Cinecritica: El Callejón de las Almas Perdidas

"EL CALLEJON DE LAS ALMAS PERDIDAS" ("NIGHTMARE ALLEY", ESTADOS UNIDOS - MEXICO - CANADA, 2021) DE GUILLERMO DEL TORO

En la conclusión de esta cinta noir Stanton Carlisle (Bradley Cooper, bien) esta conversando con el dueño de algún circo (Tim Blake Nelson en cameo) cuando de repente este suelta la frase de "trabajo temporal" y a uno se le hela la sangre, porque sabemos lo que viene más adelante, de hecho ya lo sabíamos porque las pistas se nos

fueron dando durante toda la película, de tal manera que el fantasma de esto siempre estuvo rondando por ahí, como un adelante del inevitable destino final de ese pobre diablo ambicioso, tanto así que desde una explicación clave de otro dueño de circo llamado Clem (Willem Dafoe, bastante bien) intuimos el inminente desenlace, pero aún así este golpea como un marro porque es aquí, cuando el protagonista por fin entiende su parte/lugar en la historia de la vida, y donde por supuesto la cinta deja de ser de del Toro para abrazar la depresiva y pesimista misantropía del libro de William Lindsay Gresham.

La historia comienza con Stanton arrastrando lo que parece ser un cuerpo envuelto para luego quemar una casa - ¿su casa? - sin mirar atrás, se topa con un circo donde conoce a un grupo de freaks con los que hace equipo, y donde aprenderá a embaucar al respetable, o quizá lo contrario, ya que las personas que visitan estas extrañas atracciones y shows en realidad solo aspiran a ver a alguien más miserable que ellos para sentirse mejor con sus horribles vidas, por lo que los asiduos clientes de estos lugares no solo quieren ser engañados, sino que principalmente quieren sentirse mejores que esos monstruos de circos que apenas tienen donde comer y dormir, y que mejor que este sea un monstruo/geek que coma cartílago arrancándolo a mordidas del cuello de una gallina, algo que extrañamente si despierta algo en el miserable Stanton, al que conforme conocemos entendemos que es solo un ambicioso sin escrúpulos cuyo mayor pecado será querer engañar a tramposos más inhumanos que él.

La primera parte de la cinta transcurre en el circo ambulante, en los terrenos conocidos del director, con muchos cameos de actores famosos (aparecen por ahí Mark Povinelli, Clifton Collins Jr. y su actor fetiche Ron Perlman), y es donde encuentra (mejor dicho elige) su profesión, de la mano de la suelta Zeena (Toni Collete) y su esposo Pete (David Strathairn), quien termina siendo su mentor, además ahí conoce a la angelical Molly (Rooney Mara) con quien desea compartir su vida, que además sirve para mostrar que la actuación abarca toda su vida al ser el dedicado enamorado de la chica, cuando Carlisle se siente preparado no duda en volar solo, para dar paso al segundo acto en la ciudad, donde Stanton es un famoso mentalista con ¡dos funciones diarias! aunque para esto se la pase regañando a su mujer, hasta que conoce a la doctora Lilith (Cate Blanchett, perfecta) quien es su boleto de entrada al mundo espiritista donde puede quitarle billetes a ricos y poderosos.

Esto da paso a la tercer y última parte de la cinta donde la metáfora se completa, una que se ve venir desde mucho antes pero aún así golpea con muchísima fuerza, esto gracias al ritmo que imprime el director que va siempre in crescendo, junto a un diseño de producción precioso, una fotografía impecable y una iluminación bellísima qué bebe del cine negro al que homenajea, así la cinta empieza con un tono pausado, casi como un sueño, pero va aumentando el ritmo en la ciudad donde además el tipo de arte cambia, para dar parte a esa acelerada parte final donde la violencia, la sangre y los monstruos verdaderos afloran, así que lo más interesante es la historia que viene del libro, donde se nos deja claro que Stanton no solo es un hombre ambicioso sino que es un monstruo capaz de pasar por encima de todo y de todos con tal de lograr sus metas, pero comete un grandísimo error que le advirtieron múltiples veces pero que el tipo siempre se paso por el arco.

Carlisle empieza a creer sus mentiras, a irrespetar todo, aunque le han dicho que nadie puede escapar de Dios, su soberbia lo lleva a creer que es más astuto, más amoral, más inmoral, más perverso y más monstruoso que los que lo rodean, sin darse cuenta - aunque nosotros si - que se ha topado con monstruos de verdad, unos con una maldad tan grande que ni siquiera puede concebirla, y para cuando lo descubra será demasiado tarde, porque esos monstruos están a plena luz del día, son respetados, admirados e idolatrados, sea en el multimillonario Ezra Grindle encarnado magníficamente por Richard Jenkins, sea la

pérfida Lilith destilando clase como la femme fatale clásica del género,  estos son los verdaderos monstruos, ocultos no solo por belleza y labia como Stanton, sino por la idolatría social, por su lugar en el mundo, por sus conexiones, y justo por ello no les importa el dinero - ¡ya tienen mucho! -, sino el poder, la destrucción y el ego, hacen el mal porque pueden y porque quieren, porque les divierte y lo gozan, y porque siempre ganan, enviando a pobres diablos como Stanton, que cual Ícaro creyó que jugaba en las mismas ligas, pero al perder ante estos monstruos quedar condenado a un destino del que no sabe si reír o llorar como se muestra en esa portentosa y desquiciada imagen final.

