Cinecritica: Danza con Lobos

DANZA CON LOBOS (DANCES WITH WOLVES, EU, 1990)

Opera prima del actor/director/productor Kevin Costner que es con la que más exito ha tenido en sus tres facetas, lo catapulto como estrella, lo consolido como director y le dio gran exito economico, se volvio el hit del año y en los premios oscars arraso con todo, en lo personal no me parece que la pelicula sea cosa de otro mundo, ni siquiera son del tipo de western que me gustan pero he de admitir que la cinta cumple y bastante bien, tiene gracia y entretiene a pesar de su largo metraje y de que su historia no es muy original que digamos, es la tipica historia de un hombre que llega a un lugar desconocido para él para finalmente aprender y amar las costumbres de los lugareños y al último termina ayudandoles, eso si, Costner dirige de manera artesanal y logra escenas y momentos interesantes al mismo tiempo que le echa muchas ganas a su actuación, lastima que quiza resulte demasiado pausada para las nuevas generaciones.

 

Para el que ya vio "Avatar" pues esa es la historia de "Danza con Lobos", solo que con menos fuegos artificiales y una profundidad que a como lo veo va a perdurar mucho más que los pitufos con hormonas de crecimiento, John J. Dunbar (Kevin Costner esforzandose mucho y se le agradece porque termina convenciendo) esta a punto de que le amputen la pierna en la guerra civil norteamericana, temiendo esto prefiere aventarse locamente al campo de batalla para que lo maten, pero no lo logra y su proeza causa un gran impacto emocional por lo que es premiado y lo mandan a territorio indio a que espere la llegada de las tropas, ahi John completamente solo comienza a relacionarse con los indios hasta el grado de que se convierte en uno de ellos, los ayuda, vive con ellos, festeja con ellos, caza junto a ellos y por supuesto se enamora de una de ellas.

 

Lamentablemente la chica es una blanca (Mary McDowell) criada por los indios, me queda la impresión de que de haber sido de otra manera se hubiera sentido más profundo, o algo asi, eso si, al final las tropas norteamericanas llegan a quitarle el terreno a los indios y John se cambia de bando, pero solo los ayuda a escapar porque obviamente no pueden pelear contra ellos, en un epilogo muy pesimista, algo mucho más real que la cinta de Cameron. Las relaciones en la pelicula estan bien cuidadas y uno las cree, la escena de la caza de bisontes es buenisima al igual que las dos batallas, una entre los indios y otra salvando a John, al igual que la "danza con el lobo" que le da su sobrenombre al personaje de Costner. Lo mejor es su mencionada relación con el lobo que termina de forma lamentable,la escena inicial, y las tres escenas mencionadas atras, pero que quede claro que no la considero una pelicula inconmensurable como tampoco lo es "Avatar" pero seguramente a esta la tratara mejor el tiempo, ya empezo a hacerlo.

 

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: El Violín

EL VIOLÍN (IDEM, MÉXICO, 2005)

Como estamos en el mes patrio hay que reseñar aunque sea un poco de cine mexicano para variar, ya escribi sobre "El Crimen del Padre Amaro" y ahora vuelvo al cine nacional con otra premiada cinta como lo es la opera prima de Francisco Vargas Quevedo sobre una minimalista historia que representa solo una parte de lo que tuvo que soportar el pueblo mexicano con la guerra sucia que duro dos decadas donde el PRI empezo una matanza con los que se oponian a ellos, aunque solo fuera en forma de opinion, la dictadura perfecta que nunca hemos perdido y que al parecer seguira por los siglos de los siglos en nuestro México querido, primeramente comentar que algunos consideran que la pelicula es presuntuosa, quiza por el estilo que maneja o porque esta filmada en blanco y negro, en cambio a mi me parece una pelicula muy humana, bien filmada e interpretada y con algunos momentos memorables que además tiene una critica politica muy valiosa.

