Cinecritica: Mad Max

MAD MAX (IDEM, AUSTRALIA, 1979)

La opera prima de George Miller es una cinta post-apocaliptica pesimista con grandes dosis de violencia y una moral que va de acuerdo con todo lo que su actor principal, el antisemita Mel Gibson ha puesto en toda su obra, tanto de manera actoral como director, la pelicula resulta muy entretenida, con carreras emocionates, peleas y duelos muy fisicos, con muchisima violencia y con una amoralidad que nos pone inmediatamente en contra de casi todos los que salen en pantalla, pero cuando veamos el daño que causa la banda de motociclistas a todos uno desea que acaben con ellos, pero el personaje principal no es un desalmado asesino, por lo menos no hasta que lo más valioso le sea arrebatado y se convierta en uno más de ellos dandoles su merecido de las maneras más sadicas posibles, y uno lo ve con un gran placer culpable, no es venganza... es solo justicia. Por otro lado el titulo de la cinta es un juego de palabras que le va perfecto ya que puede traducirse como "Loco Max" o "Maxima Locura" mostrado las dos opciones gran fuerza con el argumento.

En el futuro todo esta destruido, solo sobreviven algunas personas y la mayoria se han convertido en rufianes que vagan por las carreteras robando, golpeando, violando y matando a placer, los carros se han convertido en el hobbie de la mayoria y un lujo que pocos pueden darse, asi que cuando un zafado entra e territorio de civiles la policia debe detenerlo y para ello nadie mejor que Max (Mel Gibson, muy bien) que esta en el limite y siempre termina orillandolos a la muerte, cuando un consentido de la banda de Toecutter (convincente Hugh Keays-Byrne) muere peleando con Max le declaran la guerra a la policia, despues de encontrar a un pareja que fue ultrajada y ver como sus compañeros son torturados Max decide dejar todo y alejarse, se va con su esposa Jessie (Joanne Samuel) y su hijo a la costa pero la locura de los motociclistas ha llegado hasta alla y atacan a Jessie quien al defenderse se los gana de enemigos por lo que la persiguen con resultados indignantes que despiertan la furia de Max.

Despues de que Max decide tomar cartas en el asunto lo que viene despues es muy obvio pero como apunte antes resulta tremendamente culposo, no haria mal tener unos cuantos Max aqui que se encarguen de todos esos rufianes que creen (¿o si estan?} que estan por encima de la ley. Por lo demás la cinta es tremendamente entretenida, con lineas puramente australianas, con un acento australiano marcado, con carreras en autos excelentemente filmadas y muy emocionantes, con una violencia grafica muy marcada que nos revela lo malo de esta, con unos villanos que es imposible no odiar y con un protagonista ambigüo que termina como lo que destruyo y que aun asi se gana nuestra empatia más que simpatia. Resulta impresionante lo que hizo Miller con tan poco presupuesto y es que cuando uno ve los duelos en carros y motos se da cuenta que son muchisimo mejores que los de ahora donde se gastan millones de dolares, eso es lo que logra un director con talento, además ese futuro desierto, inhumano y apocaliptico no se ve tan lejos.

Calificación: Notable

Lo Mejor del Mes: Agosto 2012

Este mes reseñe bastantes cosas buenas, dos joyitas de Pixar, otra de Spielberg, las dos mejores peliculas de hombres lobo, una joya de Selick y una de las mejores de Burton, asi como lo mejor de Proyas y de Darabont, junto a una gran cinta subvalorada de los Coen, lo mejor del mes:

 

Lo mejor..... "Finding Nemo" de Andrew Stanton, si, es una pelicula animada y una de las mejores que he visto, es redonda y la imaginación, frescura, emoción y ternura que derrocha ya la quisieran las peliculas "serias", solo decir que el simbolismo y los personajes son perfectos, además nos regalan postales preciosas y uno nunca se cansa de verla ¿algo más que decir?

 

Mención Honorifica..... "Miller's Crossing" de Joel y Ethan Coen, y que mención con una joya de los Coen que revive el cine negro y lo eleva a su maxima expresión en una maraña de inteligencia y personaje extraordinarios, además la fotografia es hermosa y nos tiene mordiendonos las uñas todo el tiempo.

 

Segunda Mención Honorifica..... "The Nightmare Before Christmas" de Henry Selick, cierto que la idea fue de Burton pero la magnifica ejecución es de Selick y su equipo en esta fabula donde nos dicen que quieren la Navidad tradicional, no queremos que la cambien y lo hacen de una manera obscura y cantable.

 

Tercera Mención Honorifica..... "Dark City" de Alex Proyas, la ciudad oscura, tenebrosa, enculubrada, laberintica, hipnotica y superficial en la que Proyas puso a su protagonista de cine negro es exasperante y asfixiante, como debe de ser hasta el final resquebrajado con miles de simbolismos en el camino.

 

Lo Peor.... REC 3 Génesis de Paco Plaza, lo mismo del mes anterior, no es mala, soo cumple con su función alimenticia chatarra.