Calificación: Excelente

Cinecritica: Torre Grenfell: El Incendio al Descubierto

"TORRE GRENFELL: EL INCENDIO AL DESCUBIERTO" ("GRENFELL UNCOVERED", REINO UNIDO, 2025) DE OLAIDE SADIQ

En el momento crucial de este encabronante y doloroso documental, el abogado de las víctimas suelta su terrible conclusión del asunto, - "Creo que la investigación dejó en claro que la seguridad pública no era tan interesante como la búsqueda individual de ganancias privadas" -, y con eso se resume todo, la simple y llana búsqueda del cochino dinero que de nueva cuenta se lleva las vidas que sean por delante, con tal de un margen más grande de ganancias, es decir, de nueva cuenta el capitalismo con su haber sistemático al que poco o nada le importa la vida humana si esta no se refleja en ganancias, de tal forma que los inquilinos eran llamados "activos" en los documentos, y un simple ahorro de 40 libras por departamento desató el infierno que permanecerá en los corazones se los supervivientes, ya sea por el recuerdo atroz, o por la culpabilidad al sobrevivir.

En este documental de investigación periodística vemos como se inicio, se propago, y nunca se contuvo el incendio acaecido en el año 2017, donde un sencillo incendio de cocina se convirtió en un infierno total en apenas una hora, tenemos las cabezas parlantes, y las impresionantes imágenes de archivos que verdaderamente causan escalofríos al ver un incendio tan salvaje, tenemos las confesiones de las víctimas de ese día que vivieron una pesadilla sin previo aviso, unos arrepentidos bomberos que no contaban ni con la información ni la capacitación para hacer frente a eso, las autoridades que no aceptan responsabilidad, los expertos que descubrieron la maraña de corrupción que causó todo, y los periodistas que se han volcado al caso buscando justicia sin poderse hacer escuchar, porque a final de cuentas los fallecidos eran más bien un lastre.

La primera hora del documental es la incesante crónica del incendio, las situaciones, las causas, las dolorosas experiencias vividas, hasta que en la media hora final se decide por mostrar todas las pruebas y culpables de la tragedia donde fallecieron 72 personas, entre ellos 18 niños, que van desde un primer ministro con reglas laxas para atraer capital de quien sea a como sea, encargados de seguridad que solo buscan agarrar hueso y se confunden de cifra porque a final de cuentas les interesa un bledo, y un cínico responsable directo qué pide ver los cuerpos antes de que se atrevan a exigirle seguridad, esto junto a las cobardes empresas multinacionales qué como bien comenta el periodista, tienen el corazón oscuro con tal de ganar más dinero, esto demostrado en la venta de ese revestimiento asesino incendiario, porque a final de cuentas, pasa las reglas británicas de seguridad, y con los vecinos ricachones qué ven a los habitantes de los departamentos como personas de segunda, a los que se les tira con lo más barato posible con tal de ahorrar unas libras.

Es complicado explicar todo lo que sucede en el documental, pero es una inquietante y

valiosa crónica de como la vida humana cada vez vale menos que él dinero en este sistema, y que ello causará que esto se repita como señala la familiar de una víctima, comencé viendo asombrado la tragedia, luego me encabrone, y finalmente lloré por esas personas, que nunca, jamás, valdrán menos que los ricos que los ven por debajo del hombro, cuyas vidas no pueden valuarse con cochinas cuarenta libras, y que hicieron todo bien, investigar, levantar quejas, informar el asunto, para encontrarse con un muro burocrático manipulado por el dinero, al final uno espera justicia, y sobre todo paz para las almas de esas pobres victimas y sus apenados familiares.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: La Chica de la Aguja

"LA CHICA DE LA AGUJA" ("PIGEN MED NALEN", DINAMARCA - POLONIA - SUECIA -FRANCIA- BELGICA, 2024) DE MAGNUS VON HORN

Hacia tres cuartos de avanzada la cinta en blanco y negro, sucede la escena crucial del relato, cuando la malaventurada Karoline (Vic Carmen Sonne, muy bien) tiene un arrebato de rebeldía para con su mentora/jefa/protectora Dagmar (Trine Dyrholm, soberbia), y como ya tiene cierto apego a un bebé decide descubrir el misterio que

envuelve a la supuestamente bienhechora mujer protectora de madres y bebes, para esto la sigue cuidando no ser vista, por las calles de esa Copenhague post gran guerra, unas que están llenas de miseria y necesidad, retratadas perfectamente por una producción impecable, que presumen un juego de luz y sombras qué sobresale con esa hermosa y cuidada fotografía en blanco y negro, todo esto al servicio de lo que sucede en pantalla, con Karoline escondida en las esquinas y sombras, pendiente por revelar el misterio que esconde la segura matriarca Dagmar que se caracteriza por hacer y deshacer a voluntad.

Todo esto con una halo de misterio bien logrado por el director que se ha tomado su tiempo para despertar nuestra curiosidad y que hagamos nuestras propias teorías, en mi caso hasta con intercambio de ideas con mi acompañante, y aunque nunca verbalice la que imaginaba más segura si atine, desgraciadamente, algo dentro de mí decía que ya sabía la verdad, que era justo esa que me quería negar a aceptar, y no por ello perdió un ápice de fuerza, las pistas estaban dadas, la solución era evidente, y aún así cuando llega uno se toma el estómago, las tripas se revuelven, el asco nos invade, al igual que la desesperanza qué nos es recordada como tatuaje al saber que todo esto pasó en realidad. Para entonces ya hemos visto a la desgraciada Karoline sobrevivir como puede en esa Dinamarca post guerra. 

Siendo desalojada de un lugar feo para irse a vivir a un lugar horrendo, trabajando sin cesar en una fábrica de ropa con agujas quebradizas y un ambiente cabizbajo, esperando a su marido de quien no sabe nada desde hace un año aún cuando la guerra terminó, pero también con algunos momentos luminosos que serán seguidos de otros aun más terribles, desde un amorío que le abre las puertas a un futuro esplendoroso, con todo y encantador patán de por medio (Joachim Fjelstrup), un embarazo deseado que será la llave a su felicidad, pero también la aparición de su pasado como freak cirquero abominable (Besir Zeciri), una matriarca qué derrumba su mundo (Benedikte Hansen, impecable como clasista señora elitista sin corazón), una aguja abortiva, la aparición de una mujer que salva bebes para encontrarles buena familia, una pequeña niña adorable de malas maneras (Ava Knox Martin), un mujeriego machista y seguro (Ari Alexander), muchas drogas y crímenes que son tan horrendos como la sociedad en la que existen.

