Lo Mejor del Año 2013

Sin más preámbulo y porque ya me voy de vacaciones aquí esta la lista de lo mejor que vi y reseñe en el año, específicamente lo que reseñe y aquí va englobado cine, televisión, DVD y bluray:

 

1.- "Fargo" de Joel Coen, perfección de los Coen que con esta comedia negra muestran su talento, la cinta nos deja helados pero al mismo tiempo sabemos que estamos ante algo grande, cine glorioso donde no paramos de reir ni de fascinarnos, llena de personajes de antología, escenas inolvidables, una banda sonora sublime y una critica sin escrúpulos hacia nosotros y nuestra notable estupidez.

 

2.- "Gegen Die Wand" de Fatih Akin, una de las mejores y más dolorosas historias de amor que he visto en mi vida, dos almas quebradas que en un extraño pacto conectan para darse cuenta que no están destinados a estar juntos, o lo que es lo mismo, no están destinados a ser felices.

 

3.- "Night of the Living Dead" de George A. Romero, máximo exponente y referencia de las cintas sobre zombis, una película que inicio un subgénero y llevo al máximo los simbolismos, criticas y  mensajes que estás conllevan, y además de verdad es tensionante y terrorífica.

 

4.- "American Beauty" de Sam Mendes, una apasionante crónica que parodia y homenajea el estilo de vida de la familia americana, al final nada es lo que parece y los personajes son mucho más profundos y complejos de lo que aparentan, un drama con humor cinico, acido y hasta doloroso.

 

5.- "Carrie" de Brian De Palma, obra cumbre del terror, un preciosismo virtuoso perfecto en el que el director hace florituras al por mayor y nos entrega una cinta decadente, con un guion sencillo pero efectivo y unas de las mejores escenas de terror que he tenido el placer de ver.

 

6- "The Big Lebowski" de Joel Coen, un film noir llevado al absurdo, al hilarante, con los extravagantes personajes que crean los hermanos Coen, un reparto de lujo, una fotografía impresionante, una dirección perfecta y una selección musical que muestra que los nerds judíos saben mucho más de música que cualquiera.

 

7.- "The Evil Dead" de Sam Raimi, magnifica cinta de terror en el que Raimi nunca teme caer en el riidiculo, uno se asusta tanto como se rie, y la cinta nunca para; violaciones, posesiones, destazamientos, risas malévolas, voces macabras, violencia grafica al por mayor y una locura desquiciada.

 

8.- "Amour" de Michael Haneke, el maestro tiene corazón y nos muestra una historia de amor grandísima, la vida tiene muchos tonos y el amor también, no para todos es lo mismo aunque la finalidad sea igual ¿Qué es un acto de amor verdadero? Haneke nos lo muestra con la frialdad acostumbrada y la maestria de siempre.

 

9.- "Invasión of the Body Snatchers" de Don Siegel, la paranoia máxima total por parte de Siegel de la que nacieron miles de clones y copias que nunca han alcanzado la fuerza de la original, la potente premisa sigue tan vigente o inclusive más que entonces.

 

10.- "Akmareul Boattda" de Kim Ji-Woon, una descorazonante y desesperanzadora historia de venganza que toca la violencia y las depravaciones como pocas, un enfrentamiento actoral exquisito, una dirección excelsa, una banda sonora majestuosa y el mensaje de que cuando uno se enfrenta al diablo no puede salir victorioso.

 

11.- "Vincent" de Tim Burton, un cortometraje animado al más puro estilo de Poe con la narración de Vincent Price, magia animada, cine en estado puro, una muestra inequívoca del talento de Burton en los tiempos en que buscaba su vertiente artística y con versos y rimas al por mayor.

 

12.- "Cidade de Deus" de Fernando Meirelles y Katia Lund, la cara de Brasil que nadie quiere ver, las favelas donde la droga y la violencia están a la orden del dia, al igual que las depravaciones, una crónica de diferentes personajes que se ven inmersos en esa vorágine de autodestrucción a través de décadas.

 

13.- "Charlie and the Chocolate Factory" de Tim Burton, ni modo, me gusta muchísimo más que su versión original porque aquí Burton trata con menos respeto y más desprecio a los pedantes niños, como una obscura fabula infantil funciona de maravilla, como liberación de demonios también, y hasta como blockbuster.

 

14- "Sex, Lies and Videotape" de Steven Soderbergh, un inquietante relato/estudio sobre las relaciones personales, la importancia del sexo en ellos y los problemas que nos trae en ellas, por supuesto que toca temas mas perversos pero lo hace con clase e imaginación, cine artesanal del mejor estilo.

Fruslerias: Escenas de "The Big Lebowski"

Y esta fue la película del mes y me da cosa que pase tan desapercibida hasta por los dizque cinéfilos, y por ello, para seguirla recomendando, porque esa es la finalidad del critico, recomendar y descubrir cintas que nadie conoce ni ve y no tirar tierra a las que casi por default sabemos que son malas, aunque esto ultimo es divertido, como no

 

La escena de presentación de Jesús Quintana es sublime

Y no puedo dejar fuera la hilarante alucinación musical/porno/alegoría

Lo Mejor del Mes: Diciembre 2013

Inteligente cine independiente, subvalorado cine comercial, un musical de esos de antes, una ganadora del oscar en lenguaje foráneo, una bonita cinta de Carlos Sorin, la compilación de los cortos de Pixar, una joya mas de los Coen, otra joya de Mamoru Oshii, el regreso de Kaye, muchos palomazos nuevos, un menospreciado debut de este lado del charco y una locura autoparodica de los nuevos comediantes realmente divertidos de Hollywood es lo que reseñe este mes:

 

Lo Mejor del Mes..... "The Big Lebowski" de Joel y Ethan Coen, un film noir paródico que es llevado al extremo del exceso y la locura, los Coen lo empujan hacia alla y de todas maneras nos entregan un guión inteligente que es resuelto de forma inteligente y alucinante, además de personajes fantásticos interpretados por un reparto magnifico y una banda sonora de antología.

 

Mención Honorifica..... "Tenshi No Tamago" de Mamoru Oshii, simbolica y compleja historia de Oshii que en lugar de entregarnos algo fácil no nos explica nada y nos deja quebrándonos la cabeza con esta simbolica cinta religiosa para revisar una y otra vez, con una animación magnifica, un diseño precioso y una banda sonora exquisita.

 

Segunda Mención Honorifica..... "No Man's Land" de Danis Tanovic, inteligentísima comedia negra que no deja títere con cabeza y lo que es mejor es que en ningún momento toma partido, para Tanovic todos; seamos soldados, trabajadores de la ONU, vendedores de armas, periodistas o testigos, somos igual de idiotas, ambiciosos e indolentes.

 

Cinecritica: This Is the End

ESTE ES EL FIN (THIS IS THE END, EU, 2013)

Debut en la dirección de Seth Rogen y su co-guionista de siempre Evan Goldberg que da más de lo que promete, o por lo menos eso fue para mi porque no cabe duda de que la cinta esta destinada a un sector muy especifico del respetable, a aquel que se rian con guarradas y que sepan quienes son los actores que salen, solo asi la autoparodia funciona y ella es el alma de la película, si no sabes quien es Michael Cera o James Franco pues definitivamente no la disfrutaras tanto, y no me refiero a solo saber que es el tipo que sale de duende verde en las trilogía de Spiderman de Sam Raimi sino a saber que tipo de persona es o en su defecto como lo retratan los medios ya que eso es justamente de lo que se burlan y lo que parodian, y todo eso claro esta con mensaje incluido, muy moralino y hasta cristiano diran algunos pero en lo personal no me molesto nada.

 

Por otro lado la cantidad de autorefencias es grosera, por aquí y por haya se mencionan los trabajos que han tenido, los proyectos en los que han aparecido y todo ello de la mejor manera posible, burlándose y mofándose de sus errores, sus tropiezos y hasta su falta de talento. Seth Rogen esta esperando a su amigo Jay Baruchel con quien pasara el fin de semana, Rogen es el típico buena gente que le cae bien a todo mundo, la conexión del grupo, Baruchel es un nerd desenfadado que odia el estilo de los Angeles, Rogen lo lleva a la fiesta de inauguración de James Franco donde se encuentran el buenazo Jonah Hill (el encanto de america como se llama en cierto momento), Craig Robinson con su toalla en todo momento, el alocado Danny McBride, Rihanna en pantaloncillos cortos, un drogadisimo y depravado Michael Cera, Jason Segel, Paul Rudd, Mindy Kaling, Christopher Mintz-Plasse, Channing Tatum y hasta Emma Watson.