 

La pelicula comienza mostrandonos a Don Plutarco (Ángel Tavira, muy bien), su hijo (Gerardo Taracena) tocando mientras su nieto pide unas cuantas monedas a los oyentes, regresan a la sierra solo para encontrarse conque los militares han llegado a su pueblito y se han apropiado de todo, lo hacen buscando rebeldes y estan en lo correcto ya que ahi estan preparando una guerrilla, el problema es que ahora los militares los tienen en sus manos ya que las municiones se quedaron en el pueblo, la guerrila intentara hacer un ataque desesperado pero Don Plutarco tiene un plan y le ruega a su hijo que espere, nadie cree que puede lograr algo pero Plutarco va al pueblo y se gana la confianza de los soldados gracias a su talento tocando el violin.

 

En especial la del capitan (Dagoberto Gama, bastante bien) quien siempre ha querido aprender a tocarlo, asi que poco a poco Plutarco va sacando municiones mientras nosostros tensionados esperamos que en cualquier momento lo atrapen. El final es seco, realista, exacto, y nos remite a un inicio donde se nos enseña que es una pelicula cruda, cierto que por momentos la cinta desvaria demasiado, hay largos monologos explicaciones y no todos salen bien librados, no asi el de Gama que es de lo mejor del filme, mientras que Tavira se gana nuestro respeto tanto por sus gestos, por su voz, como por su magnifica forma de tocar el violín, aunque al final tendra que dejar de tocar porque la guerra destruye todo, no es una pelicula sencilla pero como mexicanos debemos de verla, la mayoria ni sabe que existio esta guerra.

 

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Snatch, Cerdos y Diamantes

SNATCH, CERDOS Y DIAMANTES (SNATCH, REINO UNIDO, 2000)

Esta segunda pelicula de Guy Ritchie es mejor que sus dos peliculas sobre Sherlock Holmes, debo admitir que esta es la unica que he visto ademas de las del detective pero supongo que es lo mejor del director, ya revisare las demás en cuanto pueda, clasificarla esta resulta complicado pero pertenece al nuevo cine de gangsters, con una combinación de comedia negra y film noir con una edición y velocidad vertiginosa, lo cual resulta un acierto porque todo sucede tan rapido que antes de que entendamos completamente la historia el filme llega a su final, uno que sorprende y deja un grato sabor de boca en el espectador, uno se siente feliz por la habil revancha de los gitanos y por la buena suerte de los dos pobres diablos que se vieron atrapados dentro de una busqueda vertiginosa de codicia que se desata por una brillante piedra y que lleva a la perdición a un mundo de maleantes, quiza por ello nos sentimos bien, la situación no es politicamente correcta pero funciona en muchos niveles.
 

La trama es dificil de explicar con un reparto multicoral y una historia enmarañada que por momentos desvaria en aspectos menos importantes, asi que al inicio vemos a un grupo de ladrones vestidos de rabinos que roban un diamante para luego dar paso a unos vistosos creditos siguiendo a los personajes, el motivo de todo es el diamante que le quieren quitar a Franky (desaprovechado Benicio del Toro) para lo que usan a tres torpes negros que bien podrian pasar por los tres chiflados, mientras un judio viene de America para comprar el diamante, en tanto dos promotores de peleas ilegales se meten en problemas con los gitanos y acaban llevandose al golpeador gitano Mickey (hilarante Brad Pitt) para a las peleas, pero este no se deja vences y los mete en problemas con un peligroso mafioso en en tanto todos ellos empiezan a converger en medio de la busqueda del diamante.
 

Increiblemente el diamante se vuelve algo secundario con los problemas del estoico Turco (Jason Statham demostrando que sabe actuar) y el torpe Tommy (Stephen Graham) quienes se ven envueltos en medio de la batalla de Mickey y Brick Top (Alan Ford) quien le declara la guerra a los gitanos, al final la pelea entre Mickey y una mole resulta entretenida y divertida y nos conduce a la vuelta de tuerca final que como apunte antes resulta muy satisfactoria, y el epilogo tambien lo es y por lo menos a Ritchie no le importa que tres negros terminen pagando algo que ni siquiera hicieron. El estilo de la cinta es lo que más llama la atención, la velocidad, los excesos, las florituras, el uso del ralenti, la musica, las hilarantes conversaciones, es simple, o te gusta a lo odias. Lo mejor de la cinta un hilarante Brad Pitt al que no se le entiende nada (ofensa politicamente incorrecta a los gitanos), las tonterias del grupo de negros, la voltereta final, las peleas en el ring, y claro esta la explicación de como deshacerse de un cuerpo usando puercos, el dvd tiene muchas escenas adicionales que fueron cambiadas o se quitaron, además de muchas más chucherias, algo que vale la pena.