Si bien es cierto que todo es demasiado miserable y que su última pierde un poco de fuelle, su encanto de cuento de hadas sombrío - como eran los originales - y la misantropía que retrata al ser humano de hace cien años que no se diferencia en nada al de hoy hacen que sea recomendable, sumado por supuesto a las hermosas imágenes en blanco y negro, su atmósfera surrealista y esa banda sonora experimental nos llevan a una pesadilla que ocurrió en la vida real, y muy posiblemente sigue ocurriendo, justo por ello todo ese ambiente onírico pesadillesco termine funcionando, y que tanta miseria sea soportable, porque a final de cuentas es una ventana al alma humana presentada de forma casi surrealista, en un mundo donde las barbaries, la maldad, la pobreza, la ambición y las mentiras son el pan de cada día, justo como en la actualidad.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: El Pacto

"EL PACTO" ("THE COVENANT", REINO UNIDO - ESPAÑA - ESTADOS UNIDOS, 2023) DE GUY RITCHIE

Testosterona en estado puro, esta es la manera más sencilla y eficaz de describir esta cinta de Ritchie, que como ya he comentado antes, desde que salió de las garras de Madonna y Disney ha vuelto a ser el de antes, nada de efectos especiales feos, nada de progresismo, nada de tonterías actuales, ha vuelto a ser el de antes pero con una evolución en su cine, con

una cinta que recuerda mucho a la también testosteronica "Wrath of Man", con hombres de honor que se respetan y cuidan unos a otros, con pactos no hablados que deben cumplirse simple y llanamente porque son hombres, y ello los obliga a tener palabra, a tener honor, a no descansar hasta cumplir sus deudas, a dejar de vivir cuando se sabe que no se ha cumplido como hombre, a ser incapaz de vivir con esa vergüenza, Ritchie apela a esa hombría que siempre han tenido sus cintas, a esa masculinidad "tóxica" tan popularmente criticada en la actualidad, pero que despierta un sentimiento de humanidad que evoca lo más profundo del ser, y que nos vuelve humanos.

Desde el inicio con esa escena llena de tensión donde una situación común se perfila para terminar de la peor manera, cual si fuera un día cualquiera en "The Hurt Locker" y hasta la persona más imprescindible es tu peor enemigo, después del cruento final inicial, el sargento John Kinley (Jake Gyllenhaal en otra  actuación destacada) busca un traductor-interprete para seguir buscando explosivos en Afganistán en plena guerra contra los talibanes, ahí se topa con el eficiente pero rebelde Ahmed (impresionante Dar Salim) quien será de muchísima ayuda para descubrir a los talibanes por el conocimiento del tema, después de todo sabe quienes están contra ellos, quienes trabajan con ellos, y quien esta amenazado, y porque además, tiene su propia historia con ellos, una que resulta doloroso aunque se afronte de la forma más macha posible, con una sola alusión, y la mención de unos hermosos ojos azules como halago varonil.

Cuando estamos viendo esta interesante historia de guerra con traiciones y momentos de suspenso llega una impactante escena de lucha que termina de forma nada convencional y da paso a esos 100 km recorridos qué apelan al mejor cine de suspenso épico, uno donde Ritchie de verdad nos pone en la piel de esos dos hombres, incapaces de darse por vencidos o de traicionar sus ideales, para dar paso a ese drama psicológico que viven miles de soldados, con Kinley incapaz de vivir, de dormir, y en lucha constante contra el sistema para cumplir la deuda personal que ha tomado sin que nadie se lo pida, hasta que su tolerante mujer (Emily Beecham aprovechando el poco tiempo en pantalla) lo empuja a lo único que lo librara de ese infierno, no sin antes advertirle que debe volver vivo, y con una parte final llena de suspenso y acción donde la música de Chris Benstead y la dirección de Ritchie brillan, con esos momentos finales donde las miradas, un gesto, una mano temblorosa... dicen más que mil palabras, y donde todos pagan sus "covenant" cueste lo que cueste, aunque a veces deban exigirse, y otras veces ni se pidan.

Y es que Kinley esta obsesionado con cumplir su deuda, y para ello cobra otras de forma firme mientras los demás solo asienten con la mirada (Jonny Lee Miller), o le dan a escoger decisiones suicidas por no esperar un par de días, aunque al final lleguen cual infantería de cinta clásica para soltar líneas que aunque sencillas se sienten devastadoras en su significado, en esa admiración, en el respeto, en el estima por estar ante seres humanos de ese calibre, todo esto filmado además por Ritchie de forma seria y profesional, casi desapareciendo detrás de la cámara, pero siempre sabiendo que toma hacer o donde poner la cámara, dejando que la historia coescrita por el mismo y los personajes sean los que tomen protagonismo, con persecuciones y balaceras filmadas de forma impresionante, y con los suficientes cambios de perspectiva y experimentación para hacer que uno mantenga el interés total de manera constante, sin caer nunca en los excesos fílmicos actuales, de tal forma que parece que uno asiste al cine de guerra de antaño pero con medios actuales.

Al final uno termina visiblemente encabronado y lastimado, cuando aparecen las leyendas finales - y esas fotografías -, por esa decisión horripilante de Biden de dejar a todos esos intérpretes y aliados ser torturados y asesinados por los talibanes al abandonarlos, una traición sin nombre, una crítica dolorosa a EU, no a sus soldados y ciudadanos, sino al siempre inoperante e inhumano gobierno, por lo menos aquí Kinley por fin podrá descansar, después de decenas de días sin dormir, al cumplir, por fin puede cerrar los ojos y estar tranquilo, por fin está en paz consigo mismo, con su hombría, con su humanidad, con su humanidad, con su espíritu, con ese enlace humano espiritual que espero nunca desaparezca, y que queda claro en esa mirada a la que sigue el recargo de la cabeza cerrando los ojos, su Covenant ha sido respetada.