 

Pero inmediatamente llega el fin del mundo con lo que las celebridades que obviamente no fueron llevados al cielo tendrán que sobrevivir como puedan a una horda de demonios, a fuego por todos lados, a otros sobrevivientes y a agujeros gigantes, todo esto da paso a que los seis principales traten de sobrevivir en la casa de Franco donde despiertan las rencillas, Franco odia a McBride quien solo piensa en él, Hill no es el santo que aparenta y le juega sucio a Baruchel que aborrece a todos, Rogen oculta cosas de todos y Craig es un cobarde hablador, la aparición de McBride, las muertes de muchas estrellas (son un verdadero placer culpable), las exageraciones autoparodicas de todos,Watson con un hacha atacando al grupo para que no la violen, Franco y sus pretenciones artísticas junto a su enfermizo amor propio, cierta asquerosa discusión, Jonah Hill visitado por un demonio bien dotado, McBride logrando su sueño de una vida de perversión, la aparición de Tatum, el logrado final con todo y numero musical de placer culpable incluido es lo que nos ofrecen Rogen y compañía, por cada chiste que no funciona tan bien hay otro que nos hace reir a carcajadas y por ello vale la pena, aunque no para todos gustos, avisaos están.

 

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Marcado para Morir

MARCADO PARA MORIR (DEAD MAN DOWN, EU, 2013)

El debut de Niels Arden Oplev de este lado del charco pudo haber sido mucho mejor pero no es la decepcion que la mayoría se empeña en decir que es, con un recibimiento terrible por parte de la critica y del publico pareciera que el director tendrá que volver al viejo continente aunque no entiendo porque tanta saña, a no ser ese extraño patriotismo mal entendido de los gringos, por ejemplo a un servidor le gusta muchísimo más la primera versión de la trilogía Millennium que la copia cínica y descafeinada de Fincher, de cualquier manera este extraño thriller de venganza con romance incluido cumple muy bien su cometido, y lo que es mejor es que no se toma demasiado en serio siendo hasta autoparodico en ciertos momentos clave, uno no sabe si Arden Oplev se esta burlando de la seriedad del genero o la esta homenajeando sin tomárselo muy a pecho, esto le molesto a muchos pero me parece que no rompe con el estilo de la historia.

 

Además la puesta en escena del director es estupendo, la paleta de colores, ese New York sucio que nos regala, esa clase para filmar, esos planos largos, las tomas fijas, son cosas que se agradecen en un genero que en la actualidad esta manchado por cámara en movimiento, cortes cada dos segundos y aires de grandeza, el director no se lo toma a pecho y se mofa de esa seriedad del genero, sabe que los secretos y las vueltas de tuercas están demasiado vistos y que por impactar o sorprender cada vez son menos creíbles, por ello se lo toma con una ligereza inusual, además cuenta con la majestuosa actuación de Noomi Rapace a quien el lanzo al estrellato que eleva la cinta como lo hace con todas en la que aparece. Al inicio de la cinta vemos al serio Victor (Colin Farrell) conversar de manera casi existencial con el desesperado Darcy (Dominic Cooper, bien) para después dar paso a el ataque del mafioso Alphonse (Terrence Howard) a unos jamaiquinos ya que piensa que ellos son los culpables del ataque psicológico que ha sufrido los últimos meses.

 

Una exagerada balacera que da paso a una trama de rompecabezas con pistas, notas, pedazos de fotografías y los matones de Alphonse asesinados uno a uno, Darcy decide investigar por su parte siguiendo los pasos del ultimo que lo hizo, Victor invita a salir a la chica del edificio de enfrente, Beatrice (Noomi Rapace, esplendida) quien tiene el rostro reconstruido a causa de un fuerte choque automovilístico, por supuesto que las intenciones del vengativo Victor quien es el verdugo de Alphonse y que tiene un traumatico pasado que lo lleva a preparar una venganza exagerada no pueden ser salir con la chica, y ella lo sabe, teme que delate como mato a cierto tipo con ella como testigo, pero eso no le importa a Beatrice ya que lo único que quiere es conseguir su propia venganza y solo Victor puede dársela, asi nos vemos inmersos en una vorágine de venganza, planes rebuscados, una investigación que desentraña oscuros secretos, un extraño romance de dos almas destruidas y una resolución que no resulta lo mejor, y es que esperaba algo mejor como lo que se dejaba entrever en lugar de una balacera testosterona que funciona como autoparodia pero que no termina de cuajar en la historia, eso si, Arden Oplev nos muestra que puede filmas escenas de acción mucho mejor que la mayoría del cine hollywoodense y eso es algo a tener en cuenta.

 

Calificación: Bien

Cinecritica: Detención

DETENCIÓN (DETENTION, EU, 2011)

Joseph Kahn nos demuestra que lo que hacen Edgar Wright y Simon Pegg no es tan sencillo como parece, el mismo director junto a Mark Palermo escriben una historia que intenta ser parodica al mismo tiempo que homenajea, lo hace con el genero del terror, específicamente el slasher ya autoparodico e intelectualoide de "Scream" y le meten las cosas mas raras que tienen para separarse de su versión fuente, creo que el problema viene desde la premisa, si ya el genero es divertido y se autoparodia como se puede ir más lejos, obviamente Kahn lo hace pero lo que logra no es bueno, un asesino serial que es uno de ellos, viajes en el tiempo, un extraño hombre insectoide mutante, cambios de mente, alienígenas, detenciones imposibles y demás es lo que conforma este extraño menjurje.

 

Por supuesto que tiene algunos momentos divertidos y algunos gags funcionan pero la balanza se inclina para mal, y otra cosa Josh Hutcherson es un protagonista débil, al igual que en el churro "Guerras del Hambre" el papel de prota le queda grande, siempre ha funcionado como secundario pero es demasiado blando para cargar con el papel principal, sale mejor librada Shanley Caswell que aguanta de todo, nos reimos de ella y nos burlamos en todo momento, además de que su dignidad es aplastada una y otra vez, quiza era demasiado pronto pero lo aguanta con temple. Ahora , ¿de que va la cinta? una guapa adolescente es asesinada por un personaje de película que a partir de ahí aparecerá recurrentemente para eliminar adolescentes.

 

Después de ciertas cosas, principalmente chistes, presentaciones y romance bobo el director pone en detención el dia de la graduación a los que estaban cerca en el ultimo asesinato suponiendo que uno de ellos es el culpable, aquí viene la mejor escena, las ridículas platicas/peleas dialogadas de los personajes y la entrada de un veterano castigado que da paso al mejor plano secuencia de la película, lastima que a partir de ahí sea un sentido que al terminar nos deja con cara de WTF y no precisamente de buena manera, pero aun asi aguante el palomazo como la anterior, aunque creo que más porque por lo menos se arriesga.

 

Calificación: Palomera

Cinecritica: Por los Viejos Tiempos

POR LOS VIEJOS TIEMPOS (STAND UP GUYS, EU, 2012)

¿Cómo negarse a ver en pantalla a Al Pacino, Christopher Walken y Alan Arkin juntos? uno creería que el solo hecho de verlos juntos es más que suficiente para aguantar la cinta, y asi es, pero por momentos y ni yo quería creerlo, veía el reloj o me preguntaba cuando faltaba para que acabara, en otros me dio pena ajena el asunto (¡esa broma del viagra! o la exageración ridiculez a la que es sometido Lucy Punch para que Arkin quede bien), pero en otros me agradaba como la carrera por las calles o Walken que es lo mejor de la cinta tratando de recuperar el cariño de lo único que le queda en la vida.

 

Justo este dilema es lo mejor de la cinta, el amable Doc (Christopher Walken, bien) viviendo el dilema de decirle la verdad a la mesera Alex (Addison Timlin, bien) en una rara relación en la que la muchacha también presiente algo, pero Valentine (Al Pacino) sale de prisión donde tuvo que pagar veintiocho años en lugar de abrir el pico, su premio es que Doc lo lleve de pachanga para después matarlo, Val ya sabe que lo van a matar, también nosotros ya sabemos que Doc no lo hara asi que todo se resume a ver como se le voltean al jefe, al final lo hacen pero ya no sabemos como termina eso porque tuvimos que ver dos horas de juergas al por mayor, idas a la casa de citas, visitas al bar donde Pacino logra su único buen momento bailando una bella canción de Bon Jovi.

 

Otra al hospital por culpa de la viagra, sacar del asilo a Hirsch (Alan Arkin), robar el coche de un maton de cuarta, salvar a cierta mujer para que logre una revancha feminista, enterrar a uno de ellos y lograr un momento chantajista, ya para entonces no sabemos pero tampoco nos interesa saber como termina la cosa (aunque lo imaginamos), en conclusión una comedia mala leche pero con viejitos en lugar de adolescentes, con una historia que no va a ninguna parte y que se refugia en la nostalgia, lo mismo nos pide a nosotros el director Fisher Stevens ya que espera que los recuerdos con esos actores le salven el dia pero cuando mucho aguanta el palomazo y depende del humor que uno traiga.