Musica: Clint Eastwood - Gorillaz

GORILLAZ - CLINT EASTWOOD

Gorillaz es un proyecto musical británico creado en 1998 por Damon Albarn y Jamie Hewlett. Una banda de rock alternativo que utiliza caricaturas para efectos de publicidad. La "banda virtual" que representa al proyecto fue creada por Jamie Hewlett, co-creador del comic book Tank Girl en Essex, Inglaterra. Un día mientras miraba MTV, Hewlett tuvo la idea de crear a la banda. En una entrevista comentó: «Si alguien mira MTV durante demasiado tiempo, podrá darse cuenta que es como el infierno — no hay nada entretenido allí. Así tuve la idea de crear una banda de dibujos animados con Albarn». Gorillaz está representado por cuatro personajes de dibujos animados: 2D, Murdoc, Noodle y Russel. Son usados para el material promocional, como en las portadas de discos, en carteles y en los conciertos, en los cuales se utilizan hologramas de los personajes. La música del grupo siempre cuenta con colaboraciones de diversos artistas; Albarn es el único colaborador permanente. Su música ha sido considerada como una mezcla de hip hop, electrónica, dub y pop. Gorillaz ha lanzado cuatro álbumes de estudio con las compañías discográficas Parlophone y Virgin: Gorillaz en 2001, Demon Days en 2005, Plastic Beach en 2010 y The Fall en 2010, "D-Sides en 2007", y "G-Sides en 2006".

 

En abril de 2009 se lanzó el documental Bananaz, que cuenta la verdadera historia detrás de Gorillaz desde su creación hasta 2006. En noviembre de 2009, se confirma un sexto álbum de Gorillaz, titulado Plastic Beach que salió a la venta el 8 de marzo del 2010. En febrero de 2009 se publicaron 3 demos del álbum: "Electric Shock", "Broken" (con Sid Hyet) y "Stylo". Jamie afirma que dará una nueva perspectiva a todos los personajes. "Stylo" fue lanzado como primer sencillo el 26 de enero de 2010 por medio de iTunes y cuenta con las colaboraciones de Mos Def y Bobby Womack. Actualmente Damon Albarn ha confirmado que se han grabado desde el principio más de 80 temas de los cuales actualmente se encuentran editados 18 y que según medios extra-oficiales se lanzarían una segunda y hasta una tercera parte de Plastic Beach, aunque Gorillaz no ha mencionado nada al respecto. Lo que podría ser una pista de ello sería el nuevo single Doncamatic que puede ser uno de aquellos 62 que faltan de editar.

En Abril de 2012 Damon revelo que Gorillaz esta en una especie de "Receso" indefinido ya que el y Hewlett deben arreglar ciertas diferencias con respecto a sus futuros proyectos pero que no seria el fin de Gorillaz.

 

Definida como Dark Pop, Zombie Hip-Hop por sus creadores, la estética musical de Gorillaz pertenece en su gran mayoría a Damon Albarn.

El abanico de estilos de la banda es amplio y va desde el hip-hop americano más antiguo (Gorillaz ha cogido los beats típicos de la música negra de finales de siglo XX y le ha añadido melodías pop), el breakbeat, brit-pop (melodías pegajosas y guitarras poderosas; características de la etapa anterior de Albarn ), ambient, música latina, reggae-dub, punk (Gorillaz ha sabido captar algunos momentos de los primeros discos de la banda de Strummer y Cía. También se han quedado con la rebeldía y el gamberrismo, dos características importantísimas en la imagen y la música del grupo), trip hop y el rock indie entre otros.

Como se puede ver en el documental Bananaz, Damon Albarn y Jamie Hewlett afirman en una entrevista en una radio que el grupo nace con la idea de burlar toda la "basura" que se puede ver en MTV. Esta es una de las razones por la cual el grupo roza tantos estilos, siendo la mayoría de ellos los protagonistas de dicha cadena de televisión (Electropop o Hip-Hop). Precisamente Noodle, la guitarrista de la banda virtual, en su segundo disco creó y promovió el movimiento relacionado "Reject False Icons", que se ponía en contra de estos fenómenos.

 

Clint Eastwood es la quinta canción del álbum debut de Gorillaz y primer sencillo de la banda, lanzado en marzo de 2001.

Es una mezcla de electrónica, rap, alternativo y hip-hop y una porción de la película El bueno, el malo y el feo donde aparece Clint Eastwood. El rap, interpretado por Del Tha Funkee Homosapien, alcanzó el nº 4 en el Reino Unido y el 57 en Estados Unidos.

