Cinecritica: Dunkerque

DUNKERQUE (DUNKIRK, GB - FRANCIA - HOLANDA, 2017)

Unos soldados británicos estan en Francia queriendo sobrevivir, comiendo lo que encuentran en las casas abandonadas pero siempre en la mira de los alemanes que los han empujado a las playas del titulo donde mas de trescientos mil soldados estan esperando una salvación mientras son mas acorralados y los franceses se han convertido en la ultima muralla ante su inminente muerte, de pronto son atacados y huyen por su vida, solo sobrevive el joven Tommy (Fionn Whitehead) que llega a la playa para encontrarse con un soldado (Aneurin Barnard) de poquísimas palabras y junto a el intentar sobrevivir a como de lugar. Desde el inicio el director Christopher Nolan nos deja claro su visión, aquí no hay un grupo de héroes, todos pueden caer o morir en cualquier momento ya que la muerte no sabe de momentos, de heroísmos, de justicia, es sorpresiva e imparcial, es decir Nolan ha construido su relato a partir de la ambigüedad de la guerra pero siempre apelando a un momento doloroso pero patriótico de su historia, donde se preocupa mas por mostrarnos las miserias y virtudes de los seres humanos que por llevar una trama intrincada.

Ademas Nolan es lo suficientemente virtuoso para siempre tenernos interesados o mejor dicho totalmente emocionados, contando la historia en tres lineas temporales que se superponen, sucediendo al mismo tiempo pero abarcando diferentes espectros de tiempo, y lo mejor, que al final resultan converger en un clímax ¿o quizá varios? genuinamente emocionantes, por un lado los mencionados soldados rasos que hacen hasta lo indecible para sobrevivir en el lapso de una semana, la lucha de un día de un padre (Mark Rylance, impecable) y su hijo (Tom Glyn-Carney) por tratar de salvar a la mayor cantidad de soldados varados y la batalla de una hora que viven tres aviadores en apoyo de las tropas y los barcos que han zarpado por parte de los civiles con la misión de ir por los soldados apostados en Dunkerque como lo señala la historia.

No hay nadie que no halague los logros técnicos de la cinta, las tomas que nos recuerdan esas majestuosas cintas heroicas de antaño, la hermosa fotografia, la banda sonora del habitual de Nolan, Hans Zimmer, que nos emociona y logra que siempre estemos expectantes, logrando una perfecta amalgama con lo que vemos en pantalla casi como si la partitura se hubiera hecho antes y el montaje a favor de esta, el sonido que te envuelve de tal manera que uno termina pensando que esta ahi, a un lado de los protagonistas. Por otro lado el mencionado montaje de las historias es un logro mas, una fenomenal manera de entrelazar todo ya que a pesar de que son diferentes miradas se cuenta la misma historia en general, y es que es innegable que es un logro contarlo asi, suceden en diferente tiempo pero los espectadores comenzamos a verlos de la misma manera, siempre tenemos las tres historias en pantalla (incluso algunas mas que nacen de ellas), casi con el mismo tiempo y superponiendose en pantalla por lo que armamos un rompecabezas que cuando esta terminado funciona y nos maravilla con todo y que lo esperamos.

Sumado a lo técnico y al juego de tiempos de Nolan con esa edición bestial de Lee Smith tenemos quizá lo mas interesante y que para extrañeza mía sea lo mas criticado por el respetable, la historia, porque lo técnico se queda ahí, amplia el valor, el juego de montaje, las hermosas tomas elevan la cinta, pero la historia es el alma de la misma y en lo personal me parece muy valiosa, por un lado los mencionados chicos al que se suma un tercero (Harry Styles tan detestable como en la vida real) y que intentan sobrevivir a como de lugar, ya sea metiéndose en un barco de heridos, colándose en uno mas, esperando que suba la marea en otro mas abandonado pero siempre volviendo a la playa como una pesadilla que se repite sin final. El barco civil que un dolido padre no le da a la marina porque desea hacer algo junto a su hijo y a un chico gris (Barry Keoghan) al que la muerte le aparece sin razón y finalmente los tres aviadores que intentan hacer lo que pueden por mas que parezca que solo les quede caer uno a uno.