 

Calificación: Palomera

Cinecritica: El Gran Houdini

EL GRAN HOUDINI (DEATH DEFYING ACTS, REINO UNIDO - AUSTRALIA, 2007)

En la primera parte de la película vemos a un convincente Guy Pearce como Harry Houdini, el más grande y mejor escapista de todos lo tiempos y el mago más famoso que haya vivido, lo vemos hacer algunos de sus actos más famosos, vemos como el show es lo mas importante para el y también como odia a los charlatanes, los curanderos, médiums, psíquicos y demás que solo estafan a las personas y les dan falsas esperanzas, asi que decide ofrecer una recompensa a quien pueda contactarlo con su fallecida madre, es simple, solo tienen que decirle que palabras le dijo antes de morir y el dinero es suyo, por supuesto que esto no sucederá nunca y Houdini simplemente les quita la mascara a todos esos timadores.

 

Entre ellos esta la guapa Mary (Catherine Zeta-Jones) que decide tratar de engañar a Harry usando a su hija Benji (Saoirse Ronan tan bien como siempre) para descubrir el secreto, por cosas del destino los tres comienzan una extraña relación que tiene que ver con que la mentada Mary es muy parecida a la fallecida madre de Houdini, cosa que esta aprovecha y que Houdini usa en una enferma relación en la que todos sabemos que tiene sentimientos de culpa, de aquí nace un romance que aunque bonito no aporta nada y además da paso a un final terrible, lastima porque la cosa apuntaba para mas.

 

¿Por que no hacer simplemente una verdadera biopic sobre Houdini? es un personaje fascinante y Pearce lo hizo muy bien, y tomando como premisa esos últimos años cuando se dedico a quitarle la mascara a brujos charlatanes, pero bueno, el giro de la cinta va por el romance que además es tan cursi que preferiblemente las mujeres la disfrutaran, lastima porque como apunto la cosa daba para más y asi parecía al inicio, aun asi se debe revisar, tiene momentos, los escapes, Houdini recibiendo golpes de boxeadores profesionales (y de los tiempos en que eran boxeadores) como si nada solo aguantando para después escupir sangre, todo por el show, lastima que eso al final le costo la vida.

 

Calificación: Palomera

Cinecritica: Indiferente

INDIFERENTE (DETACHMENT, EU, 2011)

De Tony Kaye todos conocen "American History X" pero Kaye no se ha quedado estancado ni ha desaparecido del medio, sigue haciendo cine pero lamentablemente el mismo es su propio enemigo al habernos regalado una opera prima tan potente, es difícil que vuelva a figurar a menos que haga algo mejor o de la misma calidad y por el momento no se ve cerca, de hecho esta cinta dramática con toques de cine negro es buena pero creo que es demasiado pretensiosa y trata de abarcar en demasia lo que al final le resulta contraproducente, al inicio parece que veremos una cinta tipo documental con confesión y opiniones incluidas pero después nos damos cuenta que estas entrevistas son solo un recurso estilístico que por desgracia rompen el ritmo de la cinta la mayoría de las veces.

 

Aun asi el personaje de Henry Barthes (Adrien Brody, muy bien) logra ganarnos gracias a la intensidad del actor que realmente se mete en nuestra piel, mas alla de que tenga tantas cosas encima, no le gusta comprometerse por lo que prefiere ser profesor sustituto, siente una enfermiza empatía por los demás, tiene que sobrellevar a su abuelo enfermo que además esconde un oscuro secreto del pasado que Henry ya sabe, y hasta cuida a una prostituta menor de edad en su casa respetándola en todo momento, y también es el objeto del deseo de una talentosa alumna a quien todos molestan y sale con una guapa profesora (Christina Hendricks), frente a todo esto no hay descanso, también vemos los problemas que pasan los demás miembros del profesorado y tenemos un climax que es demasiado común para el tipo de cinta, eso si, la última escena con Brody leyendo a Poe con el simbolismo de la destrucción de la educación es magnifica, tanto que creemos que vimos una cinta mejor de lo que en realidad es.

 

El problema de la cinta como apunte antes es que es demasiado pretenciosa, esas confesiones, esas animaciones, esos cambios de cámara, puntos y personajes son cuestiones de estilo pero no funcionan en el guion, además llegamos a un punto donde los alumnos le tienen cariño y respeto al maestro pero no sabemos cuando o como ocurrio, un error, mucho mejor el drama personal con el abuelo pederasta, la joven prostituta (Sami Gayle, bastante bien) aunque no libre de crema, los que retratan mejor el sistema educativo son los secundarios, Marcia Gay Garden como una mujer derrotada por el sistema, Bryan Cranston como el esposo sentido y harto por las quejas de su mujer, James Caan como un cinico al que ya no le importan los alumnos, Lucy Liu como una desesperada consejera cansada de ayudar a quien no quiere ayudarse y podría seguir, todos muy bien y con por lo menos una escena de lucimiento personal, al final Kaye por lo menos da en el blanco, el problema principal no son los alumnos ni los profesores sino los padres que no se interesan por la educación de sus hijos.

 

Calificación: Interesante

Fruslerias/Humor: Recuerdos

La fotografía del grupo había salido muy bien y la maestra trataba de persuadir a los alumnos de comprar una copia. “Imagínense”, les dice, “qué bonito será cuando ya sean todos grandes y digan: ‘allí está Catalina, es abogada’; o también ‘ese es Miguel, ahora es doctor’...” Sonó una vocecita clara desde el fondo del salón: “Y allí está la maestra; ya murió.”

Cinecritica: El Huevo del Ángel

EL HUEVO DEL ÁNGEL (TENSHI NO TAMAGO, JAPON, 1985)

La primera película personal de Mamoru Oshii es un deleite visual y sonoro, y si, tengo que decirlo, a mi no me molesto en absoluto sino todo lo contrario, al no tener diálogos uno puede fijarse mejor en el entorno, en los gestos de los personajes y tratar de descifrar el complejo simbolismo que encierra la cinta y que se presta para tener conversaciones y discusiones al por mayor, incluso con aquellos que diran que Oshii no dice nada y que la cinta es una tontería, y están en su derecho ya que el director no ha explicado que es lo que quería decir, ni lo hara, no le conviene si quiere que siga siendo una cinta de culto que levante ínfulas, pero en lo que nadie puede estar en desacuerdo es que el diseño de personajes es exquisito y Oshii pone diferente calidad los personajes siguiendo con el simbolismo, la dirección artística, el diseño de los lugares con ese ambiente gotico y apocalíptico es estupendo y la banda sonora por parte de Yoshihiro Kann es un deleite.

 

Estamos en un lugar destruido, ruinoso, apocalíptico como si estuviéramos en el fin del mundo, una pequeña niña con aspecto fantasmagórico (como un típico espíritu japonés) sobrevive en las entrañas de los edificios como puede cuidando un extraño huevo al que carga a todos lados, la niña junta agua y escapa de esos extraños hombres sombríos que intentan cazar unos peces sombras a los que nunca pueden tocar con sus arpones, en medio de tanta locura aparece un hombre con pinta de héroe de anime, como un samurái o vaquero que llega de la nada para poner orden en el lugar, además carga una extraña arma en el hombro que tiene la forma de una cruz, al igual que muchos de ellos raramente habla y cuando conoce a la niña nunca le responde quien es pero igual la acompaña, cuida de ella, aunque ella se muestra recelosa con él, no sabe quien es ni que quiere pero poco a poco le gana confianza y le muestra su adorado huevo.

 

El supuesto huevo del ángel que muy pronto nacera, y el tipo se convence de que es realidad cuando ve un esqueleto de lo que parece ser un ángel, lo que sigue después es una sorpresa terrible que nos plantea muchos más cuestionamientos, después de recitar la historia del arca de Noé ahora llegamos al climax con la pequeña en un grito desesperado por ayuda, su crecimiento, muerte y la aparición de más huevos ¿? mientras el extraño se aleja con su cruz a cuestas, la forma de la niña aparece en la extraña nave ojo donde hay otras tantas figuras en posición de oración y esta asciende mientras el extraño personaje camina por la playa. El significado puede ser cualquiera, se presta a todas las interpretaciones, yo lo veo por el camino bíblico/religioso ya que se toman muchas cosas de esta, la figura de Dios, de Jesús, el desprendimiento, la humanidad, los que se quedan fuera de la gloria, pero por ahí lei a alguien que ve lo contrario, el anticristo destruyendo la esperanza de la humanidad y el infierno atrapando a todos, o quiza no sea asi y Oshii solo nos quiera decir que la religión no existe y no entiende como nos tomamos tantas molestias, incluso hay algunas descabelladas como la critica a la caza de ballenas, todas igual de validas y si me quieren dar su opinión y lectura la espero porque no estoy convencido de la mia ni de ninguna otra, por lo menos no completamente.