Calificación: Muy Bien

Musica: Detroit Rock City - Kiss

KISS - DETROIT ROCK CITY

Kiss es una banda estadounidense de rock formada en Nueva York en enero de 1973 por el bajista Gene Simmons y el guitarrista Paul Stanley, a los que más tarde se unirían el batería Peter Criss y el guitarrista Ace Frehley. Conocidos por su maquillaje facial y sus extravagantes trajes, el grupo se dio a conocer al público a mediados de los años 1970 gracias a sus actuaciones en directo, en las que incluían pirotecnia, llamaradas, cañones, baterías elevadoras y guitarras con humo. Contando los álbumes en solitario de 1978, Kiss ha conseguido veintiocho discos de oro de la RIAA hasta la fecha y se la considera la banda estadounidense con mayor cantidad de estas certificaciones. El grupo ha vendido más de cien millones de álbumes en todo el mundo y veinte millones sólo en los Estados Unidos. Los miembros de Kiss asumieron personalidades acordes con los maquillajes y vestimenta que llevaban, así Simmons ausmió el rol de «The Demon», Stanley el de «Starchild», Criss el de «Catman» y Frehley el de «Space Ace» o «Spaceman».

Sus tres primeros álbumes de estudio apenas tuvieron repercusión y tuvo que ser con el lanzamiento de Alive!, un disco en directo, que la banda consiguiera fama y popularidad. Sus siguientes trabajos, entre los que destacan Destroyer y Love Gun, aumentaron la popularidad del grupo y consiguieron varias certificaciones de disco de platino. Después de que cada miembro de la banda publicara un álbum en solitario y rodar una película, las tensiones dentro del grupo aumentaron, lo que ocasionó la marcha de Criss y más tarde Frehley. Tras la salida de dos de sus miembros fundadores (Eric Carr y Vinnie Vincent reemplazaron a Criss y Frehley y asumieron las personalidades de «The Fox» y «The Wiz», respectivamente) y publicar algunos álbumes que no tuvieron el número de ventas esperadas como Music From «The Elder» y Creatures of the Night en 1983, Kiss decidió abandonar el maquillaje y orientar su estilo musical hacia el glam metal. En la década de 1990 se produjo la reunión con la formación original y el maquillaje, aunque en la siguiente década Frehley y Criss volvieron a dejar la banda. Simmons y Stanley decidieron continuar con el batería Eric Singer y el guitarrista Tommy Thayer, utilizando los maquillajes de «Catman» y «Spaceman», respectivamente.

Detroit Rock City es una canción de la banda de Hard rock KISS. Fue lanzado como el tercer single del álbum Destroyer, del cual es la primera pista. Los autores de la canción son Paul Stanley y Bob Ezrin.

Si bien la canción casi no apareció en las listas de popularidad de Estados Unidos, fue muy avalada por los fans de la banda, y ha sido interpretada en todos sus conciertos desde el tour de Destroyer. Algunas veces, ha sido utilizada para abrir sus presentaciones.