Y es que lo interesante aquí es como Nolan aprovecha para hacer un muestrario de la naturaleza humana, a el no le interesa mostrar una historia heroica, o patriótica (aunque tampoco renuncia a ello) sino como los humanos nos comportamos ante la guerra, y por ello hay de todo, desde los chicos que intentan salvarse haciendo las cosas mas mezquinas y que no dudan en mandar a morir a alguien si significa la salvación para ellos, el padre dolido que no se detendrá ante su deber por mas que un traumado soldado (Cillian Murphy) haga hasta lo imposible por detenerle, el piloto hawksiano (Tom Hardy, bien) que hace su trabajo profesionalmente y justo por ello salva mas vidas que nadie, y el comandante Bolton (Kenneth Branagh) que heroicamente soporta lo que le manden, sea la falta de apoyo, los ataques de los nazis, la espalda de Churchill y al final no deja atras a los aliados olvidados por el Reino Unido, sumemosle al impecable reparto coral a Jack Lowden y James D'Arcy y algunos momentos que van desde el asco (mandar a morir al franchute) a la admiración (ese piloto volando sin medidor de combustible), quiza solo ensucia un poco ese discurso final pero es entendible, los ingleses solo pueden tomar como victoria la supervivencia ya que salieron corriendo con la cola entre las patas ante los invencibles alemanes, a los que nunca vemos el rostro ni se muestran como villanos, otro acierto del director ya que la maldad esta en todos lados al igual que la bondad, y si se preguntan si esta vez no hay personajes obsesionados, al contrario, todos tienen su propia meta obsesión, un rasgo típico del virtuoso Nolan.

Calificación: Excelente

Cinecritica: Confessions

CONFESSIONS (KOKUHAKU, JAPÓN, 2010)

Una maestra esta hablando tranquilamente mientras todos sus alumnos hacen algarabía; se pasan notas, se gritan hacen bromas. De pronto suelta que es su ultimo día como su maestra, que se retira y ya no la verán, entonces los chicos prestan atención, unos celebran, otros no estan de acuerdo con la decisión, pero apenas les da tiempo de reaccionar cuando la maestra Yuko Moriguchi (Takako Matsu) les suelta todos saben que es madre soltera y que su hija murió hace poco en un accidente, ademas la pequeña era de un talentoso maestro que sufría sida y que murió, la persona que ella amaba, un maestro que admiraba y que termino teniendo una relación con el, ahora su hija, lo unico que quedada de su amado había muerto, la pequeña había librado el sida que tenia su amado y que termino con su vida pero no esquivo el destino que se la llevo en un accidente.

Pero no fue un accidente les suelta de pronto, fue un asesinato causado por dos alumnos, a uno le llama sujeto "A" y al otro sujeto "B" mientras cuenta como sucedió todo, como un invento causo la muerte y como se intento pasar por accidente, a ella se le hizo raro pero no necesito mucho ya que el culpable fue y se confeso con ella, pero no con arrepentimiento sino con sorna, y como sabe que las autoridades no harían nada debido a la edad decidió tomar justicia por mano propia, infecto las leches que estan tomando los culpables con sida de la misma sangre de su ex marido, justicia poética, pero esta increíble escena con toda la mala leche, las vueltas de tuerca, la incorrección política y el estilizamiento de la puesta en escena es solo el inicio de este tour de force que nos tiene reservado el director Tetsuya Nakashima basado en la novela de Honya Taisho.