 

Calificación: Muy Bien

Fruslerias/Humor: Sexos

Un niñito de tres años fue con su papá a ver una camada de gatitos recién nacidos. De regreso a casa, le contó ansiosamente a su mamá que eran dos gatitos y dos gatitas. “¿Cómo supiste distinguirlos?”, le preguntó su mamá. “Papá los levantó y les miró por debajo”, replicó el niño, “creo que allí tienen la etiqueta”.

Trailer: Este es el Fin

El tráiler lo dice todo y ya esta en el cine:

Cinecritica: Identidad Desconocida

IDENTIDAD DESCONOCIDA (THE BIG LEBOWSKI, EU, 1998)

Una fantástica joya de los hermanos Coen que parece que siempre aciertan, excelente film noir llevado a los extremos y al ridículo sin miedo de ningún tipo, con un reparto Coenesco y con interpretaciones maravillosas, y además el guión es inteligente y no usa trampas, y la dirección excelsa, los diálogos son ingeniosos, los secundarios magnificos y las escenas de sueños/delirios son absolutamente memorables, sin duda una excelente cinta de un genero que se olvido pero como solo los Coen pueden hacerlo, y digo esto porque en el mismo genero manejan una línea completamente diferente a lo visto, ellos mismos dicen que tomaron como inspiración a Raymond Chandler y que crearon a los personajes basados en personas que conocen y escribieron otros específicamente para que sus actores fetiches pudieran aparecer y lucirse, lastima del ridículo nombre que le pusieron aquí y que hace todavía más difícil conseguir, visionar y disfrutar esta majestuosa cinta de los Coen.

 

Con una narración de parte de Sam Elliott nos es presentado Jeff "The Dude" Lebowski (Jeff Bridges, perfecto), el tipo mas flojo y vago de los Angeles y eso es decir mucho, al llegar a su casa es atacado por dos sujetos que dicen venir a cobrar el dinero que les debe su mujer y orinan su alfombra, en el boliche el explosivo Walter (John Goodman, esplendido) le dice que le reclame al otro Jeff Lebowski, un ricachon que de seguro era el sujeto al que iba dirigido el ataque, Dude hace caso y le reclama al Lebowski (David Huddleston, muy bien) quien lo manda a la goma, ahí conoce a su mujer, la joven Bunny (adecuada Tara Reid) para después ser llamado por Lebowski ya que esta fue secuestrada y quiere que él entregue el dinero para saber si son los mismos tipos que le atacaron, Walter se mete en la negociación para apodarse del millón del rescate y echa todo a perder y además pierde el dinero cuando su auto desaparece, con esto Lebowski le echa la culpa y lo amenaza, los secuestradores también están tras él, y hasta el productor Jackie Treehorn (Ben Gazzara, bien) lo persigue porque cree que esta en conjunto con Bunny en un autosecuestro y a él le debe dinero, además de esto la hija de Lebowski, la artista feminista Maude (Julianne Moore, extraordinaria) le roba su alfombra y quiere recuperar el dinero y demostrar que su madrastra los esta engañando.

 

A pesar de lo complejo y complicado de la trama no es tan difícil seguirlo ya que esta dividido en capítulos y nunca se pierde el hilo conductor, lo que si es que estamos tan perdidos como "The Dude" en todo el embrollo, con tantas personas interesadas, tantas preguntas, tantas incognitas, algo que rompe con su simple estilo de vida jugando boliche, escuchando música y fumando marihuana, pero ya esta metido hasta el cuello y no le queda de otra que llegar hasta el final aunque sea la persona menos indicada y preparada para ello, un film noir inteligentísimo, cine negro del bueno con personajes delirantes, a los mencionados se unen Steve Buscemi como contraparte de su parlanchin personaje de "Fargo", Philip Seymour Hoffman como el asistente lamebotas de Lebowski, Peter Stormare, Torsten Voges y Flea como los secuestradores nihilistas, David Thewlis como un desquiciado artista pop, Jon Polito como detective privado, Asia Carrera como sorpresa en una revelación de la trama y John Turturro que esta simplemente magnifico como Jesús Quintana, de hecho Turturro tiene una de las mejores escenas de la cinta, su teatral presentación con otra versión de Hotel California es de lo mejor que he visto, delirante, los sueños de "The Dude" son esplendidos, el primero con Bob Dylan de fondo y aun más el segundo en una especie de musical de los treinta que se intercala con esas producciones pornográficas ambiciosas de antes con los deseos del "Dude" y que termina en plena alucinación tenebrosa, aunque la cinta esta llena de estos momentos, la llegada de "The Stranger", las peleas de Walter y Dude, cierta visita a un adolescente problema que no lleva a nada, la fiesta del productor pornográfico, las apariciones de Maude, las confrontaciones con la ley, el ridículo artista Knox, la risa de Hoffman, las pistas que no llevan a nada y las pequeñas revelaciones que lo acercan más al asunto, y por supuesto la despedida de Donny, al final "The Dude" no gana nada más que la verdad y por ello tuvo que pasar por todo, como dice en cierta parte del filme, ahora podría solo tener una alfombra orinada... pero no. Además el compañerismo que tienen Dude y Walter es muy bueno, es una historia de amistad también, de esas parejas disparejas que no se pueden olvidar, el pacifista con el violento e iracundo, algo asi como el extraño romance del vago y la artista intelectual con todo y visiones desquiciadas, ya me dieron ganas de verla de nuevo, en especial el extraño musical desquiciado.

 

Calificación: Excelente

Cinecritica: Los Cortometrajes de Pixar Vol. I

LOS CORTOMETRAJES DE PIXAR VOL. I (PIXAR SHORT FILMS COLLECTION, VOLUME 1, EU, 2007)

Esta edición de "colección" de los cortometrajes de Pixar es un deleite, tiene cortometrajes que ha hecho Pixar desde sus inicios donde estaban en pañales hasta ahora que acompañan a sus largometrajes y sirven para que prueben suerte nuevos directores, todas estos cortometrajes ya los he reseñado en el blog pero no esta de más hablar de la edición en la que se venden que vale el gasto, trece cortometrajes, la mayoría de una calidad exquisita son los que comprenden esta recopilación, todas las criticas se pueden buscar aquí mismo y darse aun más una idea de lo que me parecen, pero algo digno de mención es el documental que contiene donde vemos los inicios, el nacimiento de Pixar.

Desde como iniciaron con el sueño de Lasseter que trabajando en Apple quería hacer arte, cine específicamente y como conformo un equipo de nerds especialistas en computadoras junto a un equipo de cine para entregarnos ese sistema animado por computadora que todas han copiado, sus comienzos dando traspiés con historias sencillas y animaciones básicas, la pelea de Lasseter por querer ofrecer una historia con recursos tan limitados, los enojos de las otras secciones de Apple porque ellos eran los únicos que no hacían dinero y finalmente el despegue con el famoso corto de "Luxo Jr." donde Lasseter comenta al borde de la histeria que una leyenda de la computación se le acercaba, estaba asustado ya que no sabia mucho de programación, simplemente dirigió la historia, pero este le pregunto que si la lámpara grande era el Papa o la Mama, en ese momento Lasseter supo que lo había logrado, si alguien olvidaba su especialidad y solo pensaba en la historia es porque algo había hecho bien, el sueño había comenzado.

Muy buen documental, acompañado del plato principal que son los cortos, "The Adventures of Andre and Wally B" es quizá demasiado básico, "Luxo Jr." es una maravilla, "Red's Dream" es algo raro en el universo Pixar, "Tin Toy" es el prologo/nacimiento de "Toy Story", "Knick Knack" es una delicia al estilo de las viejas animaciones de la Warner, "Geri's Game" es muy buena, "For the Birds" no me acaba de convencer pero es agradable, "Mike's New Car" es muy divertida, "Boundin" es una buena enseñanza, "Jack-Jack Attack" es el acompañamiento perfecto de "The Incredibles", "One Man Band" tiene buena música, "Mater and the Ghostlight" es mejor que la cinta de la que nace y "Lifted" pues no me gusta mucho a decir verdad, pero en general una de las mejores compilaciones que me ha tocado ver.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Muerto al Llegar

MUERTO AL LLEGAR (D.O.A., EU, 1988)

Lo primero que le llega a la mente a uno al comenzar a ver esta cinta es que es un homenaje o un robo/plagio a alguna cinta del cine negro clásico, cuando termine de verla me entero de que es el remake del mismo nombre de 1950 del director Rudolph Maté, por desgracia no he podido ver la original pero la premisa es majestuosa, un hombre llega a una comisaria para denunciar su propio asesinato, todos lo toman como un loco pero el tipo comienza a relatar lo que le ha sucedido a partir de unos días atrás y como llego hasta este punto, después del prometedor inicio la cinta continua de buena manera pero se va perdiendo y supongo que ahí es donde esta la diferencia con la original, pareciera que tienen demasiadas vueltas de tuerca y muchas son demasiado forzadas.