Calificación: Muy Bien

Critica: Una Casa de Dinamita

"UNA CASA DE DINAMITA" ("A HOUSE OF DYNAMITE", ESTADOS UNIDOS, 2025) DE KATHRYN BIGELOW

En un momento clave del regreso al cine de Bigelow, un general actuado por Tracy Letts, le pregunta al mayor que tiene al lado (Gbenga Akinnagbe) quien piensa que lanzó el misil nuclear qué los amenaza, este deja claro qué solo son conjeturas, para luego soltarse con los norcoreanos, los rusos, y al final decir que quizá hasta solo fue el capitán de un submarino al perder la cabeza debido a que a su mujer lo engaño -recordé cuando se ponen a hablar de alguien para decir luego

que quien son para juzgarlo-, este momento es clave porque deja claro el punto, la verdad es que aquí los gringos no tienen la más mínima idea de porque viene un misil, y por más elucubraciones que hagan, no pueden tener una respuesta, y es que la cinta de la siempre recia y potente directora, pone todo sobre la mesa apenas iniciando, después de presentar rápidamente a algunos personajes, desata la cuestión de un ataque nuclear, pero no saben de donde vino, los satélites no lo vieron, y peor aún, el sistema de defensa fallo, por lo que ahora solo queda pensar que acción tomar por la futura pérdida de 10 millones de personas y por lo menos un 10 % adicional por el viento.

El brío con el que es filmada la cinta es fenomenal, esto, junto a la cámara temblorosa casi documental, siguiendo los atribulados rostros de todos los involucrados, la edición exacta pero cortante, y la banda sonora tensa, hacen que este thriller político brille, aunque esta claro que la decisión de contar esos desquiciantes 19 minutos hasta el impacto, tres veces, en distintos puntos de vista, es una apuesta arriesgada, por un lado el primer tercio es el más tenso y poderoso, con una Rebecca Ferguson demostrando que es una fuerza de la naturaleza, además de ser el más sorpresivo, ya que aquí es donde nos enteramos de todo, de la premisa, de los problemas, de las circunstancias que se van dando, y hasta de todos los personajes y eventos por lo menos de forma general.

Por lo que el segundo y tercera resultan hasta reiterativos, ya que sabemos lo que va a ocurrir y es poca la información novedosa, esto da la sensación de que va de más a menos, personalmente no lo siento tan así, no se puede negar que el primero -"Inclination is Flatenning" ("La Curva se Aplana") - es donde la tensión puede cortarse con un cuchillo, y a la postre el más interesante, pero los siguientes tienen características propias qué los hacen valiosos, ya que el segundo -"Hitting a Bullet with a Bullet" ("Darle a una Bala con otra Bala") - es de  donde sale la valiosa conversación mencionada, o cuando le confiesan al secretario de defensa (Jared Harris) que el sistema de defensa de 50 mil millones solo tiene un 61% de éxito, ¡es un volado! explota él tipo incrédulo, o cuando el presidente pregunta que si no responden rápido se verían débiles ante la solicitud de no comenzar una guerra nuclear, para escuchar que entonces es como escoger entre rendición o suicidio.

Y esa tercera parte donde vemos al presidente (Idris Elba) siendo un porrista político jugando basquetbol con niñas, al que le llega una responsabilidad que no puede ni quiere cumplir, a pesar de parecer una persona consciente - todos son narcisistas pero este  por lo menos lee el periódico confiesa un empleado -, esta claro que nadie está preparado, y que a pesar de todo lo que tienen nadie sabe que hacer cuando llega el momento, de nada sirven los protocolos ni los asesores qué se contradicen, ni un presidente perdido, ni su mujer rencorosa, ni los generales más preocupados por los deportes que la situación geopolítica, al final, solo estamos en una casa de dinamita construida a sabiendas, donde a la menor oportunidad podemos volar en pedazos, Bigelow lo sabe e intenta abrirnos los ojos, pero aún así es optimista, sus burócratas aunque inútiles son profesionales, ¿pero en la vida real? Con un presidente ultra violentó como Obama, senil como Biden o sociópata como Trump, uno se los imagina corriendo como imbéciles con fuegos artificiales en la casa de dinamita, que irremediablemente estallara tarde o temprano.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Retrato de una Mujer en Llamas

"RETRATO DE UNA MUJER EN LLAMAS" ("PORTRAIT DE LA JEUNE FILLE EN FEU", FRANCIA, 2019) DE CÉLINE SCIAMMA

La joven pintora Mariane (Noémie Merlant, magistral) esta enseñando a unas alumnas cuando vemos la pintura de un retrato de una mujer en llamas, que nos remite de inmediato al título, de ahí nos remontamos a un larguísimo flashback que nos cuenta la historia, una donde vemos a la profesional

pintora tirarse por la orilla de una barca para rescatar sus materiales ante la indolencia de los hombres que la acompañan, desde aquí notamos que es una mujer independiente y con una resiliencia enorme, cuestión vital para la trama ya que la historia carece de victimización, al llegar a la orilla la hermosa fotografía de Claire Mathon ya nos ha ganado la partida, con unos colores hermosos y vibrantes que deleitan la pupila, tan cuidados como el encuadre que da la impresión de ser una hermosa pintura en cada fotograma que compone la cinta, como el de la playa con esas rocas de formas impresionantes, las vestimentas ondeantes y las huellas en la arena.