Lo que acabamos de ver es la obscura confesión de la maestra, y si algunos pueden enojarse de forma inmediata al decir que el sida no se transmite asi pues eso queda claro con la siguiente parte de la cinta, donde el pequeño genio Shuya (Yukito Nishii) sale corriendo no por temor sino por las carcajadas que le causa su ridicula venganza, no es lo mismo con el tímido Naoki (Kaoru Fujiwara) quien cree que se enfermo, pero lo que no entienden ambos es que la venganza de Yuko apenas va comenzando, a pesar de todo los chicos sufren abuso y burlas de sus compañeros, y asi pasan el dia a dia en la escuela, Shuya soportando y Naoki encerrado en su casa, los dos representan maternidades erróneas, por un lado la madre de Shuya que odio embarazarse y tenerlo, no lo atendía y parecía odiarlo hasta que lo abandono y lo olvido y por el otro la madre de Naoki que lo sobreprotege y le hace daño al hacerlo dependiente e inocente al mundo exterior.

Las confesiones de Shuya nos explica todo de el, al igual que la de Naoki, con un optimista maestro intentando salvarlo, y despues viene el turno de confesarse de Mizuki Kitahara (Ai Hashimoto), la linda adolescente líder del grupo que no entra en el juego del bullying y que extraña a la maestra, ella intenta curar los corazones de todo, por supuesto hasta que llegamos al final donde todo converge y nos damos cuenta de que no todo es lo que parece, todas las personas terminan siendo villanos y mereciendo un castigo, los buenos resultan ser malos con piel de oveja, los estúpidos irascibles y los malos mas malos de lo que pareciera en un inicio, y todo esto en una muestra con simbolismos, colores grises y azulados donde los colores sobresalen, donde una pompa de jabón simboliza una perdida, donde se da la mano con amor ante la violencia, es cierto que quizá el director abusa un poco de la cámara lenta pero logra imágenes hermosas que ademas tienen que ver con lo que sucede en pantalla, sumado a una banda sonora hermosa y muy adecuada a la que se suma un soundtrack liderado por radiohead.

Ademas fiel a ese pensamiento oriental la cinta nos muestra los problemas de la sociedad, de las personas y el lado obscuro del ser humano, una madre que quiere venganza a como de lugar y lo hace de forma pensada, fría y paciente, regalándonos un final de antología que nos deja la piel chinita. El director se arriesga en su estilo, quizá pesado pero arriesgado y que ademas funciona en mi humilde opinión, en tanto que el guion es una historia con un mensaje muy adecuado aunque políticamente incorrecto, es decir los crímenes que realizan los menores de edad y que nunca son castigados, los chicos lo saben y se aprovechan de ello, y ante esto nos dicen que tomemos la justicia por mano propia, destrozando la mente en el proceso porque a final de cuentas ¿no es obligación de un maestro reprender a un estudiante para apartarlo del mal camino?

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Wind River

WIND RIVER (IDEM, EU, 2017)

En medio de la fría noche de Wyoming vemos a una joven desesperada correr descalza mientras parece escapar de algo, de pronto cae, comienza a vomitar sangre y cae muerta, la mañana siguiente el agente de pesca y vida silvestre Cory Lambert (Jeremy Renner, bastante bien) encuentra el cuerpo, que no es otro que el de la joven indigena Natalie Hanson (Kelsey Chow), una chica a quien conoce al igual que a su padre a quien le tiene que dar la noticia, en este lugar alejado de la mano de Dios, en la reserva india "Wind River" que le da nombre a la cinta envían a una novata a resolver el crimen, en este lugar inclemente donde todo mundo viste ropa térmica y hay ventisca un minuto si y el otro también la joven Jane Banner (ascendente Elizabeth Olsen) se siente extraña y perdida, usando ropa de "ciudad" y con nulo conocimiento, casi pareciera que el gobierno simplemente decide no perder tiempo en ese caso y cumple por mero tramite, pero ella no quiere dejarlo asi y pide la ayuda de Cory quien conoce el lugar y como afecta a las pruebas, al igual que como se comporta alguien en ese inhóspito lugar.