También afecta el hecho de que los directores Annabel Jankel y Rocky Morton no logren una buena dirección, no hay clase en la dirección, la cámara se corta mucho y hay muchos cambios algo que no se puede perdonar en una cinta de este tipo, la fotografía funciona, principalmente en el blanco y negro pero no es suficiente para ocultar lo otro, aun asi el guión a pesar de algunas fallas y momentos de pena ajena (esa parte del pegamento en el brazo) funciona y nos deja un buen sabor de boca, vimos una cinta entretenida y con premisas que ya se olvidaron. En el flashback vemos al pesimista y acabado profesor Dexter Cornell (Dennis Quaid) quien obtuvo fama como escritor pero esta bloqueado, su esposa lo dejo y no hace caso del talento de un estudiante, pero cuando este se suicide en circunstancias extrañas y a él lo envenenen dejándole poco tiempo de vida se da cuenta que esta metido en algo grande y no sabe que es.

De la primera persona que sospecha es de una estudiante que vio por la noche y que supuestamente lo idolatraba, es asi como une a Sydney (joven y guapa Meg Ryan) en su desesperada búsqueda y además la trata con una brutalidad que recuerda a la relación de "39 Escalones", asi el escritor va descubriendo una maraña de mentiras, relaciones incestuosas, secretos por aquí y por alla y verdaderas intenciones mientras su ex es asesinada, mueren sospechosos por doquier y alguien lo persigue para matarlo, al final la cosa se resuelve pero Cornell ya no tiene salvación, esta condenado, buena trama que de pronto se va por otros lados y que al final no regresa con tanta fuerza, la relación amorosa tampoco funciona del todo pero como los protagonistas eran pareja en ese entonces quizás esta metida con calzador, mucho mejor explotada esta en la cinta de Dante, aun asi recomendable.

Calificación: Interesante

Cinecritica: Dias de Pesca

DIAS DE PESCA (IDEM, ARGENTINA, 2012)

Dicen por ahí que esta es la misma historia que siempre cuenta Carlos Sorin, no podría desmentirlo ya que es la primera cinta que veo de él pero tampoco le veo algo de malo, casi todos los directores cuentan la misma historia o sus mismas obsesiones en todas sus cintas, su manera de ver el mundo, por ejemplo ahí esta el maestro Woody Allen que casi siempre cuenta lo mismo y cada vez lo hace de forma esplendida, asi que si volvió a contar la misma historia no importa siempre y cuando logre resultados como los de aquí, en apenas ochenta minutos Sorin nos cuenta una historia de reencuentros, de perdón, de relaciones padres-hijos que la mayoría de las veces son quebradas y lo hace bien, prefiriendo las miradas, el silencio, los gestos, el entorno a los gritos, sobre dialogarse o exagerar, y con este tipo de películas se necesita un actor como el protagonista.

Con esto me refiero al estupendo trabajo de Alejandro Awada como Marco, un ex alcohólico que se dedica a las ventas y que decide pasar unos días de relajación pescando en un pequeño pueblo de la Patagonia, en el viaje conoce a personajes interesantes, un manager prepotente, una boxeadora necesitada, dependientes y empleados amables, tranquilos peruanos y los que lo llevaran a pescar rentándole el equipo, entrenándole y acompañándolo, todos personajes en el mejor sentido de la palabra, pero muy pronto nos daremos cuenta que lo que Marco en realidad busca es reanudar la relación con su hija, apenas llegando la busca, compra un regalo y suponemos tiene todo planeado para vivir una idílica relación, pero las cosas no resultan tan fáciles como pensaba, su hija a cambiado de domicilio y se ve obligado a buscarla, lo que es peor es que cuando la encuentra la cosa funciona pero a medias, pareciera que Ana (Victoria Almeida) le guarda un gran cariño pero un profundo rencor.

Cosa que Marco confirma cuando sin decir agua va lo dejan plantado y le escupen en la cara que no lo quieren volver a ver, después de eso Marco ya no tiene porque vivir y en medio de la pesca se pone muy mal, tanto que lo llevan al hospital donde vera su última oportunidad de ser feliz. Es obvio que Marco se enferma porque su estado de animo es inadecuado, su corazón destrozado afecta su cuerpo y su mente, y cuando lo dan de alta se queda con la esperanza de ver de nuevo a su hija y su pequeñito nieto que sin duda se preocuparan por él, cosa que parece no suceder en un final desalentador que en una nueva vuelta le regresa la vida y el alma al cuerpo a Marco, después de todo su hija lo sigue queriendo, pareciera que tiene una oportunidad, como no intentar pescar otra vez, y si falla lo intentara de nuevo, y de nuevo, una metáfora simbolismo donde la búsqueda de la felicidad de cada persona es algo importante aunque se usen métodos estrafalarios o desviaciones, una historia intimista, sencilla, esplendida, donde los gestos, los silencios, las tomas largas y ver la cara de Awada que esta sencillamente perfecto es lo mejor, puro cine y con secundarios que no son actores pero que igualmente fascinan.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: En Tierra de Nadie

EN TIERRA DE NADIE (NO MAN'S LAND, BOSNIA Y HERZEGOVINA, 2001)

Peliculón debutante de Danis Tanovic que de forma increíblemente inteligente critica y parodia la guerra, la sociedad y los medios de comunicación, y lo que es mejor, lo hace sin tomar partido ni tratar de dar un mensaje o enseñar algo, sin imponernos ningún pensamiento salvo el de la estupidez humana que todos ya sabemos y conocemos de antemano, asi vemos a un grupo de soldados bosnios que son imbécilmente llevados como apoyo a través de la niebla para despertar siendo blanco de los serbobosnios que sin inmutarse los liquidan, pero en medio de la una trinchera en tierra de nadie, en medio de los dos frentes queda el resentido Ciki (Branco Duric, bien) como el único sobreviviente mientras una pareja de reconocimiento va a revisar si quedo alguien con vida, estos ponen una mina antipersona debajo de un cuerpo muerto y Ciki mata a uno de ellos y toma como rehén al otro, el novato Nino (Rene Bitorajac, bien) haciendo que haga lo que quiere, incluso el ridículo y recitándole porque su lado tiene la culpa.

 

Pero las cosas cambian cuando se dan cuenta que el cuerpo que esta sobre la mina sigue vive, el pobre y centrado Cera no puede moverse sin matarse y matar a los otros dos, ocasión que aprovecha Nino para revertir la situación y ver lo mismo pero del otro lado, al final deciden hacer una tregua tensionante y los dos lados deciden pedir ayuda a los cascos azules de la ONU para que salven a los sobrevivientes pero la realidad es que la ONU es la menos interesada en resolver el conflicto y cuando ya están ahí los soldados los obligan a retirarse sin ayudar a nadie, el conflicto moral del sargento Marchand (Georges Siatidis) se ve resuelto cuando una ambiciosa reportera lo intercepta y sabe todo lo ocurrido, cosa que Marchand aprovecha para explicarle el asunto y traer a todos los medios con lo que la ONU se vera obligada a hacer algo.

 

Por supuesto que ellos nunca quedaran mal y aunque no puedan o no quieran salvar a los soldados arman un circo mediático para convencer a los medios y además poner mal a los dos países en conflicto dejándolos peor ante los ojos del mundo, asi que en medio de las peleas de los dos soldados, la malicia de la ONU, la ambición de EU, y el amarillismo de la prensa queda en contexto que la guerra obviamente es una estupidez pero que muchos salen beneficiados con ella, además eso es algo que esta en la mente de todos nosotros pero la critica social es feroz y no deja títere con cabeza ni toma bando, los soldados ni siquiera saben quien empezó, quien tuvo la culpa o porque están en guerra, por ahí se descubren unos lazos fraternales que terminan en drama debido a la terquedad, la ignorancia y el rencor de los humanos, y más aun vemos como la prensa solo quiere dinero, como busca la nota sensacionalista o como manipula las cosas para mostrar lo que les conviene y quieren cuando lo que menos les importa son las personas, ni que decir del armamentismo feroz y la ONU que es tratada como lo que es, la cuna principal de todos los problemas actuales, un lobo hambriento con piel de oveja.