 

El video se inicia con una pantalla negra y el logo de Gorillaz se escribe en grafiti con un mensaje diciendo: "Every dead body that is not exterminated, gets up and kills. The people it kills, get up and kill" (que significa "Todo cuerpo muerto que no es exterminado, se levanta y mata. La gente que mata [el cuerpo] se levanta y mata"), en japones e inglés, aunque fue omitido en algunos países. Comienza cuando la banda toca en un lugar blanco y vacío y la gorra de Russell se eleva sola y aparece Del Tha Funkee Homosapien, y comienza a rapear mientras Noodle y Murdoc ven sorprendidos que el suelo aparece requebrajado y emergen unos gorilas azules que les empiezan a perseguir. También aparecen torres, columnas y tumbas, el cielo se torna nublado y llueve, pero esto no evita que 2-D siga cantando su estribillo, que dice: "I ain't happy, I'm feeling glad. I got sunshine, in a bag. I'm useless, but not for long. The future is coming on" ("No estoy feliz, me siento alegre. Tengo la luz del sol en una bolsa. Soy inútil, pero no por mucho tiempo. El futuro está viniendo"). Los gorilas que persiguen a Murdoc, que estaba huyendo mientras tanto, bailan como en el vídeo de Michael Jackson, "Thriller", mientras el que parece el líder de estos mira fijamente a Murdoc y viceversa, hasta que un rayo le pega a Murdoc y lo tumba. Al final, Noodle golpea a uno de los gorilas y le derriba. Entonces, los gorilas se quedan quietos mientras se van desintegrando por la luz del sol. Antes de que los gorilas se desvanezcan, Del entra de nuevo en la cabeza de Russel, que seguía tocando de manera aparentemente inconsciente. La gorra cae sobre su cabeza, en un ángulo extraño, y Russel se despierta, desconcertado. La música termina, el sol aparece y se oyen cantos de pájaros mientras la cámara ofrece una panorámica del grupo en el "cementerio emergente" Aparecen los nombres de los integrantes y sus imágenes en el vídeo.

Traducida (gracias a videostraducidos)
 

Lyrics (gracias a linvinginmyguitar)

Live (gracias a AngiexNoise)

Reseñas Manga: Death Note # 13

DEATH NOTE # 13 - HOW TO READ (COMO LEER)

Como no podia ser de otra forma ahora reseño el tomo especial de Death Note, en efecto soy tan friki que tengo el tomo especial de Death Note y no solo eso, lo tengo en edición especial con doble poster incluido y la tarjeta ccon diseño especial donde viene el verdadero nombre de L además de otra donde dice que el nombre de L es el mio, esto con relación a una promoción que saco la desaparecida editorial Vid donde los frikis brincaron de gusto, yo fui de los primeros en la lista y lo digo a mucha honra, por otro lado la edición no sale tan cara, el tomo tiene más de 250 paginas de una buena calidad con una edición muy buena, además de los pequeños posters vienen los sobres con las cartas de los dos nombres de L, el real y el juego que realza el ego de los compradores, las cartas son de muy buena calidad, en cuanto a lo que trae dentro casi no hay dibujos nuevos pero viene una cantidad ridicula (en el buen sentido de la palabra) de información.

 

Viene una sección de descripción de personajes con todo y hexagono de habilidades incluyendo a los dioses de la muerte que ni siquiera tuvieron aparición y un diario de observación de estos, explicación de las organizaciones, un diagrama relacional, una entrevista con Tsugumi Ohba, otra donde se le pregunta sobre las dudas y lo más trascendental de la serie y otra donde revela el porque de los titulos de las 108 paginas (capitulos) de la serie, lo de 108 obviamente viene de los 108 deseos budistas (¿no lo sabias? no eres lo suficientemente friki), comentarios y datos del desarrollo de los acontecimientos y otras respuestas a preguntas usuales, entrevista con Takeshi Obata, explicación de las reglas de la Death Note, preguntas usuales de estas y un recuento de todos los trucos ahora explicados, entrevista con los dos autores, sección de preguntas de gustos y otra sobre el final. El diario de Ryuk con cantidad de fruslerias como el mundo perfecto en la mente de Light con piramide incluida, lo que comio L en la serie, los juguetes de N, el diario amoroso de Misa y el psicopata de Mello además de un Test para ver que personaje eres, para dar paso a los comics de cuatro viñetas que solo son chistes y al episodio piloto que aunque no se acerca a la serie ya demuestra lo que podia dar la historia con un toque negro y como siempre el dibujo del maestro Obata es sensacional. Un tomo lleno de fruslerias que haran las delicias de los fanaticos a pesar de que la mayoria de lo importante ya lo saben, de cualquier manera tanta información no esta de más, lo que si es que es dificil valorar algo asi por su valor artistico cuando solo es un gusto.

 

Calificación: 8.7 - Muy Bien

Cinecritica: Sueños de Libertad

SUEÑOS DE LIBERTAD (THE SHAWSHANK REDEMPTION, EU, 1994)

Drama carcelario con el que debuto en pantalla grande Frank Darabont, lastima que su pelicula paso totalmente desapercibida, el tiempo poco a poco le ha entregado más fanaticos pero el impacto que pudo haber tenido en su tiempo se perdio, Darabont ha trabajado muy de cerca con el material del Stephen King pero no he leido este libro por lo que no puedo decir que tan fiel es a su fuente y como de costumbre me importa poco, lo realmente interesante de la cinta es que Darabont se aleja de efectismos y logra una dirección en la que pasa totalmente desapercibido, lo mejor que podria haber hecho ya que con el guion que escribio el mismo a partir de un relato del mencionado King les dio material de sobra para que unos inspirados Robbins y Freeman lograran una de las amistades más memorables que recuerdo, es asi que este relato sobre un habil banquero que parece no matar ni una mosca pero que termina encarcelado por matar a su mujer y al amante de esta a sangre fria se vuleve en el corazón, cerebro y alma de la carcel Shawshank ganandose a todos, presos, custodios y publico por igual.