Es asi que este thriller de investigación va mostrando sus cartas, el novio blanco, el hermano drogadicto, la chica que se perdía días con el novio en el campamento de este, la libertad y confianza que ellos le daban, el raro lugar donde murió, todo esto hace que vayan avanzando en la investigación y que Jane las diferencias culturales que tienen con las reservas indias, asi como también el tortuoso pasado de Cory que causo que su mujer lo abandonara y el hecho de que sea tan huraño, es obvio que para Cory es una especie de catarsis y al mismo tiempo le ayuda a un amigo a quien le prometió justicia que ahi es lo mismo que venganza. El director y guionista Taylor Sheridan nos regala una buena historia donde hace un discurso sin ser discursiva, ademas de mostrar ser un director competente y que aprovecha de gran manera el ambiente para mostrar la desolación y soledad que nos puede dar la naturaleza.

Y que aprovecha a dos actores con gran talento que le pueden dar una gran cantidad de matices, por un lado Renner que casi sin diálogos sabe mostrar de manera correcta todo lo que pasa por la mente de su personaje, un tipo en busca de redención que no duda cuando le tiene que dar una lección poética a cierto bastardo que camina por la nieve hasta que sus pulmones explotan, en tanto Olsen le da muchos matices y hasta crecimiento a un personaje que en si mismo solo es una joven ganando experiencia, quizá un poco mas de pericia en la dirección habrían logrado que fuera mas redonda pero con ese ambiente no se puede pedir mas, ademas ese clímax de balazos con francotirador y flashback nos pone los pelos de punta y por supuesto ese final sin piedad, perfecto para esta epoca trumpista dejando de lado la corrección por lo menos un momento, y aun asi con un mensaje muy valido.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: La Estafa de los Logan

LA ESTAFA DE LOS LOGAN (LOGAN LUCKY, EU, 2017)

Steven Soderbergh regresa del retiro para ofrecernos una cinta divertida, entretenida y sin pretensiones que quizá justamente por ello resulta muy disfrutable, pero no nos vayamos con la cinta el director de ascendencia sueca hace una película compleja e inteligente que nos respeta y deja que pensemos para disfrutar a cabalidad, ademas de que es una versión mejorada de su trilogía de Danny Ocean, digamos que es la versión que el siempre hubiera querido entregar, una mas realista, mas divertida, mas ágil, mas inteligente y sobretodo mas humana porque aquí no tenemos a unos maleantes expertos en traje sino que se acerca al norteamericano promedio, a ese de la américa profunda que se niega a mostrar el mismo cine norteamericano, y ademas Soderbergh los muestra con defectos y virtudes, si se burla de su folclore, de sus costumbres, hasta de sus ignorancia pero al mismo tiempo homenajea todo esto, y lo bueno que pueden tener, su amor por el país, el patriotismo, la unión de las familias, la lucha por ser parte de la educación de los hijos, el director ve con cariño a estos seres que no se dan por vencidos y que intentan ser vistos como menos cuando son iguales solo que diferentes.

Y es aquí donde la cinta también se eleva sobre las otras de estafas del director, en plena epoca de Trump alguien mas se anima a mostrar la América real, ese ciudadano desesperado que no tiene dinero, que es despedido de su empleo por cuestiones administrativas, que dio todo en la guerra para que le paguen por repudio, que es acorralado por las grandes corporaciones y el gobierno hasta que este dice basta y se levanta, bendita era de Trump que nos muestra personajes de verdad y pensamientos reales en lugar de la maldita corrección política hartante de Obama, y Soderbergh esta muy agusto con esto, se toma su tiempo para presentarnos a los personajes, confía en que no nos desesperemos si no vemos carreras o balazos en los primeros cinco minutos, les muestra cariño a sus personajes, pero tampoco los traiciona haciendo chantajes, evade las caricaturas, nos los muestra como son y por ello conectamos hasta con los secundarios ya que todos tienen su grado de humanidad, deseos, virtudes y defectos propios.