 

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Camelot

CAMELOT (IDEM, EU, 1967)

El director experto en musicales de Broadway Joshua Logan no había dirigido uno en Hollywood hasta este que no fue tan bien recibido, pero anteriormente había entregado cintas muy buenas que no tenían nada que ver con musicales y eso que fue llevado al cine casi a la fuerza debido a una enfermedad del maestro John Ford, aunque esta adaptación del musical Camelot es prácticamente igual a su homónimo en el teatro no funciona tan bien en el cine, supongo que principalmente debido a su larga duración y a que reutiliza algunas canciones que no son precisamente muy buenas, aunque le fue bastante bien en las premiaciones y hasta gano premios por su banda sonora cuando se supone que no podría ya que la música ya estaba hecha para la obra musical, y por otro lado a pesar de lo que dije a mi me gusto pero los musicales son una debilidad personal y por ello señalo la duración, se que no cualquiera aguanta tres horas de un musical que además no tiene bailables ni grandes coreografías.

 

Justamente eso es lo que se extraña, da la sensación de que uno esta viendo una obra de teatro y aunque eso suponga que es muy fiel a su fuente original uno siente que se desperdicia la oportunidad de hacerla más fílmica y dejar de enfocarse en primeros planos, close-ups, o tener a una o dos personas únicamente en escena, la historia todo mundo la conoce, el triangulo amoroso entre el rey Arturo (Richard Harris, bien), la bella Guinevere (joven y bella Vanessa Redgrave) y el perfecto caballero Camelot (Franco Nero irreconocible), al inicio vemos como el Rey Arturo esta en medio de una batalla por su honor que no le trae nada bueno ni a él, ni a sus seres amados, ni a su reino, se lamenta de como comenzó esto y recuerda cuando conocio a Merlin, a Guinevere, como hizo el reino de Camelot que por sus ideales y maneras parece el pueblo más avanzado de la actualidad y como el orgulloso, soberbio y puritano Lancelot llego a entregar su vida por el rey.

Pero aqui lo más importante es la musica, es decir los numeros musicales que son el alma y la forma de la cinta, y aquí es donde la cosa se siente más quebrada que nunca, la presentación de donde estará el rey es un tema débil, mejor el siguiente de Camelot pero quizá se usa en demasia (también se cierra con el), en realidad lo mejor viene de la mano de Lancelot, primero presentándose con la divertida "C'est Moi" donde conocemos la arrogancia del personaje y después con la mejor de toda la cinta "If Ever I Would Leave You" que es una canción de esas que quedan en la mente, junto a ellas hay algunas otras divertidas como en la que se enumeran que hara la prole como dijera la familia Peña Nieto pero la mayoría son inconsistentes o se olvidan en un segundo, algo imperdonable en una cinta musical que además solo tiene una canción de coro "Guinevere", aun asi el reparto y ciertos momentos valen mucho la pena, yo vi la versión original de casi tres horas asi que no se que tanto cambie con la versión recortada de una hora menos.

Calificación: Bien

Cinecritica: Invencible

INVENCIBLE (INVINCIBLE, EU, 2006)

El debut de Ericson Core es de esas películas estilo Disney en las que se usa el éxito inesperado en el deporte para mostrarnos algunos mensajes de crecimiento y superación personal, especialmente estos son preferibles para los niños y en la mayoría de los casos son tan chantajistas y efectivos que hasta desesperan pero tienen cierta magia, en esta ocasión la historia no es precisamente para chamacos y el director tiene una dirección tan artesanal y funcional que ayuda bastante a su visionado, la cinta cuenta la historia de Vince Papale (Mark Wahlberg) una especie de Rocky de la vida real que en los setenta paso de ser un mesero en cierto bar de mala muerte a convertirse en el símbolo de la esperanza de las águilas de Philadelphia por el amor que le tenia al equipo (es un fanatico empedernido) y por las ganas que tenia de trascender.

 

Al parecer las águilas de Philadelphia tienen una racha terriblemente mala y nada parece salvarlos de tener que sufrir vergüenzas temporada tras temporada, la directiva se anima con entrenador novato (Greg Kinnear) al que le ha ido bien en ligas estudiantiles que no comienza bien la temporada pero que se arriesga llamando a cualquiera que quiera ir a probar suerte para ver si puede formar parte del equipo, esto lo hace para levantar el espíritu de los fanáticos pero se encuentra con un diamante en bruto, Papale que fue jugador esudiantil y que todavía mantiene buenos tiempos y calidad, el mesero no cree lograr nada pero es llamado y queda en espera del recorte final donde hasta el entrenador quiere cortarlo, pero que empieza a dudar cuando ve sus espíritu, sus ganas y el amor por la camiseta, algo que las estrellas del equipo no tienen.

 

Al mismo tiempo que lidia con esto trata de llevar una relación con una fanática de los Giants, la mesera Janet (Elizabeth Banks haciendo algo que le queda bien), recuperando la relación con su padre, superando el divorcio con su mujer, y resistir las envidias y problemas de sus compañeros y amigos, al final lo que sucederá es obvio pero esos minutos finales y con ese touchdown inventado uno siente que todo es posible y que la cinta funciona, por lo menos dice su discurso de manera convincente y ver en los créditos al verdadero Papale luchar a sus mas de treinta con toda el alma es de antología, además los extras del DVD son muy interesantes.

 

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Alpha Dog

ALPHA DOG (IDEM, EU, 2006)

Película infravalorada de Nick Cassavetes que de manera fría y documentalista nos muestra el secuestro y asesinato de un joven en los Estados Unidos, una historia nada fuera de lo común de no ser por las circunstancias en las que pasaron las cosas, primero se nos muestra a los personajes que parecen los típicos cliches y en la mayoría de los casos lo son pero que aquí son personas de carne y hueso, esas personas existen y efectivamente son cliches andantes y lo que es peor, son increíblemente estúpidos, Bruce Willis se mofa de un entrevistador porque pudo salvar a su hijo de la justicia y después vemos a todos los actores de la obra, el capo junior (Emile Hirsch), el drogadicto fiestero (Justin Timberlake), el hispano (Fernando Vargas), el "lamebotas" (Shawn Hatosy), los hermanos Markowitz, el drogadicto nazi Ben (Ben Foster, bien) y el pobre diablo adolescente Nick (Anton Yelchin) quien es la persona frente a lo que todo gira.

 

Ben le debe dinero y termina mal con el junior mafioso pero le amenaza conque esto es la guerra y que pagara su atrevimiento, nos damos cuenta que Ben es capaz de hacer trizas al junior y a sus gallitos e idiotas socios/guardaespaldas y el mismo narco lo sabe por lo que cuando ve al medio hermano de este lo secuestra para que Ben le pague lo que le debe, el chico no lo ve mal ya que esta peleado con sus padres y ve la oportunidad como una manera de irse de juerga, beber y fumar mucha mariguana, por desgracia el tratar tan bien al chico y que este no quiera escaparse les resultara contraproducente, con tantos testigos y con un secuestro a espaldas los tipos no saben que hacer y deciden matarlo mientras su hermano los busca como un energúmeno.

 

Lastima que por alguna extraña razón Ben salga de la ecuación y ya no aparezca (supongo que asi fueron los hechos que son enfermizamente seguidos por el director) pero el final donde suben a Nick a la camioneta y a su inevitable destino es una de las mejores escenas que he visto en el año, sabemos como terminara todo pero no queremos creerlo, el ver como el personaje de Timberlake le jura y perjura que no le pasara nada es increíble y ver como Nick se desmorona es formidable, sin duda lo mejor de la cinta, junto a cierta escena en la piscina donde Yelchin se saca la lotería con Amanda Seyfried y una amiga suya, asi como al epilogo donde tenemos el placer culpable de ver como pagan cada uno de los culpables mostrando que en el otro lado la justicia si existe, o por lo menos muchísimo más que aquí. Atención especial al enfermizo modo exacto en que nos es mostrado cada uno de los testigos que son muchísimos y que además en los extras del DVD viene la declaración de cada uno de ellos.

 

Calificación. Bastante Bien

Trailer: El Hobbit: La Desolación de Smaug

Después de la decepción de la primera parte de la trilogía solo queda esperar que por lo menos la segunda parte entretenga y que Peter Jackson no se pierda totalmente:

Cinecritica: Último Turno

ULTIMO TURNO (END OF WATCH, EU, 2012)

Al inicio de la cinta escuchamos la voz en off del entregado policía Brian (Jake Gyllenhaal) mientras se suscita una persecución que es grabada por la cámara de la patrulla y que culmina de manera brillante, después de esta descripción y con el mismo policía informándonos que tiene un proyecto donde debe grabar todo lo que le acontece día a día, incluyendo por lo visto hasta cuando no esta trabajando, la cosa no le parece a su igual de entregado compañero Mike (Michael Peña) pero se llevan tan bien en la clásica rutina de pareja dispareja que lo soporta, de hecho esto es lo mejor de la cinta, la combinación que logran los dos actores que funciona tan bien como la de otras parejas clásicas y con un inteligente sentido más actual y real, lastima que la manera en la que esta grabada sea lo que melle la calidad de la cinta.