Vivo con ambas letras (gracias a vulcanreavere)


Symphony (gracias a devilsummoner2008)

Cinecritica: Barton Fink

BARTON FINK (IDEM, EU, 1991)

La cuarta pelicula de los hermanos Coen es una de las mejores en su filmografia, cosa que no es poco viendo la calidad de esta, "Barton Fink" no es una pelicula sencilla en ningun sentido, para los que no gusten pensar la pelicula resultara desesperante y simplona en el sentido de sencillez, por lo que no resulta sencilla de ver, en tanto que los que gusten de cine veran una historia densa que toca muchisimos generos y los simbolismos que esconde son muchos y muy profundos, asi los hermanos Coen nos deleitan y al mismo tiempo nos enferman con una personaje desesperante y desesperado que es muy humano, quiza por ello mismo nos enferma tanto, aunque nunca deja de tener ese halo de intelectualidad que resulta cansino y lo separa/une de los cineflos, es decir que el personaje interpretado por Turturro resulta muy desagradable con sus pensamientos intelectuales y sus aires de grandeza pero finalmente se parece a todos ¿quien no cree que sabe más que los demás? ¿quien no piensa que siempre esta en lo correcto? ¿quien no subaja a los demás solo porque no piensan ni son como él? por ello mismo la pelicula da miedo, en su viaje a los infiernos Barton Fink parece merecerlo a nuestros ojos pero sentimos lastima por él, empatia, simpatia, vamos que el desangelado escritor ve como sus sueños son aplastados y cae en el infierno en el que todos vivimos, el infierno de la creación, el infierno de la vida misma.

 

Barton Fink (Jmagnifico ohn Turturro) es un reconocido escritor de teatro cuyo sueño no es la fama ni la fortuna sino plasmar al ciudadano común (la prole segun la futura presidencia) en sus obras, pero su representante lo convence de ir a escribir cine en Hollywood, ahi puede ganar mucho dinero que le serviria para vivir tranquilamente y poder escribir sin preocupaciones, Fink acepta y llega a un hotelucho donde sufre un "bloqueo", se hace amigo del amigable vendedor de seguros Charlie Meadows (John Goodman) quien lo escucha a pesar de que él nunca lo deja hablar, asi que Fink no puede escribir nada, cualquier cosa lo distrae y lo perturba, al principio queria paz y ahora busca que hacer al no ocurrirsele nada, pide ayuda a otros escritores, empieza a ver alucinaciones, tiene una aventura ya deseada, aparece un cadaver, la policia lo busca, su amigo lo ayuda, todos lo presionan, y en este mundo loco Barton se inspira y escribe su mejor obra que quedara ahi guardada sin que nadie la vea solo porque no le gusto al adinerado productor imbecil para el que trabaja, y que lo tiene por el cuello hay que decir.

 

Eso es "Barton Fink", una aventura surrealista en la que uno no termina sabiendo si es un sueño, si es realidad, si Barton imagina todo, o algunas cosas, si Charlie existe, si el portentoso final es verdadero, y el porque de tantos plagios/referencias/homenajes, vemos las cosas desde la perspectiva de Barton y aun asi vemos muchas cosas que él no, o quiza no quiera verlas, los simbolismos son muchos, el hotel hace referencia al infierno, la escena del elevador mencionando los tres 6, el número del diablo, el regreso con la pregunta de la biblia, el cuadro que al final se hace verdad quiza nos muestra el trastorno de Barton, la relación de Barton y Fink tiene tintes homosexuales que se muestran sutilmente, y no tanto en la escena de lucha libre, el enojo de Charlie que distinguimos desde un inicio con un pedante Barton pero que sabemos él no noto, las otras pistas que da Charlie al inicio de su verdadera "vocación" y hasta el enojo de los Coen al mostrar como el sistema destruye y encadena a los escritores con talento porque se rehusan a hacer lo que les piden. Increible que esta cinta salga de un bloqueo de los Coen cuando estaban escribiendo esa joyita que es "Miller's Crossing", increible su calidad minimalista en esos tiempos donde se perdio eso precisamente, esa identidad de pelicula rara e inconfundible, si viste "Barton Fink" quiza no te guste pero nunca la olvidaras y menos la confundiras. Lo mejor las actuaciones de Turturro y Goodman, la referencias sexuales de la lucha, de la camara entrando al caño y hasta de ese "raro" liquido que se desprende de las paredes, un exagerado Tony Shalhoub, la encabronante escena de condena a Barton por parte de un odioso Michael Lerner, la vuelta de Charlie al hotel donde literalmente lo convierte en un infierno, la etapa inspirada de Barton y esté cargando cierto paquete por todos lados sin saber que contiene pero con una idea muy precisa de que puede ser.