Sumado a esto tenemos un sonido impresionante que nos hace sentirnos inmersos en la sensación de esa apartada isla, con las olas golpeando la orilla, el viento corriendo por los oídos, el sonido al ondear la tela, las pisadas y hasta el crepitar del fuego de una vela, todo esto sumamente importante en una cinta que prácticamente apuesta por no tener música de fondo, algo que también logra otro punto crucial en la narrativa, cuando tenemos momentos musicales son tan importantes que resultan álgidos, el vestuario es exquisito, logrando hermosos vestidos de época que nunca se sienten exagerados o anacrónicos, son sencillos y funcionales, con la clase que se buscaba hace siglos en el vestir, lo mismo aplica para el maquillaje y los peinados, son elaborados y hermosos, pero nunca de tal manera que uno sienta que solo pueden lograrse por profesionales actuales, en pocas palabras, técnicamente la cinta es extraordinaria, por lo que solo mirarla para apreciar lo hermosa que es vale el tiempo invertido.

Pero lleguemos a lo vital, lo más valioso del filme, lo que cuenta su maravillosa trama, Marianne llega a la isla con un encargo, qué pinte a la hija de una mujer acomodada (Valeria Golino, bastante bien) para poder enviar el retrato a un ricachón milanes que les promete otro tipo de vida en esa esplendorosa ciudad a finales del siglo XVIII, para ello la joven debe verse preciosa, no vaya a ser que el fulano se arrepienta, el detalle es que Héloise (enigmática Adéle Haenel, sencillamente perfecta) no se deja retratar, por lo que Mariane tendrá que hacerlo de incógnito, haciéndose pasar por una dama de compañía en sus paseos por la playa, y estudiando sus rasgos para poder hacer el necesario retrato, es así que Marianne intenta verla de reojo cada que puede, algo que no pasa desapercibido para la enigmática rubia, aprovecha cada instante para realizar un esbozo, e intenta memorizar los rasgos para pintarlos al regreso, a riesgo de terminar como su fracasado antecesor, dándole así un aire enigmático a la trama.

Estamos ante una enigmática trama que tiene varios temas interesantes, la inexplicable muerte de una hermana, el celo de una joven que fue arrancada de un convento obligada a casarse, una mansión que parece un tétrico castillo con múltiples recovecos vacíos, y hasta extrañas apariciones qué en algún momento cobran sentido, todo esto mostrando meticulosamente el proceso de realizar una pintura que personalmente me fascino y nunca imagine así, con esbozos iniciales, líneas de apoyo, fondos desprolijos y luego un exceso enfermizo al detalle, y mientras esto sucede también somos testigos de la relación de estas dos mujeres, que apenas hablan, a Héloise tienen que arrancarle las palabras, pero que se van conociendo y entendiendo poco a poco, con miradas qué denotan todo sin palabras, desde la empatía al cariño y finalmente al deseo Sáfico.

Todo esto mostrado con una clase magistral que nunca cae en el voyerismo ni en el exceso, rehuyendo en todo momento del morbo que pudiera causar, aquí todo está dicho por las miradas, los ademanes, los gestos, alguna sonrisa, un desdén, de tal manera que tenemos un romance de época realizado como en el cine de antes, no existe el morbo, ni el erotismo desatado, solo hay simbolismos y fotogramas qué dicen mucho más de lo que aparentan, además de tener una bonita relación con la sirvienta (Luana Bajrami) qué ayuda a enfatizar ciertas ideas y momentos, como ese majestuoso con un maravilloso canto a capela por parte de unas mujeres en lo que, en ese tiempo pudiera confundirse con un aquelarre, y un vestido incendiado, mientras las miradas de ambas mujeres parecen fusionarse con el significado de esas llamas, cine en estado puro.

Además sabemos lo que significa el avance de la pintura, cuando está este terminada la separación de éstas mujeres será concretada, y con ello cualquier posibilidad de esperanza, algo que podemos o debemos intuir por la importancia del mito de Orfeo y Eurídice en la historia, con todo y análisis del significado y cierre de esa tragedia griega, que es visto de tres formas distintas por cada una de las mujeres, mostrando la importancia de la subjetividad en el espíritu humano, este mito irremediablemente volverá en ese doloroso cierre, renacerá en el sentimental y bello final con todo y pintura nueva con mano sosteniendo un libro y dedo señalando una página crucial qué pueden arrancar tanto una sonrisa como unas lagrimas, y en esto tienen mucha responsabilidad las dos protagonistas, ambas con grandes ojos expresivos e intensas miradas qué siempre ven, estudian y admiran, y que la directora logra ponernos en su mirada, por lo que casi siempre vemos lo que ellas miran, vistas subjetivas, otorgándonos una  sensación cómplice.

Las dos logran una gran química, y regalan unas actuaciones extraordinarias, con solo un movimiento de mano, un roce, un ajuste en el ángulo del rostro, una mirada al cuello, en verdad logran que entendamos todo lo que sienten con la mínima cantidad de diálogo, por lo que entendemos su propia visión de la historia de Orfeo que forma parte crucial en el final de la cinta donde la película alcanza puntos de calidad que hacen a uno creer en el cine nuevamente, con todo e importancia de anhelo por medio de una pintura como en la inigualable "Vértigo" del maestro de maestros, y que así, aun destrozados, dan paso a un epilogo donde un acercamiento y escena ininterrumpida en toma sostenida de una de las protagonistas escuchando a Vivaldi hacen que a uno se le estruje el alma, sabemos lo que significa, lo que vale para ella, y al mismo tiempo somos cómplices, casi tres minutos de cine en estado puro, del mejor cine, y de uno que arranca el corazón y alimenta el alma.