Jimmy Logan (Channing Tatum, muy bien) es un obrero que hace lo posible por ver a su hija (la niña de comercial Farrah Mackenzie) aunque su esposa (Katie Holmes) lo vea como un perdedor, el tipo cojea y esto es suficiente para que la empresa de construcción lo eche, Jimmy no queda conforme y le dice a su hermano Clyde (Adam Driver, bien) que ha planeado un robo en el lugar donde trabajaba, debajo de las carreras de nascar, a la estafa suman a su hermana Mellie (la preciosa Riley Keough luciendose) y el experto en explosivos Joe Bang (Daniel Craig divirtiéndose como enano), también los hermano lelos de este (Brian Gleeson y Jack Quaid) ayudan y le ponen la comedia mas simple y blanca, conocemos el plan, vemos la planeacion, presenciamos los problemas y el dia de la estafa nos divertimos con las vueltas y sorpresas hasta que llegue un casi desesperante final por lo desesperanzador del asunto, con todo y una obsesiva agente (Hillary Swank) buscando los culpables por mas de que no pareciera haber delito, por fortuna Soderbergh comprende perfectamente de que va la cinta, de redimir a la clase trabajadora norteamericana, de demostrar que no son completamente tontos, que hasta los mas imbéciles pueden ser organizados y tener buenas ideas, y que se puede dejar atrás la malaria que persigue a una familia, quizá el simbolismo de la misma mala suerte que persigue a EU en la actualidad, buena cinta, cine en estado puro con un autor inteligente que se mueve en los blockbusters sin perder su sello y con un reparto magnifico que se entrega a este juego heist de comedia negra y sátira con sorpresas en todo momento donde nos reímos de la vida norteamericana al mismo tiempo que le tomamos cariño.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Your Name (Kimi No Na Wa)

YOUR NAME (KIMI NO NA WA, JAPON, 2016)

Mitsuha Miyazumi (voz de Mone Kamishiraishi) despierta extrañada por la mañana ya que su pequeña hermana Yotsuha y su abuela le dicen que por fin se esta comportando de manera normal, ademas Mitsuha no recuerda nada del día anterior, sus mismos amigos le comentan que parecía otra persona, el día siguiente en realidad Mitsuha parece ser otra persona y eso es porque en realidad lo es, en tanto la verdadera Mitsuha despierta en Tokio en el cuerpo de un chico llamado Taki Tachibana (voz de Ryunosuke Kamiki), el chico va a la escuela y trabaja de mesero mientras sus amigos le dicen que se comporta de forma extraña, resulta entonces que Taki es el que esta en el cuerpo de Mitsuha, no hay explicación de porque cambian de lugar al dormir pero ahora que lo saben pueden ayudarse dándose instrucciones para no causar problemas, y mas importante para ayudarse en sus vida.

Asi Taki en el cuerpo de Mitsuha batea a todos los pretendientes, mejora en los deportes, y logra una buena relación con su abuela, en tanto Mitsuha como Taki comienza a conquistar a cierta compañera de trabajo bastante guapa, he aquí que el director Makoto Shinkai nos entrega una comedia romántica de cambio de cuerpos al mas puro estilo de occidente, con todas las complicaciones que eso conlleva, con todo y desternillantes gags donde los vemos atacarse, reclamarse, rayarse la cara para dejar las cosas claras, burlarse por mensajes de celular o lo mejor, ver a un somnoliento Taki tocarse los pechos (los de Mitsuha) cada vez que despierta, hasta que ocurra lo inevitable y que todos comencemos de antemano, la pareja por mas que pelee y se enojen terminaran queriéndose de una u otra manera, es decir el hilo rojo del destino.