 

Andy Dufresne (magnifico Tim Robbins) es un banquero condenado de por vida por matar a su mujer y al hombre con quien lo engañaba, Dufresne dice que no es culpable pero nadie en la militarizada prisión Shawshank dice lo contrario, Dufresne es un solitario intelectual que gusta de pulir rocas, jugar ajedrez y leer, parece presa facil en prisión y al principio sufre mucho los abusos pero poco a poco se gana el respeto y la amistad de sus compañeros, haciendo migas especialmente con Ellis "Red" Redding (Morgan Freeman, excelente) quien tiene la habilidad de conseguir casi cualquier cosa que le pidan, despues Andy se gana a los guardias haciendoles favores como arreglar sus declaraciones de impuestos, consejos financieros y hasta programación financiera, asi hasta que la biblioteca de la prisión se convierte en una especie de despacho contable donde Andy ayuda a todo el que quiera, cosa que Andy aprovecha para hacer una buena biblioteca y ayudar en la educación de los reclusos.

 

Claro esta que el encargado Warden Norton (Bob Gunton) aprovecha la situación para hacer una fortuna estafando y usando los recursos a su disposición mientras Andy se encarga de lavar el dinero, Andy esta contento mientras lo dejen en paz pero cuando vea que hay una posibilidad de salir libre con la información de un nuevo recluso el fanatico religioso Norton y los guardias de la prisión no dejaran que su mina de oro se vaya y los deje como antes, sin importar lo que tengan que hacer. La actuación de Robbins es buenisima y su Defresne siempre parece estar pensando muchos pasos adelante de nosotros, su personaje siempre pensante es una incognita y por ello al final sabemos que va a hacer algo, que algo planea, pero nunca imaginamos algo tan sorprendente como lo que Darabont nos regala y con el premio de que en el camino vemos historias de amistad, de amor, de los problemas de los presos dentro y fuera de la carcel, el problema de la reintegración y los bellos detalles que nos regala la vida y de los que casi nunca nos damos por enterados, la belleza de una bella pieza musical, de una pelicula, de un poster con la imagen de una mujer hermosa como Rita Hayworth.

 

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Ciudad en Tinieblas

CIUDAD EN TINIEBLAS (DARK CITY, EU, 1998)

El segundo trabajo de Alex Proyas es lo mejor que ha entregado el otrora habil director australiano, despues de su entretenida "The Crow" y dos cortos que no he visto (mea culpa) Proyas hizo su trabajo más ambicioso, una cinta de ciencia ficción, noir, detectivesca, cine negro y muchos otros generos más que se conjuntan para entregar algo que se siente nuevo y que vista ahora no resiente el tiempo que le ha pasado, la cinta ha envejecido bien lo que significa que es una buena cinta de ciencia ficción que se mantendra vigente ya que su fuerza no radica en los efectos especiales o alguna nueva moda sino a los problemas existenciales que nos preocupan desde tiempo inmemoriales, la forma en la que esta pensada y hecha hacen que la pelicula nunca se sienta fuera de tiempo, la ciudad ficticia en la que batalla nuestro protagonista con el que sentimos una afinidad casi enfermiza es una mescolanza de arquitecturas de muchas decadas, al igual que el vestuario, en cuanto a lo de afinidad con el personaje me refiero a que durante mucha parte del filme es un espectador más como nosotros, y lo vamos descubriendo junto a él, nos vamos adentrando en esa maraña enfermiza de locura y paranoia que roza el ridiculo pero que siempre uno cree pausible debido a la excelsa construcción del rompecabezas.

 

Lo mejor seria no contar absolutamente nada de la enmarañada trama de la pelicula ya que asi se disfruta en su totalidad, comenzamos con el protagonista (convincente Rufus Sewell) que despierta en una tina completamente desnudo y con amnesia, no recuerda ni siquiera como se llama y asi comienza a deambular por la ciudad con el problema adicional de que encontro el cuerpo desnudo de una joven asesinada y es el principal sospechoso, asi que el habil detective Frank Bumstead (William Hurt, muy bien) lo busca por todo lados mientras el Dr. Daniel Schreber (Kiefer Sutherland muy bien como un genio atolondrado) intenta contactar con él protagonista antes de que unos sujetos vestidos de negro lo encuentren, despues de esto el protagonista John Murdoch (como descubre que se llama) es perseguido por los seres de negro que parecen tener poderes y al mismo tiempo es testigo de como la ciudad se transforma frente a sus ojos mientras todos los demás ciudadanos estan dormidos o en trance, asi que Murdoch debe probar que es inocente, buscar a su mujer Emma (Jennifer Connelly bellisima y tan profesional como siempre) y descubrir que demonios pasa en la ciudad.