Calificación: Sobresaliente

Cinecritica: Contra Todos

"CONTRA TODOS" ("BOY KILLS WORLD", ESTADOS UNIDOS - ALEMANIA - SUDAFRICA, 2023) DE MORITZ MOHR

El chico del titulo habita en una distopia donde una sola familia tiene el poder total, son los mas ricos y poderosos, al grado de hacer y deshacer, por lo que se dan el lujo de cada año asesinar públicamente a sus enemigos y detractores, y así mantener el orden, esto le sucede a nuestro protagonista que pierde a toda su familia - incluida su amada hermana - a manos de los poderosos Van Der Koy, el pequeño es

salvado por un cínico chaman (Yayan Ruhian, bien) que se dedica a entrenarlo día y noche sin descanso para que puede perpetuar su venganza, este crece hasta convertirse en un Bill Skarsgard de acero con estomago de lavadero que viste ochentero con todo y chaleco rojo llamativo, como si saliera de un juego beat 'em up, esto por cierto, es la gracia de la cinta, que nunca se toma a pecho y en lugar de esa pesadumbre y seriedad que uno sufrió en "Monkey Man" y hacia donde parecía dirigirse la saga "John Wick" con su ultima entrega, apuesta por un estilo desenfadado que cae bastante bien, después de todo en estas películas lo que uno viene a ver son los catorrazos y guamazos.

Después de entrenar fuertemente con todo y alucinaciones por ahí y por allá, y pesadillas con la muerte de la familia el pequeño va desarrollando cada vez más rencor, tratado mal hasta por la misma persona que lo salvo, pero consciente de que tiene que volverse invencible para poder derrotar a esa dictadura, todo hasta aquí se escucha bastante convencional pero como anote antes, el estilo de la cinta la diferencia, tenemos a un protagonista sordomudo que muchas veces no entiende lo que le dicen los demás - el que nunca entienda los labios del negro es tan políticamente correcto como hilarante -, así como su imaginaria voz de presentador de peleas callejeras, como ese videojuego que disfrutaba junto a su hermana, y que esta tan alienado que hasta se da el lujo de hacer posees y celebraciones porque... ¿ por que no? sumado a que el espíritu/fantasma/alucinación de su hermana (Quinn Copeland, una agradable sorpresa) lo acompaña para todos lados, apareciendo en los momentos más inoportunos tanto para ayudarlo como para torturarlo, hacen de esto lo suficientemente original para no quedar como una cinta de venganza más.

Todo esto con muchísimo humor negro y ridículo que casi siempre funciona, muchísimo estilo ochentero y videojueguil, peleas coreografiadas acertadamente que se diferencian de otras y que no le piden nada a la saga de "John Wick", que por su mismo desenfado tiene momentos como la pelea del ¡rallador de queso! con esa cámara en movimiento que nos regala tomas largas, seguimientos a personajes, planos secuencias y hasta da volteretas alrededor de la acción para que no nos perdamos de nada siempre en vivos colores que le dan mucho estilo, y con un reparto impecable con Michelle Dockery luciendo como una sádica encargada de publicidad y medios, un Brett Gelman como ese villano con consciencia con sueños frustrados, Andrew Koji con vis cómica, el siempre bienvenido Sharlto Copley luciendo con la enjundia de siempre, y mi querida Jessica Rothe que aun no ha podido establecerse como debería por su talento.

Únicamente Famke Janssen queda debiendo en su papel, por el contrario de Skarsgard que no solo obtuvo el físico idóneo para este papel sino que bordea perfectamente un personaje sordomudo, que no habla y solo debe mostrar todo por medio de gestos, logrando que en verdad parezca que la voz de H. Jon Benjamin viene de su cabeza, y con una vis cómica impresionante, tanto en timing como en movimientos, sumando que hace muchas de las coreografías y tomas de riesgo, se le nota entregado al proyecto, se nota que disfruto tanto dando como recibiendo fregazos y ese amor-alegría por el trabajo se nota en pantalla, lo transmite y se agradece.

Calificación: Bien

Cinecritica: Five Nights at Freddy's: La Pelicula

"FIVE NIGHTS AT FREDDY'S: LA PELICULA ("FIVE NIGHTS AT FREDDY'S", ESTADOS UNIDOS, 2023) DE EMMA TAMMI

Los mas jóvenes -  y hasta los no tan jóvenes - se han obsesionado con el "lore", no pueden quedar conformes con las historias, personajes y mundos que aparecen en libros, películas y libros, necesitan que se les explique todo con lujo de detalles, que establezcan el universo, que den santo y seña de todo, por lo que la ambigüedad por supuesto que los molesta, además de que si aparece un asesino necesitan saber porque asesina, su pasado y demás, y si no sucede critican eso como punto malo en cualquiera de los medios - explícame, sobreexplicalo y se sobre-expositivo o te condeno a la terrible cancelación por medio de redes - parecen decir, un vicio de estos terribles tiempos que no parece terminar, esto por supuesto es el principal defecto de "Five Nights at Freddy's", una película que por el tipo de juego en el que esta basado tenia todas las papeletas para ser un despreocupada y hasta gamberra cinta de terror serie B.

En lugar de eso se lo ha tomado tan en serio que el resultado es soporífero, no existe ni una milésima de segundo en que esto pueda ser considerado terror, y es hasta extraño que un juego basado únicamente en jumpscares carezca casi por completo de estos cuando el cine actual de terror esta plagado de los mismos, así que en lugar de poner a un guardia a sobrevivir las cinco noches del titulo nos cuentan una bostezante historia sobre el traumado Mike (Josh Hutcherson, demasiado dramático) que esta obsesionado con una terapia de sueño con tal de revivir el pasado donde roban a su hermano, así que casi no presta atención a su hermana Abby (Piper Rubio) que tiene cierto problema que nunca queda claro, además su malvada tía quiere quitarle la custodia para cobrar el cheque del gobierno y se alía con la niñera para que junto a unos vagos le hagan una maldad.