Por ello cuando Mitsuha le consiga cita con la chica de sueños de Taki sufrirá tanto al descubrir los sentimientos, y lo ira a buscar a Tokio, el lugar que la chica anhela por estar aburrida de su idílico y tranquilo pueblito japones, hasta aquí todo han sido risas y mucha comedia con ese agregado ya visto de la paradoja del cambio de cuerpos, pero cuando Mitsuha lo encuentra y este no la conoce al mismo tiempo que este se da cuenta de sus sentimientos en la cita mencionada algo no cuadra, muy pronto sabremos que, apenas estamos viendo a la chica sufrir en silencio y hasta cortándose el pelo cuando unos meteoritos van cayendo sobre el pueblo, Taki a sabiendas de sus sentimientos la busca, intenta comunicarse, espera el cambio de cuerpos, pero nada sucede, por lo que decide ir a buscarla pero se encontrara con algo que lo deja abrumado.

Y es que no solo la distancia los separa, también el tiempo y hasta la muerte ya que averiguamos junto a Taki que ese pueblo ya no existe debido a una lluvia de meteoritos, es aquí que la cinta da un giro, de comedia romántica con cambio de cuerpo a drama existencialista con paradoja espacio-tiempo rompecocos, y todo funciona de manera perfecta, el amor de ambos personajes se va haciendo mas y mas grande, el sacrificio que hacen, las diversas paradojas, y terminamos genuinamente emocionados frente a un desenlace climático que ya desearían la mayoria de las cintas occidentales, y no solo es eso, los personajes secundarios cobran importancia, las situaciones tienen sentido, se cierran arcos y se concluyen relaciones, existe crecimiento de muchos personajes, y todo esto con un dibujo esplendido y de gran calidad, con un diseño funcional y bello, los colores, el ritmo, los trazos, todo es de gran calidad y demuestran que Shinkai es un gran director ya que supo pasar su manga a un estilo cinematográfico con gran inteligencia, sin que se sienta como una calca y con una comprensión envidiable del ritmo, los encuadres y las tomas.

Ademas le suma una banda sonora maravillosa que eleva la cinta de forma emotiva cuando debe hacerlo, antes apunte que la cinta da un giro dejando la comedia paradójica espacio-tiempo para convertirse en un drama paradójico espacio-tiempo mas complicado, pero esto no es del todo real, la cinta en todo momento sigue siendo la comedia del inicio, solo va sumando tonos y cambiando entre ellos, y todo ello con una facilidad apabullante, sin notarse siquiera, todo se mueve de forma natural y creíble incluso en escenas tan hermosas como rompedoras en esa platica dimensional en la cima del cráter. Es por ello que cuando todo sucede lo creemos, Shinkai nos ha ganado la partida y reímos, lloramos y sufrimos con los personajes, por ello mismo hasta el final alargado funciona ya que no se puede desear con mas fuerzas que terminen juntos a pesar de todo y casi gritamos a la pantalla queriendo romper las paradojas en esa bellisima escena lograda por el director.

Calificación: Notable

Cinecritica: Baby: Aprendiz del Crimen

BABY: APRENDIZ DEL CRIMEN (BABY DRIVER, REINO UNIDO-EU, 2017)

De nueva cuenta solo ante el peligro, uno de mis directores favoritos de la actualidad es Edgar Wright, la trilogía cornetto, Scott Pilgrim, y esta ha sido su película mas popular, la mas querida y aclamada, o por lo menos eso parece y a mi en lo personal me parece la cinta menos lograda del director, tanto como para decir que es un paso atrás en su carrera, y espero que el éxito no lo cegué y se de cuenta que el camino correcto no es porahí, habiendo dicho esto parecería que la cinta no me gusto, nada mas alejado de la realidad, me gusto y la disfrute, las virtudes de Wright estan en la cinta, ese estilo visual unico donde cada fotograma esta cuidado y se juega con ellos, el humor negro, hilarante e incorrecto, los personajes ridículos e exagerados, una banda sonora de antología, el uso perfecto del sonido y la música con la imagen, y un montaje endiabladamente correcto, el problema es que la historia se traiciona en algunos momentos clave, en especial dos personajes que cambian nomas porque si y tiran todo lo logrado por la borda.