 

Calificación: Excelente

Cinecritica: Machuca

MACHUCA (IDEM, CHILE, 2004)

Sin duda la cinta más conocida de Andrés Wood, un melodrama social con tintes politicos en el que el director tiene la sutileza de no tomar partido, solo muestra una historia y lo hace muy bien, asi que por un lado los que quieren historias de crecimiento juvenil lo tendran y los que quieren ver más alla, los serios problemas que tenia Chile con la diferenciación de clases y las batallas que terminaron en un golpe de estado que destruyo las politicas sociales e instalo un regimen dictatorial, lo ironico del asunto es que Chile se estaba cayendo a pedazos y de una u otra forma esto lo salvo, aunque esto costo muchas vidas e injusticias, cada quien puede tomar su lado, su postura, en lo personal no puedo tomar partido porque solo alguien que lo haya vivido en carne propia podria opinar, eso mismo es el niño protagonista de la historia y al final no sabemos su opinión, porque si, en efecto la diferencia de clases destruyo su amistad y su romance pero tambien el regimen destruyo la esperanza que le quedaba, ¿frente a esto que se puede hacer?

 

Gonzalo Infante (Matías Quer, bien) es un chico de clase alta que va a una escuela catolica donde el padre McEnroe (Ernesto Malbrán llevandose la pelicula) ha becado a unos chicos de clase más baja para que puedan asistir, Gonzalo se hace amigo del interesante Pedro Machuca (adecuado Ariel Mateluna) a pesar de la diferencia social, cultural y hasta intelectual entre ellos, asi los dos chicos empiezan a aprender uno del otro, por un lado Machuca descubre que la vida Gonzalo no es tan sencilla con los problemas de sus padres, el peso que carga Gonzalo con el amante de su madre que lo quiere comprar con regalos y el odio que hay contra ellos por parte de los menos afortunados, en tanto Infante ayuda a Machuca a trabajar, conoce a su borracho y abusivo padre, y conoce sus miedos y fracasos, tienen una amistad a toda prueba, no parece que los vaya a separar ni las protestas sociales, ni el desequlibrio del pais, ni las discrepancias entre los otros chicos de la escuela, ni siquiera la adelantada Silvana (Manuela Martelli, bastante bien) a la que no dudan en compartir entre "dulces" besos.

 

Claro que la situación no es tan facil y las diferencias se empiezan a notar, el romance de Gonzalo con Silvana es más serio pero se derriba a las primeras de cambio, empieza a distanciarse de Machuca y el pais entra en crisis, al mismo tiempo su madre no quiere irse del pais con su padre y cuando llega el golpe ya nada vuelve a ser igual, los militares sacan la padre McEnroe de la escuela y en un pesimista final las cosas se salen de control en la visita militar a los barrios pobres, ahi donde Gonzalo es salvado por unos tenis adidas, donde acaba una amistad que nunca debia ser como ya lo sabiamos. La manera natural de narrar la historia es lo mejor de Wood, claro que tambien tenemos dos imagenes de antologia, por un lado la postal de un terreno vacio donde antes estaba la "barriada" y la nueva casona en la que vive Gonzalo gracias a su guapa madre y el ex-amante de esta.

 

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: El Crimen del Padre Amaro

EL CRIMEN DEL PADRE AMARO (IDEM, MÉXICO, 2002)

En el ya lejano 2002 hubo una pelicula que levanto infulas en el pais, por supuesto me refiero al quinto (¿o sexto?) largometraje del talentoso Carlos Carrera basada en la novela de Eca de Queiroz, los grupos ultraconservadores se lanzaron con todo contra ella y las televisoras decidieron dar sus juicios (¿cuando no?) diciendo que era inmoral y que nos criticaba a todos, como el gobierno la habia co-producido y no podia permitirse no pasarla debido a que con ello la cosa se saldria más de control decidieron mostrarla a los altos mandos catolicos y la cinta finalmente vio la luz, lo que sucedio despues era de esperarse, como mexicanos somos de los más morbosos del mundo y manejamos una doble moral que roza el ridiculo, por ello el escandalo solo hizo que todos fueran a verla convirtiendola en una de las peliculas mexicanas más taquilleras de todos los tiempos a pesar de que todos se quejaban de ella, dejando de lado el escandalo la cinta es muy recomendable, con una historia impecable y una buena dirección.