Y un asistente social (Matthew Lillard correteando la papa) que a todas luces planea algo - solo le falta la música ñacañezca -  le da trabajo nocturno de guardia de una antigua pizzería de los ochenta, donde resulta como todos sabemos que los animatronicos tienen vida, solo que aquí no son malos, a no ser que destruyan el lugar, por lo demás no existe ni un solo momento de violencia, que también en esa situación es fuera de cuadro y sin una gota de sangre, así que Mike duerme la primera noche y sueña con los niños, a los que se les da un drama personal, la segunda nuevamente, la tercera descubre que tienen vida, la cuarta hacen fiesta con ellos y la quinta es el anticlimático final donde sale el malo maloso de verdad y lo derrotan con el poder de los dibujos, y el personaje de la policía, solo existe para explicarle al protagonista y a nosotros la historia y el lore, y lo hace a cuentagotas sin razón alguna, lo único bueno son las marionetas que hace la compañía de Jim Henson, eso si, al final amenazan con secuela que entiendo que es segura después del exitazo que fue, vaya que sirve tener una fanbase dura, tanto como el boto duro del pri hace años.

Calificación: No Vale la Pena

Critica: Instinto Voraz

"INSTINTO VORAZ" ("DIE ALONE", CANADA - ESTADOS UNIDOS, 2024) DE LOWELL DEAN

Iniciando vemos un paisaje desolado y una solitaria casona recuperada por la naturaleza, así como un joven que está parado en una colina frente al amanecer, nos dice en voz en off que esta perdido, que llego al final de su vida y no puede más, esto mientras múltiples recuerdos de su vida llegan a su mente, para luego pegarse un tiro en la cabeza. Regresamos tiempo atrás donde vemos al mismo joven, llamado Ethan

(Douglas Smith, exquisito como paleto andante) viajar con su novia Emma (Kimberly-Sue Murray, bastante bien) en automóvil, quieren alejarse lo más que puedan de la urbanización, y tiene un lugar seguro en una cabaña en el bosque, esto debido a una nueva pandemia, que está arrasando con la humanidad, durante el viaje se le ve cansado, y escuchamos a Emma al tiempo darnos datos claves, mientras que a la voz en la radio especifica los síntomas de los "reclamados", como es llamada esa nueva variedad de zombis que se están apoderado del planeta, en un descuido Ethan se estrella de sopetón contra algo.

Al despertar se encuentra solo, no ve a Emma por ningún lado, solo esta él, su yeso en el brazo, y la naturaleza reclamando todo lo que puede, caminando por el lugar, nota que hasta estos lejanos lugares ha llegado la infección, esta decidido a ir a la cabaña ya que ahí puede estar sus adorada Emma, pero un par de buitres supervivientes lo atacan de pronto, hasta que es salvado por la correosa Mae (soberbia Carrie-Anne Moss) y cuando se desmaya ella se lo lleva para curarlo y alimentarlo, y de paso lo aprovecha para hacer algunas tareas pesadas, ideales para un hombre, aun con esta amabilidad y buena fe, Ethan solo puede pensar en su amada Emma a quien ve en múltiples flashbacks qué le vuelven a la cabeza en todo momento, aumentados quizá por la pérdida de memoria que sufre ¿por el accidente? Así que a la primer oportunidad toma la camioneta de Mae y va en busca de su amada, sin importar que le explicaran cuan peligroso es estar afuera, siendo prácticamente un suicidio.

Y es que, los "reclamados", son unos extraños zombis causados por un virus que los vuelve poco a poco plantas, al tiempo que evita que mueran, incluso sin cerebro, y convirtiéndose poco a poco en parte del ambiente, es decir, zombis pero plantarizados, la venganza de la madre naturaleza  dicen algunos, el virus que al fin pudo con nosotros dicen otros, a Ethan esto lo importa poco, él solo quiere encontrar a la mujer que ama en un mundo post-apocalíptico lleno de zombis verdes que deambulan como arboles con piernas, supervivientes violentos que esconden intenciones en todo momento, y una pérdida de memoria que lo lleva hasta el desmayo sin decir agua va, topándose en el camino en posibles aliados como Mae, y unos que son enemigos declarados a las primeras de cambio, al tiempo que recuerda cosas por medio de flashbacks dándole datos claves para esclarecer(nos) su misterio, ya que en ellos puede encontrarse la clave para localizar a la añorada Emma.

La cinta de Dean pareciera ser una más de apocalipsis zombi, pero en cuanto termina la presentación vemos que es algo más, un complejo rompecabezas escrito por el mismo director, que va encajado las fichas. de manera que uno se siente tan extasiado cuando forman la imagen que al armar rompecabezas de miles de piezas, no hay trampas, todo esta pensando, la información está ahí, es una historia compleja con personajes muy elaborados, y donde estamos tan perdidos como su protagonista, la fotografía, ritmo y edición son muy buenas, el montaje es exacto, y la dirección demuestra gran talento, con un reparto que luce en todo momento, a los mencionados se suma un Frank Grillo impresionante, que saca oro en los pocos minutos que aparece, no es una super producción, pero todo está sumamente cuidado, los reclamados dan miedo y terror, y por momentos risa y quizá hasta pena, además de sumar ese mensaje ecológico qué nunca está de más, después de todo nadie puede negar que parece que buscamos nuestra perdición, mientras la cinta brinca de género con una naturalidad asombrosa.

De género apocalíptico con protagonista solitario y luego acompañado, a  road movie con personajes de distinta índole entrando en la historia, terror zombi, suspenso cortante a la mitad de la cinta (de apenas hora y media) cuando aparece cierto personaje del que no podemos descubrir que desea ni piensa, y una media hora final que abraza la locura total, en un drama total con romance incluido y dejo misantrópico, y es que desde el enfrentamiento la situación explota de manera sublime, con lo que sucede en el presente, sumado a lo acontecido en el pasado, donde no podemos fiarnos de un religioso Kai, y aparecen mujeres una tras otra jugando con nuestra mente, una silueta, un comentario, todo nos hace pensar y asombrarnos, al final quede extasiado de la mejor manera posible, y descubrí que Dean puede elaborar una historia muy enferma, al mismo tiempo de ser capaz de otorgar una gran obra de amor, y es tan quisquilloso como para aplaudirle, y bailar en los créditos finales con "Crimson and Clover" de Tommy James and the Shondells, espera, esa es la canción que baila antes... Si, como advertí antes, todo encaja de manera brillante en una cinta arriesgada y valiosa que nadie conoce,  pero que merece más amor, como el que ella intenta dar con su calidad.