Ademas por mas bien que estén grabadas las escenas estan comienzan a ser repetitivas, lo cual no seria un problema de no ser por otro gran problema de la cinta, su protagonista, en su afán de tener a alguien que fuera musical Wright se equivoco, algo raro tomando en cuenta sus repartos siempre son perfectos y que los que acompañan aquí también son magníficos, y es que los cameos musicales estan bien porque no cargan peso en la cinta pero su Baby (Ansel Elgort con el carisma y el talento de una piedra) tira todo por la borda, necesitaba un actor magistral para tener un personaje que casi no tiene lineas y que todo debe mostrarlo con sus gestos y movimientos corporales, pero este tipo es hasta pedante, de no ser porque tiene excelente gusto musical fuera insoportable, y no solo hablo del actor, el director no supo como construir un personaje carismático que nos interese, creyó que viéndose cool y con buenos gustos nos ganaría y no es tan sencillo, por lo menos eso ya no funciona cuando se tiene mas de quince años.

Por otro lado la dirección es tan exquisita como se podría esperar, esa primera persecución es perfecta, de lo mejor que he visto últimamente, se siente real, esta bien filmada, casi sin trucos digitales, igualmente ver a Baby dejarse llevar por la música es un deleite, o ese plano secuencia siguiendo al personaje con todo y juegos de imágenes en todo momento, y lo mencionado, un reparto de lujo, Kevin Spacey que siempre que sale de villano es memorable, lo odias y lo amas, Jamie Foxx se burla de si mismo como bufón negro de la calle en su mejor actuación desde hace años, Lily James como Debora el interés romántico esta muy bien, siempre lo esta, aunque la relación romántica se siente forzada pero no es culpa de ella, Jon Hamm como Buddy, el maleante buena onda que cambio de vida es de lo mejor del filme, igualmente Eiza Gonzalez como Darling lo hizo mejor de lo que pensaba, y el largo cameo de músicos lo bordan, Flea, Sky Ferreira, Paul Williams, lastima que al final se haga trampa convirtiendo al mas normal y centrado de los villanos en un sociopata sin escrúpulos, y al mero villano en un romántico que se sacrifica porque también estuvo enamorado, vale mas que Edgar se enfoque tanto en su historia como en su estilo como lo hacia antes.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Atomica

ATOMICA (ATOMIC BLONDE, ALEMANIA-SUECIA-EU, 2017)

Lorraine Broughton (Charlize Theron, perfecta) camina por la calles del Berlin de finales de los ochenta protegiendo al informante Spyglass (Eddie Marsan), despues de cierta artimaña para distraer a los francotiradores la espía junto al tipo entran en un edificio para enfrentarse a media docena de agentes de la KGB, Lorraine pelea con ellos, hay disparos, golpes, patadas, llaves, mientras caen y suben escaleras hasta que la chica termina exhausta y apenas logra salir para una persecución en auto, esto grabado con maestría y pericia técnica por parte del equipo en un largo plano secuencia ininterrumpido donde la cámara sigue los rostros, los movimientos, los objetos, siempre sin corte y encima de una Theron sublime que termina exhausta, esta escena resume la película, el estilo por encima de todo y la búsqueda de una perfección técnica que se convierte en arte por lo logrado de las coreografías, los tiempos exactos, el uso del inmobiliario, la realidad que se siente en cada golpe, cada caída, parecen reales, los actores lo sufren en carne propia, y por supuesto a una Charlize Theron que convierte en este baile artístico algo muy bello.