 

El joven padre Amaro (Gael Garcia Bernal muy blando, el punto debil de la cinta) llega a hacer sus practicas con veinticuatro años a un pueblito con el padre Benito (Sancho Gracia, muy bien), pero las cosas no son tan sencillas como pensaba, rapidamente se da cuenta de que el padre Benito tiene una relación muy cercana con La Sanjanuera (Angélica Aragón, bastante bien en lo poco que sale), asi mismo Benito tiene relaciones y amistad con el narco mayor "El Chato Aguilar" a quien le bautiza el niño, se divierte en sus fiestas y hasta se engolosina con el dinero del "diezmo" que le da, por el otro lado de la moneda tiene al padre Natalio (Damián Alcázar, excelente como de costumbre) quien esta en la sierra y comenzo una guerrilla para combatir a los narcos que afectan y golpean a sus feligreses, obviamente al "Chato", cosa que no le agrada al obispo (Ernesto Gómez Cruz totalmente detestable en su papel obispal) que ve un problema de ingresos y publicidad en él.

 

Mientras toda esa guerra sucede con él en medio, Amaro no puede quitarle los ojos de encima a una niña de 16 años, la angelical y virginal Amelia (Ana Claudia Talancón, bien y viendose preciosa como siempre, la eterna lolita) tampoco es una perita en dulce y se lo demuestra a Amaro cada vez que puede, se le insinua y confiesa que se masturba con pensamientos extraños por decirlo de una manera, como Amaro es todo menos santo aprovecha y lleva a Amelia a la cama, las cosas son perfectas hasta que Benito lo descubre y Amelia se embaraza, pero como ya sabemos con lo que hemos visto, Amaro es ambicioso y no le importa sobre quien tiene que pasar o a quien tiene que pisotear, por lo que no le importa enfermar a Benito, abandonar a Natalio o hacer que Amelia aborte porque nunca se va a casar con ella, ¡ahora que esta tan cerca de ascender! las cosas no salen como Amaro las planea, ¿pero eso importa? solo es un traspie, se siente culpable pero no se detendra y menos aun cuando en el pueblo ya se corrio la historia de que intento salvarla porque el maldito ex.novio la embarazo, da miedo saber cual es el verdadero crimen del padre Amaro que no es enamorarse de una mujer (¡eso no es pecado por dios!) sino lo que hace por ambición, como se corrompe, y da más miedo aun pensar que eso puede pasar, o pasa. Por desgracia García no puede con un papel asi y su interpretación le baja creditos a la cinta, aunque sin él no hubiera recaudado tanto.... y es interesante que el escandalo sea por las escenas sexuales ¿y toda la corrupción que se muestra de la iglesia? ¿eso no les dolio? ¿o simplemente lo aceptaron? Lo mejor de la cinta, las interpretaciones de todo los demás y algunas lineas imperdibles.

 

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: El Último Hombre

EL ÚLTIMO HOMBRE (THE LAST MAN STANDING, EU, 1996)

Conseguida historia de Gangster con aires a Western y si nos vamos más atras al cine de samurais ya que la historia es de Kurosawa, asi que en ese pueblucho tierra de nadie llega un hombre escapando para verse de pronto envuelto en la pelea de las dos bandas rivales, resulta interesante que este filme de Walter Hill sea practicamente desconocido no tanto por la fama del director sino porque el protagonista era un Bruce Willis que en esos tiempos era amo y señor de las cintas de acción, y vaya que aqui hace uno de esos tipos duros que ni siquiera pestañean ante nada y pueden matar decenas de hombres en una balacera de la que solo saldra levemente herido, tampoco es que sea una gran cinta pero para pasar el rato es estupenda, un plato de palomitas, un refresco grande y a dejarse llevar por una historia repetitiva pero interesante con un villano que se lleva las palmas, por supuesto no me refiero a los dos debiles jefes mafiosos sino al despiadado maton interpretado por Christopher Walken.