La cinta se puede disfrutar mucho con la historia, se mueve tan bien entre un genero y otro que siempre nos tiene atentos, lo que sucede siempre es interesante y plantea tantas cuestiones que se podria debatir a perpetuidad, los efectos especiales estan muy bien logrados y se ven mucho mejor que los hechos por computadora, la ciudad creciendo como una planta nunca se va a ver vieja, y el final es tan emocionante que hasta los que solo buscan acción se sentiran complacidos, el final es impresionante con un sabor agridulce que nos dice que si la vida no puede ser perfecta debemos buscar hacerla lo mejor posible. Claro que hay otra manera de ver la cinta con todo lo que se puede leer entre lineas como los nombres de los personajes, la busqueda del subconciente, la esquizofrenia, las personalidades multiples, el cambio de personalidad, la busqueda del alma, las vidas diferentes a nosotros, las diferencias sociales, la amistad, el amor, y un largo etc., de esta manera se puede apreciar la pelicula de otra manera, y ver porque "Dark City" es una pelicula mucho más hermosa de lo que deberia, como viene en los excelentes extras que acompañan el dvd, todos son muy interesantes, ver la edición original que Proyas queria proyectar y como lo obligaron a poner otra y todos lo problemas que tuvo, ver a Proyas quejarse con tanto ahinco vale mucho la pena ¿me pregunto que le habra pasado? ¿se rendiria ante las productoras? por lo menos asi parece por sus nuevas cintas.

Calificación: Muy Bien

Musica: Layla - Derek and the Dominos

DEREK AND THE DOMINOS - LAYLA

Derek and the Dominos fue un supergrupo de blues rock formado en la primavera de 1970 por el guitarrista y cantante Eric Clapton, el teclista Bobby Whitlock, el bajista Carl Radle y el batería Jim Gordon, que habían participado junto a Clapton en Delaney, Bonnie & Friends.

 

La banda lanzó tan solo un álbum de estudio, Layla and Other Assorted Love Songs , que contó con el guitarrista Duane Allman de The Allman Brothers Band como invitado. El disco fue extremadamente bien recibido por la crítica, pero las ventas y la radiodifusión fueron ambas más bien escasas. A pesar de ser lanzado en 1970, "Layla", la canción de amor que Clapton escribió inspirada en Pattie Boyd, que era por aquel entonces la esposa del componente de The Beatles, George Harrison (con el que se había casado en 1966), no llegó a los diez primeros puestos en las listas de Estados Unidos y Reino Unido hasta 1972. Tanto la crítica como muchos de los seguidores de Clapton sitúan esta época como el momento más álgido de su carrera.

 

"Layla" es una canción rock del álbum Layla and Other Assorted Love Songs del supergrupo Derek and the Dominos, lanzada en 1970 por la discográfica Atco. La canción apareció como sencillo en dos versiones distintas en 1971 y 1972.

 

Contiene los acordes de guitarra de Eric Clapton y Duane Allman. Sus conocidos movimientos en contraste fueron compuestos por separado por Eric Clapton y Jim Gordon.

 

Inspirado por el amor no correspondido de Pattie Boyd, en esos momentos la esposa de su amigo y también músico George Harrison, "Layla" no tuvo una gran acogida en sus inicios. Esto cambió con el paso de los años, ya que desde entonces ha logrado gran éxito entre la crítica y el público, llegando a ser considerada como una de las canciones de amor más destacadas de la música rock. Dos versiones distintas han conseguido entrar en las listas de ventas, inicialmente en 1972 y después una versión acústica en 1992. En 2004 la revista Rolling Stone la incluyó en el puesto número 27 de su lista Las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

 

En 1966, George Harrison se casó en Surrey con Pattie Boyd, una modelo que conoció durante la grabación de la película de The Beatles A Hard Day's Night. Para finales de los años 60, Clapton y Harrison eran grandes amigos. Clapton colaboró tocando la guitarra en la canción de Harrison "While My Guitar Gently Weeps" en el álbum homónimo de The Beatles, aunque no apareció en los créditos.«Sin créditos» (en inglés). Consultado el 2 de marzo de 2010. Por otra parte, Harrison tocó bajo el pseudónimo de L'Angelo Misterioso en la canción "Badge", del álbum Goodbye de la anterior banda de Clapton, Cream. Fue en la época en que Clapton tocó con las bandas Cream y Blind Faith, que comenzó su fascinación por Pattie Boyd.

El título, "Layla", está inspirado en La historia de Layla y Majnun (ليلى والمجنون), del poeta clásico persa Nezami. Está basada en una historia real de un joven llamado Qays ibn al-Mulawwah (قيس بن الملوح‎) de la península arábiga en el siglo VII. Clapton la escribió después de que su amigo Ian Dallas, que en aquél momento se estaba convirtiendo a la religión islámica, le contase la historia.5 La historia de Nezami trata sobre una princesa obligada por su padre a casarse con una persona distinta al joven que estaba locamente enamorado de ella, volviéndose éste loco (Majnun, مجنون, significa "loco" en persa). La historia tuvo una gran repercusión en Clapton.