Calificación: Notable

Critica: Sueños de Trenes

"SUEÑOS DE TRENES" ("TRAIN DREAMS", ESTADOS UNIDOS, 2025) DE CLINT BENTLEY

Robert Grainier (impresionante Joel Edgerton) es presentado por una narración en off de Will Patton, su voz aguardentosa, ruda y áspera, es ideal para platicarnos la vida de Robert, un tipo longevo que vivió el cambio de siglo, y que como casi todos los que habitamos en esta tierra, disfruto, lucho, sufrió, trabajo, convivió, conoció y amo a muchas personas, y en general, a todos los detalles del mundo, como deja claro en la conclusión el

carismático anciano picaron Arn Peeples (William H. Macy, hilarante) quien ya desahuciado, comprende todo, y lo resume en sencillas pero poderosas palabras -"hermoso, realmente hermoso"-, por supuesto, el mundo es hermoso y esto es algo que aprenderá Robert en su largo periplo lleno de tragedias, pero también de momentos de gran felicidad, ya que este hombre, leñador, trabajador ferroviario, chalan y hasta conductor, ve pasar frente a sus ojos un mundo cambiante, tratando de seguirle los pasos, y siempre con algo nuevo con que sorprenderlo.

Desde pequeño Robert conoció los males del mundo, huérfano de padres, de los que nunca supo nada, y sin siquiera saber a ciencia cierta qué edad tenía o la fecha de su cumpleaños, llego a vivir con unos parientes, fue testigo de la violencia, viendo como los chinos eran deportados con lujo de rudeza, auxilio a un moribundo en medio del bosque (Cliffton Collins Jr.), y hasta fue testigo casi pasivo, de un terrible asesinato que no pudo impedir, por mas que preguntara que hizo la victima una y otra y otra vez, a partir de este momento el fantasma de la culpabilidad lo seguirá en forma de aparición impávida, en tanto Robert deambula por el mundo buscando una razón de la existencia, la encontrará en la fuerte Gladys (hermosa Felicity Jones, bien), y a partir de ahí tendrá los mejores momentos de su vida, y también los más difíciles, con la presión del dinero, y el proteger a alguien que no sea él mismo, además claro, de tener el temor de que la muerte le cobre sus pecados, unos que por cierto, no están nada fuera de lo común.

Tanto así, que le pregunta a Arn si las malas acciones se pagan tarde o temprano en vida, a lo que este contesta con la voz de la experiencia, en su vida ha visto buenas personas sufrir lo indecible, y malas personas ser idolatradas y gozar, el mundo es más complejo de lo que cree, con el tiempo Robert lo entenderá, y nosotros seremos testigos mudos de su falta de respuestas, al mismo tiempo que de su impresionante resiliencia. No conozco la novela de Denis Johnson, pero por lo visto, parece ser un relato sencillo, una narración desprovista de dramatismo, de un hombre que ayudó a construir el Estados Unidos moderno, sin que su nombre pase a la posteridad, como miles de personas más, en este caso, el guión de Bentley y Greg Kwedar respetan eso, y la dirección de Bentley, es lírica y sencilla, como una ligera prosa llena de profundidad, de esas que ya no se hacen, esto es apoyado por la fotografía de Adolpho Veloso, que nos regala postales hermosas con luz natural, en un encuadre 4:3 qué hace brillar aún más las locaciones naturales, que apuesta por las tomas fijas en momentos cumbres como el asesinato de un hombre, la muerte de otro, movimientos tranquilos en paneos para mostrar algo clave en la narración, cámara en mano temblorosa al seguir a los personajes, y hasta semi contrapicados al estilo Malick para mostrar felicidad y la belleza de la vida misma.

La banda sonora de Bryce Dessner acompaña de forma exquisita, sin molestar ni imponerse en ningún momento, y la edición sigue el tono tranquilo y sereno de una cinta que solo quiere mostrar la vida de un hombre "común", y justo aquí esta la mayor virtud, lo logran, conocemos a Robert, empatizamos con él, queremos que triunfe y sea feliz, pero no es una persona que haga grandes hazañas, ni este en misiones extraordinarias, por lo menos no como el viaje del héroe nos ha enseñado, pero no por ello deja de ser una persona admirable, un hombre exitoso, un héroe en este mundo, después de todo; amo, lo amaron, trabajo con honradez, jamás fue violento, tenia una fuerte moral, hizo amistades, marco a varias personas, fue marcado por ellas, tuvo buenos sentimientos, soporto las adversidades, fue resiliente, fiel, leal, humano, fue un verdadero héroe, como todas las personas de bien que han existido, existen y existirán, y Bentley logro mostrarlo con pasión contenida y respeto en una cinta que merece tanto amor como el que da.

Con momentos de humor bien realizados como los protagonizados por el vaquetón Arn, que se saca historias ridículas mientras habla del tiempo pasado que siempre es mejor, y del trabajo sin mover un dedo, otros de dolor como esa tragedia ocurrida a mitad de la historia, y hasta momentos cumbres como ese final, sencillo pero poderoso donde se nos dice -"Cuando Robert Grainier murió, mientras dormía, en noviembre de 1968, su vida terminó tan serenamente como había comenzado. Jamás compro un arma de fuego, ni hablo por teléfono, no tenía idea de quienes habían sido sus padres, y tampoco dejo herederos, pero en ese día de primavera, tras perder cualquier noción del arriba y del abajo, se sintió al fin conectado con el todo", quien fuera Robert Grainier... quien lo hubiera conocido, y quien fuera tan noble como él...

Calificación: Excelente