 

Era obvio que el estilo documental llegara a todos los géneros habidos y por haber, por el momento el terror/horror es el que ha usado en mayor medida este medio pero se ha popularizado tanto que todos lo usaran y no exactamente por motivos artísticos o estilísticos, aquí David Ayer lo usa pero es obvio que lo hace por motivos económicos y se equivoca ampliamente porque si bien al principio parece funcionar al final resulta casi autoparódico, en primera porque la necedad de Brian de grabar todo es cansina y resulta forzada, en segunda porque Ayer abandona la formula cada vez que necesita o cada vez que se le olvida y asi de pronto vemos como entra en acción la cámara normal y nos quedamos ¿? y lo que es peor, de pronto seguimos con la cámara en mano pero nadie la carga, no es Brian, no esta en ninguna parte, pareciera que un fantasma tomo una cámara y decidió seguir grabando para ayudarle a Brian o para que nosotros no perdamos momentos pero es un error garrafal y una soberana estupidez.

 

Y lo peor de todo es que los actores hacen muy bien su trabajo, el ambiente es buenísimo, y el guión es terriblemente bueno a pesar de que abarque muchos cliches, los policías se enfrentan a los malos todos los días mientras filosofan y de pronto enojan a un narco con contactos en Sinaloa quienes son los que controlan a los grupos de pochos pandilleros de los Angeles, comenzando una guerra de la que obviamente no saldrán bien librados, de aquí violencia, una historia sórdida, compañerismo, balaceras y un final sacado de la manga funcionan solamente quebrados por ese recurso fílmico tan vano, aun asi Ayer lo hace bien, mucho mejor como guionista que como director y logra una cinta interesante de policías en los Angeles con un reparto exquisito donde sobresale Anna Kendrick que como siempre se roba cada escena en la que aparece, interesante cinta que merece un vistazo.

 

Calificación: Interesante

Cinecritica: Little Miss Sunshine

LITTLE MISS SUNSHINE (IDEM, EU, 2006)

Algunos ven en esta película esa dotación de cine independiente que al parecer forzosamente tiene que estar en los oscares, como si fuera la manera en que los amantes del cine independiente o "artístico" voltearan a ver los premios y les dieran valor, y aunque siempre hay alguna asi la verdad es que esta cinta es mucho mas, detrás de esa portada de presunción que le quieren poner esta una bonita road-movie de crecimiento personal y familiar en este caso que nunca toma caminos sencillos y que se niega al final fácil, los directores Jonathan Dayton y Valerie Faris grabaron la cinta sin estorbar en ningún momento y dando lugar a que los personajes tomaran el protagonismo al igual que los diálogos del inteligente guion de Michael Arndt.

 

Primero nos presentan a los personajes, el padre (Greg Kinnear) perdedor que habla de éxito, la madre (Toni Collette) que debe lidiar con las locuras de todos, el abuelo (Alan Arkin) drogadicto, el tio (Steve Carell) deprimido-suicida, el adolescente (Paul Dano) misantrópico finalmente la adorable niña (Abigail Breslin) regordeta que sueña con ganar un concurso de belleza, por azares del destino tienen que llevar a la niña al concurso del titulo donde se toparan con muchísimas situaciones que los llevaran al limite, asi poco a poco iran descubriendo que son perdedores y que nada augura que su suerte cambie, y se van destruyendo y odiando cada vez mas, o por lo menos eso parece pero sabemos que al final descubrirán que en realidad se aman y que este fatídico viaje es lo mejor que les pudo pasar.

 

Y nosotros los acompañamos en cada momento sufriendo y disfrutando lo mismo que ellos, al final cuando lleguen al concurso ya todos tendrán una meta en común y donde se muestran los mensajes de la cinta, claro que es una cinta de crecimiento personal-familiar, por supuesto que es una critica/parodia de esos terribles y horribles concursos de belleza para niñas que hacen perder la inocencia y que se ven enfermizos, pero por sobre todas las cosas es un llamado a no tener ese eslogan que el padre recita a cada segundo al inicio de la cinta, el mundo, todos aman a los exitosos, los perdedores son repudiados, quizá, pero lo importante de la vida no es ganar, es vivirla, es divertirse, es subirnos al escenario sin miedo como la pequeña Olive y mostrarle al mundo que no le tememos y que aunque pierdamos ante gente más talentosa o bonita siempre es importante aceptarnos y amarnos, un consejo cliché por supuesto, pero nunca esta de más y mostrado de esa manera no se puede repudiar, y menos con ese final.

 

Calificación: Bastante Bien

Lo Mejor del Mes: Noviembre 2013

El debut de un famoso personaje de terror, Brad Pitt contra los zombis, la versión original del museo de cera, una extraña reinterpretación, un homenaje zombiesco, una thriller chafita, otra de cortos de terror que no dan miedo, una de culto sobre caníbales, una de Corman, una copia edulcorada de "Invasión of the Body Snatchers" y la magnifica versión original de esta, la llegada de los Adams a la pantalla grande, una adaptación de Stephen King y una popular de casas malditas, otra de adaptaciones del gran Poe, la secuela de "Star Trek", la nueva locura de Danny Boyle, dos impresionantes cuasidocumentales, Cruise en una subvalorada cinta de ciencia ficción, la locura de la guía intergaláctico, la excelsa versión original de Django y un clásico animado como "El Rey Leon", eso fue lo que reseñe en el movidito mes pasado:

 

Lo Mejor..... "Invasión of the Body Snatchers" de Don Siegel, sin lugar a dudas la película paranoica suprema sobre dominación extraterrestre, desde el primer minuto te atrapa en una atmosfera de tensión, desconfianza y miedo que nunca disminuye sino que sigue en incremento hasta que simplemente la trama, el protagonista ni nosotros podemos mas.

 

Mención Honorifica..... "Django" de Sergio Corbucci, este es un western de verdad a diferencia de la simplona versión actualizada, aquí dejando es un cinico maton que arrastra un ataúd a cuestas mientras llega a un pueblo donde hara que los dos bandos paguen a perpetuidad no sin antes sufrir por su atrevimiento, ¡y esa banda sonora!

 

Segunda Mención Honorifica..... "The Lion King" de Rob Minkoff y Roger Allers, película que quito de mi mente que las cintas de Disney eran solo para niños, una historia shakesperiana con familiar villano en ristre, simbolismos raciales y hasta un robo a un anime/manga del maestro Tezuka ¿se puede pedir más desmadre y además bien hecho?

Cinecritica: La Invasión de los Usurpadores de Cuerpos

LA INVASIÓN DE LOS USURPADORES DE CUERPOS (INVASION OF THE BODY SNATCHERS, EU, 1956)

Obra maestra de Don Siegel, joya del genero de ciencia ficción que no solo es la mejor versión del libro sino que además ha sido copiada hasta la saciedad, el simbolismo de la cinta es impresionante y aunque uno sabe que es debido al anticomunismo que impregnaba Estados Unidos solo que esta vez esta tan bien tratado que uno sigue sintiendo el miedo, y por supuesto el hecho de que Don Siegel logro una atmosfera tan pesada y claustrofóbica hacen que siga siendo actual, además en esta época de paranoia por aquí y por alla su poderosa premisa es más valida que nunca en estos tiempos en que todos temen por causa de los ataques terroristas y los extremistas que aparecen por aquí y por alla, justo en estos tiempos en que nadie confía en nadie y donde el enemigo esta en el vecino, en el mejor amigo, en la familia o en la pareja es donde funciona mejor la premisa del titulo, y no solo es que pensemos que nos quieran matar o que tengan ideas revolucionarias o diferentes, el puro hecho de querer afectarnos con tantas herramientas actuales hacen que nuestra existencia actual sea total y absoluta paranoia.