 

La canción está basada, además de en la historia de Layla, en el amor no correspondido de Pattie Boyd. Durante la grabación del álbum Pattie y Eric ya se veían a escondidas, aunque era difícil mantenerlo en secreto. Clapton tenía la esperanza de que esta canción le ayudaría a conquistar definitivamente a Pattie, y que ésta abandonaría a su marido por él. En el libro de Pattie Boyd, Wonderful Tonight: George Harrison, Eric Clapton, and Me escribió:

 

Nos vimos a escondidas en un piso de South Kensington. Clapton me había pedido que fuera porque quería que escuchase algo nuevo. Encendió el radiocasete, subió el volumen y sonó la canción más potente que jamás escuché. Era "Layla", trataba sobre un hombre que cae enamorado perdidamente de una mujer que le quiere pero no está disponible. Me la puso dos o tres veces, mientras miraba mi cara para ver mis reacciones. Mi primer pensamiento fue que todo el mundo me iba a reconocer".

 

Boyd se divorció de Harrison en 1977 y se casó con Clapton en 1979. Harrison demostró no tener rencor por el divorcio asistiendo a la boda junto a Ringo Starr y Paul McCartney. Durante su relación, Clapton compuso otra canción para Boyd llamada "Wonderful Tonight". Clapton y Boyd se divorciaron en 1989, después de años de disputas. Boyd ha llegado a decir de Clapton que era un ser abominable, definición compartida por su posterior esposa, Lory del Santo.

 

Después de la separación de Cream, la banda anterior de Clapton, éste tocó con varios grupos y artistas distintos, entre ellos Blind Faith y Delaney and Bonnie. En la primavera de 1970, Clapton fue informado de que los músicos de apoyo de Delaney and Bonnie, Carl Radle (bajista), Jim Gordon (batería), y Bobby Whitlock (teclista), iban a abandonar la banda, por lo que aprovechó la oportunidad para formar un nuevo grupo, Derek and the Dominos.

 

A finales de 1970, Duane Allman de The Allman Brothers Band, se unió a la banda de Clapton como artista invitado. Clapton y Allman fueron presentados por Tom Dowd en un concierto de Allman Brothers, aunque ya sentían mutua admiración desde mucho antes. Los dos se hicieron amigos rápidamente. Dowd ya era conocido por diversos trabajos, habiendo trabajado con Clapton en sus días de Cream. Con la banda ya formada, y Dowd como productor, "Layla" fue grabada en su versión original. Algún tiempo después, al llegar Clapton al estudio de grabación, encontró a Gordon tocando una pieza de piano y le convenció para usarla en la canción. Aproximadamente tres semanas después de la primera grabación, la canción ya estaba completada. Para su documental autobiográfico Tom Dowd and the Language of Music, hizo una remezcla de "Layla" de las grabaciones originales (sin piano).

 

Debido a las circunstancias de su composición, "Layla" está definida en dos movimientos, cada uno de ellos marcado por una figura musical repetida o riff. El primer movimiento, fue grabado en RE menor para los coros y en MI mayor para las estrofas. La canción está centrada en el riff principal, una pieza de guitarra utilizando diferentes técnicas como hammer-ons, pull-offs y power chords. Comúnmente se piensa que el riff es de Allman, y que es una adaptación de la melodía vocal de Albert King de su canción de 1967, "As the Years Go Passing By", perteneciente al álbum Born Under a Bad Sign. La primera sección también contiene un solo de guitarra con overdubbing (técnica que consiste en unir varias piezas grabadas, superponiéndolas), consistente en una pieza grabada con guitarra slide por Allman y otra grabada por Clapton. Colocando el slide al final del mástil de la guitarra, Allman consiguió tocar notas más altas que no se podrían conseguir con técnicas estándar. Tom Dowd se refirió a estas notas como: "notas que no están en el instrumento".

 

El segundo movimiento, la contribución de Jim Gordon, es comúnmente denominado la coda de piano. Originalmente tocada en DO mayor, el breve interludio al final de la canción es aumentada por una guitarra acústica, significando la entrada del último sólo de guitarra. La misma melodía es ejecutada por Allman con su guitarra slide, aunque una octava más alta. En la parte de piano de Gordon no hay improvisación, dejando a Clapton y Allman improvisar la melodía, siendo el piano el instrumento principal de la coda.

 

Clapton comentó sobre el tema:

Es una canción complicada, porque es una canción difícil de tocar en directo. Tienes que tener unos buenos músicos de acompañamiento para conseguir que funcionen todos los ingredientes pero, cuando consigues eso... Es difícil hacerlo con un cuarteto, por ejemplo, porque hay partes que tiene que tocar y cantar líneas totalmente opuestas, que es prácticamente imposible de hacer. Si tienes una banda grande, que de hecho tendré en la gira, pues será fácil hacer algo como "Layla" - y me siento muy orgulloso de ella. Casi es como si no fuera yo. Es como si estuviera escuchando a alguien que de verdad me gusta. Derek and The Dominos fue una banda que me gustó mucho y fue casi como si no perteneciese a ella. Sólo es una banda de la cual soy fan. A veces, mi propia música puede ser algo así. Cuando ha servido para el propósito de ser buena música, ya no me asocio más con ello. Es como si fuera de otra persona. Entonces es fácil hacer esas canciones.