 

La historia como comente antes ya la hemos visto cientos de veces, las historias de Kurosawa han sido usadas una y otra vez, la mayoria de las veces sin darle el credito, como ejemplo la tan famosa "Star Wars", asi que un anti-heroe solitario y rudo (Bruce Willis haciendo un papel que le queda al dedillo) llega a un pueblo sin ley en el que dos bandas de mafiosos estan peleando por el poder, se mete en una riña y como es muy bueno disparando lo contrata una de las bandas, a partir de este momento el John Smith de Willis juega al gato y el raton con las dos bandas, se va con unos, se cambia con los otros, se vende al mejor postor, traiciona, mete cizaña, pero comete un error porque se interesa en salvar a la mujer trofeo de uno de ellos, mientras que el maton Hickey (el mencionado Christopher Walken viendose tan frio como de costumbre) no confia en él y le pone trampas.

 

Asi las cosas hasta que llega el consabido final donde obviamente Smith logra liberar al pueblo y a la chica, quiza a costa de su vida, de cualquier manera ya hizo leyenda y se convirtio en un heroé. Además de que todo ya esta muy visto la puesta en escena de Hill en algunos momentos entorpete la historia, pero de cualquier manera merece la pena una revisada y más aun si la comparamos con las ridiculas cintas de acción actuales.

 

Calificación: Vale la Pena

Trailer: Cosmopolis

Trailers de Cosmopolis, el protagonista es Pattinson lo cual me da mucho miedo pero tengo que darle la duda a Cronenberg aunque creo que solo lo uso por la ridicula fama de la que goza ahora, espero equivocarme:

 

Primer Trailer

 

Segundo Trailer

Musica: Slow Ride - Foghat

FOGHAT - SLOW RIDE

Foghat es una banda británica de hard rock movido y boogie-blues, originaria de Manchester formada en 1971, que no sonaba tan distinta de lo que es Nazareth. Aunque los integrantes de Foghat venían de unos inicios que se manchaban por el blues britanico de raíces, el cuarteto no tarda en romper los moldes a golpe de boogie rock. Así, en un temprano 1972, se ponen bajo la atenta mirada y las manos del productor Dave Edmunds. Genio de los controles que en su día dio gloria a la carrera de Elvis Presley, ahora esparcía su sabiduría sobre unos tipos que querían comerse el mundo con cada uno de sus guitarrazos.

Tras formar parte de Savoy Brown, el cantante y guitarrista “Lonesome” Dave Peverett (nacido el 16 de abril de 1943), el bajista Tone Stevens y el batería Roger Earl, junto al guitarrista Rod Price, formarían esta banda de hard-rock y boogie rock en 1968, Foghat, conjunto británico que curiosamente resultó mejor recibido en los Estados Unidos que en su propio país, especialmente gracias a sus interpretaciones en directo.

Slow Ride es una canción escrita por "Lonesome" Dave Peverett y grabada por el grupo de rock Foghat, apareciendo por primera vez en su disco "Fool For The City" (1975), ha sido su más grande hit alcanzando el lugar número 20 de las listas de Estados Unidos. También aparece en Foghat Live (1977), que fue su álbum más vendido con más de dos millones de copias. En 2009 fue nombrada la 45° mejor canción de VH1 Greatest Hard Rock Songs. Hay 4 versiones de esta canción en el mercado. La versión original del LP de "Fool For The City" dura 8 minutos y 14 segundos. La única versión, que se encuentra en varias recopilaciones se limitó a 3:56 con un fade-out final. La versión de 1977 en vivo es 8:21 y la de 2007 de 9:44.

Versión corta con lyrics (gracias a Rocktiger25)

Versión original o sea la studio version (gracias a SecondHelping74)

Vivo (gracias a danielpradosh)