sorprendente Jodie Foster) quien es nada menos y nada más que la chica de Fat Sam.

Asi que mientras vemos un naciente romance, algunos sueños de secundarios, la pelea de mafias que homenajea y parodia casi todo lo que hemos visto; asesinatos en barberías, emboscadas, traiciones, todo esto con mucha crema y muchísimo humor, el triangulo amoroso y hasta una hilarante persecución que aquí es divertidísima ya que los carros se mueven a pedales, al final la cosa resulta más que obvia, esta es una historia para toda la familia (no solo para niños) que tiene un mensaje infinitamente valioso, todavía más en estos tiempos, y creo que muy importante en México y especialmente en Sinaloa, hay que pensar que se quiere ser y tener una vida que valga, la cinta es un chiste, un juego y se debe tomar como tal, pero no se debe desechar su valioso mensaje que queda latente en ese maravilloso musical del final, el único pero es que las canciones aunque me gustan mucho son cantadas por adultos y se enciman a la mímica de los niños, no entiendo muy bien la razón de esto pero desentona un poco el conjunto, por lo demás los números musicales son estupendos y los sigo tarareando, el de Tallulah con una majestuosa Foster, cuando convencen a los vagos de ayudar, el del cabaret, "You Give a Little Love" del mencionado final y en general todos, ah como extraño este tipo de musicales.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Marley

MARLEY (IDEM, EU-GRAN BRETAÑA, 2012)

Documental sobre Bob Marley del director Kevin Macdonald que resulta agotador en el mejor sentido de la palabra, pero resultando cansino por algunos momentos por la reiteración que hace Macdonald y su editor para mostrarnos lo mismo una y otra vez como para que nos quede claro o no se nos olvide, pero la verdad sea dicha Robert Nesta Marley es un músico mucho más interesante y grande de lo que pensaba, antes de ver el documental lo consideraba un músico interesante, con algunas buenas canciones pero que se basaba principalmente en su estrambótica forma de ser para vender, y ahora que vi esto pues por lo menos parece que estaba muy comprometido con su música, aunque de todas formas no es el "gran" músico que nos quieren vender.

 

Al inicio vemos a la familia de Marley, su luchona madre, como sufrio los abusos de los negros de Jamaica por ser mulato, es decir que es un padre blanco y adinerado que nunca lo reconocio, y esto es quizá de lo más interesante del documental, ese abandono y falta de cariño por parte de su padre parece haberle afectado ya que mientras la mayoría de sus amigos no lo bajan de santo sus hijos no lo recuerdan con afecto por lo distante y la falta de cariño que les mostraba, en lugar de pasar tiempo con sus hijos escuchaba a las personas, jugaba futbol con sus amigos y ligaba chicas porque el señor tuvo once hijos con siete mujeres, esa falta de empatía para con su sangre lo convierte en una mala persona para mi pero ya depende de cada quien.

 

La verdad es que a Marley le encantaba ser adorado y adulado y sabia que solo podía serlo con su música, por lo que cuando el documental entra en esta etapa es cuando la cosa se pone buena, el reggae que nacio del ska y que tiene mucho de otros ritmos, como poco a poco su música se fue tornando más religiosa, algo góspel, en su adoración de un tipo que creían la segunda venida de Jesucristo, y los muchos problemas que tuvo Marley con productores, disqueras, músicos, y como la música nacia de sus diferentes vivencias de vida, algo muy interesante ya que lo coloca como música autor que nos recuerda a los trovadores, y la etapa de las rencillas políticas con intento de asesinato es interesante, no puedo decir lo mismo de la enfermedad que termino con él, se alarga en demasia y quiere chantajearnos, de cualquier manera Macdonald hace buen trabajo con las entrevistas a músicos, familiares, amigos, hijos, mujeres, religiosos alternándolo con entrevistas suyas y su propia música que adereza muy bien el filme.

 

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: El Auto Nuevo de Mike

EL AUTO NUEVO DE MIKE (MIKE'S NEW CAR, EU, 2002)

Cortometraje de Pete Docter con el habitual colaborador de todos en Pixar, Roger Gould, el corto tiene una menor calidad que la que habia venido manejando y es el primero que usa protagonistas de una pelicula de manera directa, quiza por ello se siente menos fresco, se siente como un alargue de la cinta, como algo que hubiera podido pasar dentro de la misma, como un extra, es obvio que es algo asi pero me hubiera gustado algo más fresco aunque siempre se agradece.

 

Y principalmente porque este es muy divertido, es sorprendente ver como uno no se cansa de ver a Mike golpeado una y otra vez sin dejar de reir, Mike (voz de Billy Crystal, muy bien) le presenta su nuevo carro a Sulley (voz de John Goodman, muy bien) a lo que este pregunta que tenia su viejo carro, y tenia razón porque en este todo lo malo que le podia pasar a Mike le sucede.

 

Una cantidad de tonterias que llevan al final a Mike a que extrañe su viejo carro con todos su males, lo mejor es que se sigue explotando inteligentemente la pareja dispareja que forman estos dos y que la animación es exquisita.

 

Calificación: Interesante

Trailer: Kick-Ass 2

Lo Mejor del Mes: Julio 2013

Dramas adolescentes, ciencia ficción de antaño, cortometrajes animados y antiguos, cine oriental, algo de Landis, mucho de Lasseter, una polémica película serbia, el decepcionante regreso de John McClane, el regreso de Stallone, el debut de Don Siegel, de Mike Cahill y de James Cameron que se avento un churro, aquí lo que según un humilde y poco conocedor servidor fue lo mejor del mes en lo que vi:

 

Lo Mejor..... "Luxo Jr." de John Lasseter, un "sencillo" cortometraje que sirve de estafeta a Pixar y que cuenta una historia sencilla pero impecable y nos muestra una variedad majestuosa de sentimientos de parte de dos lámparas, cine en estado puro.

 

Mención Honorifica..... "Knick Knack" de John Lasseter, otro cortometraje al más puro estilo de la animación clásica con una historia sencilla como el de un muñeco de nieve atrapado en una esfera que quiere salir desesperadamente para estar con la muñeca de sus sueños, lo de ahí es locura pura y diversión hilarante.

 

Segunda Mención Honorifica..... "Godzilla" de Ishiro Honda, la película original del gigantesco monstruo prehistórico resulto una sorpresa, el simbolismo de la cinta sigue tan actual como en esos años y nos muestra los fantasmas que seguían incansablemente a los japoneses.

 

Lo Peor.... "Movie 43" de cantidad de directores y actores, una fallidísima, aburrida y cansina muestra de gags que nunca funcionan y que dizque presumen estar pasados de rosca, estupidez pura.