 

O como la inspiración de dicha canción, Patti Boyd dijo:

Creo que era increíblemente crudo en aquél momento... Es un músico tan increíble que es capaz de poner sus emociones dentro de la música de tal manera que el público lo puede sentir de forma instintiva. Te atraviesa de lleno.

 

En 1992, Clapton aceptó la invitación de MTV para hacer un MTV Unplugged, álbum acústico grabado en directo. Este álbum Unplugged, estaba repleto de anteriores éxitos, junto con una nueva canción llamada "Tears in Heaven". Dentro del álbum estaba la versión acústica de "Layla". Dentro de los arreglos más notables del tema, está su relentizamiento, la supresión del piano, y el arreglo del riff principal.3 Llegó al puesto número doce en las listas norteamericanas, aunque no llegó a entrar en las listas británicas. Posteriormente ganaría un Premio Grammy por Mejor Canción Rock, superando a la famosa "Smells Like Teen Spirit" de Nirvana, cosa que no pasó desapercibida y disgustó a algunos críticos.

 

Video con ambas letras (gracias a cancuncesar20):

Versión acustica de Eric Clapton con ambas letras (gracias a lespaul084)

Reseñas Manga: Death Note # 12

DEATH NOTE # 12 - FINIS

Impresionante conclusión de la serie que resulta sorprendente, emocionante, dramatica, sorpresiva, inquietante, filosofica, y sangrienta. Un cierre excelente para una gran serie para que el por desgracia se toman muchos tomos puentes, al final la conclusión resulta muy buena con un Ohba que penso muy bien las cosas y un Obata que se luce con un dibujo casi perfecto, claro que un servidor pensaba (y queria) que las cosas terminaran de forma diferente (¡tenia que ser al reves!) pero uno no puede quejarse de falta de calidad, claro esta que si hubiera terminado de una manera menos politicamente correcta quedara más en la mente, lo que si es que Light y Ryuk toman un protagonismo que opaca a los demás. La pagina 99 "Ambos" es un juego de Ohba que despues descubrimos que significa, claro que tambien se refiere al fin de Takada y Mello, el 100 "Encuentro" se refiere al encuentro de la policia japonesa (Light) con la SPK (Near), el 101 "Inducción" son los momentos previos con la explicación de Near y la excitante llegada de Mikami, la 102 "Paciencia" a lo que tiene que aguantar Light para afirmar que gano, la 103 "Declaración" es cuando Light se muestra y Near explica el porque del final, en 104 "Respuesta" Near sigue la explicación y Light da su famosa declaración, en la 105 "Imposible" Light explica el porque de la necesidad del asesino.

 

En la 106 "Sed de Sangre" todo se trata sobre matar y muerte, solo dire eso, en la 107 "Telon" vemos el patetico final de un personaje y en la 108 "Finis" es obvio que es el final con teoria complotista de Matsuda incluida y unas paginas finales bellisimas.

 

Calificación: 9.2 - Excelente

Cinecritica: Aullido

AULLIDO (THE HOWLING, EU, 1981)

Esta pelicula de Joe Dante es de lo mejor en cuanto al subgenero de hombres lobo, de hecho a la muy humilde opinion de un servidor esta es la mejor cinta sobre hombres lobo que he visto, por supuesto que no soy un experto en el tema y hay muchisimas cintas que me faltan y tampoco olvido a "Un Hombre Lobo en Paris" pero esta me parece más redonda, además la de Landis tiene un final mucho menos potente que esta, aqui Joe Dante no se preocupa en contar una historia de amor ni usar simbolismos sexuales, en lugar de eso cuenta una historia que pudiera estar pasando en este momento sin uno cree en esas cosas, y además tambien toma el elemento del suspenso, la esquizofrenia de una mujer que no sabe si lo que ve, siente y piensa es verdad, con personajes interesantes totalmente ambigüos de los que uno nunca sabe que esperar, la cinta comienza con un genero y despues se va empapando de muchos otros conjuntadolos de buena manera para terminar de forma formidable, mención aparte para los efectos especiales de Rob Bottin que tomo el mando despues de que Baker dejara la pelicula tirada para ir a la de Landis, tomando en cuenta su poco presupuesto y las prisas Bottin lo hace muy bien con la libertad que le dio Dante ya que no le dijo nada sobre las transformaciones o como queria que fueran los personajes.

 

Karen White (Dee Wallace, muy bien) es una reportera local que esta ayudando una investigación policial en medio de una trampa que le ponen a un posible asesino serial ya que esté se comunicaba con ella y deseaba verla por una fijación, la cosa se sale de control y Karen queda a merced del demente en el barrio rojo en una tienda pornografica, al fina Karen es salvada pero queda con un trauma que le impide recordar lo que sucedio en su platica con el psicopata Eddie (Robert Picardo), Karen no puede superarlo y le afecta en su vida personal y profesional por lo que es mandada por el doctor George (Patrick Macnee, bastante bien) de la cadena a un campamentoque él maneja en el que se relajara y volvera a ser ella misma, Karen va con su marido y conoce a los integrantes del campamento, una serie de personajes excentricos entre los que destaca una ninfomana (carnal Elisabeth Brooks), en lugar de curarse los temores de Karen se hacen cada vez más grandes y las cosas en el lugar son cada vez más extrañas asi que se contacta con unos amigos quienes estan en medio de la investigación de Eddie que esta tomando rumbos muy extraños con fantasias de hombres lobo y transformaciones.