Por supuesto en los cincuenta con la cacería de brujas y el anticomunismo que existía en los Estados Unidos y en general en todo el planeta la película representa los miedos con los que vivían las personas, y más aun al constatar que el peligro podría venir de adentro, claro que también pudiera representar lo contrario, una mofa al exagero temor de la sociedad, cualquiera de ellas no es algo raro en la ciencia ficción de la época pero quizá nadie lo hizo mejor y tan pronto. El Dr. Miles J. Bennell (Kevin McCarthy, perfecto) regresa al pueblo de Santa Mira, California después de asistir a un simposio para enterarse de que muchas personas lo buscaban desesperadamente, extrañamente nadie le da importancia a que lo buscaban y que todo fue resuelto, además algunos lugareños se comportan de manera extraña, insisten en que sus familiares y/o amigos no son ellos sino que han sido remplazados, cosa que Miles no puede creer, los ha visto, ha conversado con ellos y son lo más normal que podrían ser, pero tantos eventos lo ponen en alerta, intentando dejar eso de lado para reconquistar a su antiguo amor Becky (Dana Wynter) Miles se topa cada vez con más pruebas hasta que unos amigos interrumpen una cita para mostrarle un extraño cuerpo que en lugar de un muerto parece una versión borrador del anfitrión de la casa.

 El cuerpo se levanta, Miles encuentra otro igual a Becky en casa de ella, Becky esta convencida del cambio de su padre, los extraños cambios de la noche a la mañana de las personas que sospechaban, todo hace que Miles se convenza y más cuando unas extrañas vainas rebelen su lúgubre contenido, de aquí en adelante Miles intentara escapar junto a la bella Becky mientras son buscados y perseguidos por todo el pueblo y sin poder dormir ya que las extrañas vainas alienígenas se apoderan de ellos cuando duermen, Miles descubre sus planes y se enfrenta a ellos para llegar a un desenlace pesadillesco del que es mejor no decir nada, un clímax y final memorable para una cinta también memorable. De lo mejor de la ciencia ficción, de los cincuenta y de su talentoso director que usa todos los recursos cinematográficos a su alcance y entrega una cinta tan entretenida como tensionante y emocionante, impecable la manera en que va construyendo el relato, nos llena de angustia, de tensión, de miedo, de una sensación de claustrofobia y soledad pocas veces vista, con un ritmo impresionante y uno de los mejores héroes protagonistas que me ha tocado ver, la fotografía y la banda sonora están a la altura, y además tiene una clase que no es normal encontrar en el genero, y un romance de esos clásicos que tanto me gustan y que le da todavía más valía a la cinta, a mi entender imprescindible para conocer los derroteros del genero y el nacimiento de un subgénero cinematográfico explotado hasta la saciedad, una de esas joyas paranoicas que como "The Thing" del maestro Carpenter parecen cada vez más actuales y por ello más angustiosas.

 Calificación: Excelente

Cinecritica: El Rey León

EL REY LEÓN (THE LION KING, EU, 1994)

El sol sale en el horizonte y comienza a sonar "Circle of Life" de Hans Zimmer en su banda sonora ganadora del oscar mientras la vida animada nos es presentada con la poderosa letra de Elton John y Tim Rice y que nos dice de manera inmediata de que trata la cinta, el poderoso e inacabable circulo de la vida donde todo se repite pero siempre de manera diferente pero igualmente hermosa, en ella vemos el majestuoso manejo de cinematografía por parte de los directores Roger Allers y Rob Minkoff que aquí entregarían su obra mayor, enmarcada por un ambiente colorido y realista que siempre juega con los simbolismos y que le da un preciosismo a los fotogramas que nos quedan grabados en memoria y pupila con esa historia shakesperiana que nunca deja de ser actual, aquí los bellos colores, los expresivos animales, los fluidos movimientos, los pulcros encuadres, y esa magnifica banda sonora retumban en tanto el mono cura/brujo/chaman Rafiki (voz de Robert Guillaume) levanta a Simba para presentarlo ante los súbditos pero también ante la naturaleza e incluso ¿Dios? con esa luz que llega de los cielos para aceptarlo y hacerlo mas visible a los demas.

Todo esto desde antes de que nos sea presentado el titulo de la película, pero desde entonces sabemos que estamos ante algo grande y portentoso, de aquí se nos presenta de manera precisa al villano, el pedante pero simpático Scar (fabuloso Jeremy Irons) que parece ser débil pero es inmensamente cerebral al tiempo que es burlón y sardónico, una maravilla de villano que poco a poco nos muestra que tiene muchas mas capaz de las que suponíamos, por el otro lado el mimado juniorsillo Simba (Jonathan Taylor Thomas) aprende de su sabio padre Mufasa (la potente voz de James Earl Jones) que ser rey no es solo hacer lo que quieres sino mantener el equilibrio y reinar con sabiduría y humildad, algo que Simba aprenderá a la mala cuando sea engañado para cruzar los limites del reino y enfrentarse a las mortales y desternillantes hienas Shenzi (Whoopi Golberg), Banzai (Cheech Marin) y Ed (Jim Cummings) que no entienden de equilibrio y se comportan como parásitos.

Esto es aprovechado por Scar que planea un cruel plan que lo lleva al reinado y la destrucción de Simba no solo en cuestión física sino espiritual y mentalmente, lo que lo lleva a huir y ser rescatado por Timon (Nathan Lane) y Pumbaa (Ernie Sabella), unos hippies que viven al margen de la sociedad y que le enseñan a no preocuparse con la iconica canción "Hakuna Matata", para finalmente ser encontrado por casualidad por Nala (voz de Moira Kelly) quien no entiende su renuncia a enfrentar su destino y el mismo Rafiki que gracias al aroma lo encuentra y le ayuda a encontrarse a si mismo con una epifanía personal en forma del espíritu de su padre y sabias palabras que lo empujan a enfrentarse a su presente confrontando su pasado. Esta versión de Hamlet en clave animada con animales funciona perfectamente, el hacerlo un musical es maravilloso porque los números no solo estan ahi para ser pegajosos o verse bien ya que son clave en el filme, y esos homenajes/guiños/robos a "Kimba el León Blanco" del dios del manga Ozamu Tezuka funcionan por mas que uno sepa de donde vienen.

En pocas palabras estamos ante una de las mejores cintas animadas de la casa Disney, una maravilla que en su tiempo dejo quijadas abiertas con el uso de su animación, estética y movimiento, que nos deja una historia fuerte que habla sobre la familia, la traición, la muerte, el sexo, la complejidad de la paternidad, la culpa, y por supuesto el equilibrio del ciclo de la vida, algo muy valioso ya que la cinta aunque es para pequeños nos entrega estos mensajes de vida, los niños no son tontos y desde temprana edad perciben estos temas así que ¿que mejor que dárselos en un drama doloroso y donde vemos una madurez difícil? Desde el uso de colores, los movimientos y ese ritmo perfecto que siempre nos tiene al filo de la butaca, el Rey León es un clásico inmortal, la mejor cinta animada de Disney de los noventa, lo que no es poca cosa ya que no ha alcanzado esa calidad en décadas recientes, si a esto le sumamos un elenco de voces extraordinario y la facilidad de usar clichés cuando todavía se podía tenemos una historia que entendemos rápidamente y que por ello podemos perdernos con mas facilidad en ella.

Llegando a esto tenemos los simbolismos, que en esta cinta estan a mansalva, tanto el bautizo ya escrito como muchos mas, la revelación en las nubes de Mufasa a Simba que no es otra cosa que su epifanía personal, el enamoramiento de Simba y Nala con la hermosa "Can You Feel the Love Tonight", y las demas canciones, desde la majestuosa "Circle of Life" que engloba el mensaje de la cinta, la juguetona "I Just  Can't Wait to Be King" donde vemos el defecto de Simba, en esta el mundo cambia a su modo de ver, un mundo inmaduro donde todo puede pasar y hasta los colores se ven diferentes, en este mas que un rey él es una estrella, algo parecido a "Be Prepared" donde vemos como el carácter de Scar es retratado perfectamente, un tirano vil y egocéntrico que se ve a si mismo como un elegido, algo que se nota en esa canción con coros de las hienas y el mismo dando a conocer su plan para despues perderse en un compendio de flores vanagloriándose de si mismo, es decir su punto débil, y por supuesto todo esto mostrado con la perdida de físicas, despues de todo el mismo Scar esta perdiendo el piso, ¿que mejor que hacerlo ver literalmente? y bueno, ese momento nazi es genial, hablando de las hienas otro simbolismo ahi, una es negra, la otra latina y finalmente un tipo con problemas mentales, me refiero a los acentos y estereotipos, diciendo que los enemigos del reino son los extranjeros que viven en las afueras del reino, esos negros, latinos e indeseables que no se llenan con nada y que no entienden el ciclo de la vida, una idea dolorosa pero que viendo la situacion en México y estando pegados a EU no queda mas que darles la razón, también los cambios de los temas dando mas fuerza y cambiándolos de acuerdo a la situacion, la evolución del tema de Simba, detalles que solo enriquecen una cinta que es una maravilla y que vive en los anales del cine 

Calificación: Excelente