 

Ya me siento culpable de revelar todo eso porque mucho del encanto de la cinta es no saber nada e ir poco a poco revelando sus misterios, nos debemos sentir tan perdidos como Karen, asi que la cinta comienza siendo una especie de thriller con asesino en serie, despues se transforma en un drama, despues se mueve hacia el suspenso y despues al terror sin dejar en ningun momento de tocar todos los generos que ya han entrado, decir que no es un pastiche sino una excelente conjunción que respeta topicos de los hombres lobo pero todavia va más atras del cine y toma leyendas y creencias más antiguas como el hecho de que la luna llena no tiene nada que ver con la transformación, además como en la de Landis, Dante juega con la salud mental de Karen y hace que dudemos si lo que vemos es verdad ¿es su imaginación? y lo hace de manera inteligente y amena, además como apunte antes los efectos son buenisimos y se sienten más reales que los falsos cg de la actualidad,  además el final.... ese final de antologia con tres escenas hilvanadas es formidable, cuando llegan los creditos uno queda tan anonadado que solo puede quedarse mirando el cocimiento de una carne pedida "casi cruda".

 

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: El Color Purpura

EL COLOR PURPURA (THE COLOR PURPLE, EU, 1985)

El problema de ser un director como Steven Spielberg despues de haberse ganado al publico y a la critica es que no falta quien te diga que para que te tomen en serio tienes que ganar premios, groso error, los premios no significan nada y el valor de una cinta lo da el tiempo y los verdaderos amantes del cine, esto fue lo que le paso a Spielberg que despues de regalarnos joyas del septimo arte decidio hacer cine "serio", lo que sea que esto signifique, en lo particular creo que sus obras "Tiburon", "Encuentros cercanos del Tercer Tipo", "Indiana Jones y el Arca de la Alianza", "E.T." o "Duel" por nombrar alguna son cine serio, de calidad, que sirven principalmente para lo que nacio el cine, para entretener y despertar todos nuestros sentimientos, además tienen el suficiente simbolismo y mensajes como para dar mucho en que pensar, lastima que lo convencieron o se convencio de que no fue asi porque a partir de entonces su cine fue más "ambicioso" e irremediablemente cayo, por fortuna en los ochenta Spielberg estaba en su apogeo y su primer pelicula seria es lo mejor que ha entregado dentro de este lado del director, hasta el momento "El Color Purpura" es de lo mejor del director, la mejor pelicula de "arte" del director y extrañamente la más ninguneada y poco conocida, lastima porque los que alaban "La Lista de Schindler" o "El Imperio del Sol" no saben lo que estan pasando por alto, una verdadera joya con un Spielberg imaginativo e inspirado.

 

La cinta cuenta la historia de varias personas de raza negre durante casi toda su vida, la protagonista Celie (convincente Desreta Jackson de joven y una contenidisima Whoopi Goldberg de mayor) sufre el abuso de su padre y tiene dos hijos suyos que este le roba, despues el padre da su mano a Albert (Danny Glover, muy bien) quien la maltrata y solo la quiere para satisfacer sus necesidades personales y caseras, tiempo despues llega su hermana Nettie (Akosua Busia) escapando de su padre y es recibida por Albert solo porque quiere aprovecharse de ella, Nettie no resulta presa facil y Albert decide correrla con lo que Celie vuelve a estar sola, años despues Celie se ha acostumbrado a los maltrados y golpes de Albert pero una serie de personas con las que se topa empiezan a abrirle los ojos a que puede tener una vida mejor. La libertina Shug (Margaret Avery) con quien conoce el verdadero amor y la fuerte Sofia (Oprah Winfrey) quien le muestra que se puede luchar contra las malas costumbres, asi como tambien personajes antipaticos que demuestran que no todo en la vida es sencillo.

 

Cuando uno acaba de ver la cinta es casi imposible que no lo haga con un nudo en la garganta, a pesar de que si uno lo piensa bien la cosa esta llena de cliches y trampas, incluido un happy ending en el que todo se resuelve de manera demasiado suertuda pero a final de cuentas uno lo agradece, tanto sufrimiento debe ser recompensado y nos sentimos tan agradecidos como la protagonista de que por fin encuentra la felicidad que lo demas no importa, mucho del merito claro esta es a la grandiosa dirección de Spielberg, con esos planos, las tomas, las imaginativas transiciones que nos regala, un ritmo esplendido y una muestra de que sabe perfectamente que fibras tocar para que el espectador suelte las de cocodrilo, además se agradece que la cosa no se vuelva chantajista y que los actores se desenvuelvan sin aspavientos y de manera natural, una muestra de que Spielberg es un director talentoso y de que estaba inspirado en aquellos ayeres.

 

Calificación: Muy Bien