Eso es lo bueno, lo lindo, lo emocionante, una película que esta la servicio de su estrella protagonista, una talentosa y entregada Theron sobre la que gira todo, que se preparo durante meses para hacer sus escenas de accion, otra virtud es la lograda ambientación, en verdad parece que estamos en Berlin justo antes de derribarse el muro, la fotografía grisácea y esa interrogación nos remite al buen cine de espías, al cerebral que en la actualidad esta casi desaparecido, y por ultimo un reparto de lujo que acompaña de la mejor manera, a los mencionados James McAvoy, John Goodman, Til Schweiger, Toby Jones, etc., por otro lado tenemos los defectos que también son bastantes, la historia es cliché, no mala pero si predecible, y el final que traiciona la historia real es terrible, porque el final original funciona aunque es cansino por tanta vuelta de tuerca, aquí es tramposo, no tiene sentido y cansa mucho mas porque tiene mas vueltas de tuerca, una lastima porque esto es lo peor de la cinta y lo ultimo que queda en nuestra memoria.

Algunos personajes no tienen peso, por ejemplo la agente francesa (Sofia Boutella) es desperdiciada y solo sirve para una escena lesbica de puro fanservice, y por ultimo en algunas escenas Theron usa dobles, son profesionales y las escenas siguen grabándose bien pero rompen con la magia ya que se notan. En resumen una cinta que pone el estilo y la imagen por encima de todo lo demas, algo esperable ya que el director David Leitch en su primer cinta en solitario, es co-director de "John Wick", imprime el estilo que había usado y esa amplia experiencia como doble para lograr una accion física, realista y fluida, en pocas palabras una cinta para disfrutar con buen acompañamiento musical y una exquisita Theron que luce tanto como siempre y se ve mucho mejor que cualquier espía anterior, y por supuesto con ese largo plano secuencia, solo por ella y esa escena ya es necesario revisar la cinta.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Better Watch Out

BETTER WATCH OUT (IDEM, AUSTRALIA, 2016)

Ashley (la preciosa y talentosa Olivia DeJonge) es la deseada niñera del puberto Luke (Levi Miller, muy bien), la chica esta a punto de mudarse y no parece estar contenta con la decision pero lom ha tomado con madurez, algo que sera fundamental para afrontar lo que se le viene, porque Ashley es el sueño de cualquier hombre en ese idilicio pueblo australiano teñido de navidad por todas partes, tanto el padre del niño (Patrick Warburton, hilarante) que se queda lelo mirándola con todo y regaño de su mujer (Virginia Madsen, divertidisima), del novio bueno para nada de turno, de su ex-novio hablador y hasta del puberto Luke que quiere impresionar a la rubia, esto parece lo típico de cualquier cinta de terror que se precie pero aqui es mas importante y se darán cuenta al ver la cinta, que es vendida como de terror pero en realidad es un interesantisima vuelta de tuerca al genero de la intrusión de extraños, donde nada es lo que parece y Ashley ve como su pesadilla va mutando siempre mas enfermiza y sin un final viable.

Habiendo anotado eso voy a intentar comentar un poco de la trama de una cinta donde las sorpresas y vueltas de tuerca hacen mas grande la cinta que nunca abandona el humor negro y nos arranca sonrisas y carcajadas de las que nos sentimos culpables, pero es imposible y en especial porque el reparto esta completamente entregado a la visión enfermiza del director y guionista Chris Peckover que retrata la supuesta sociedad educada y moral australiana con otra cara, con esa psicopatía latente y la hipocresía en todo momento, y vaya que lo logra el director desbordando mala leche en todas las escenas y mostrando la ridiculez de sus personajes al mismo tiempo que destapa sus virtudes. Ashley llega a cuidar a Luke para que sus padres vayan a una fiesta navideña, el pequeño sabe que la chica se ira de la ciudad e intenta hacer una jugada desesperada aunque la chica siempre lo batea de manera educada, el niño hace berrinches y empieza a tomar, mientras que Ashley lidia con su novio, sumemoles que se ven sombras por las ventanas, que la puerta aparece abierta, que llega una pizza sin pedirla y que llaman sin contestar y el ambiente se tensa mas.

Cuando llega el mejor amigo de Luke, el drogadicto Garrett (Ed Oxenbould, bastante bien) pareciera que el hizo todo pero pronto quedara claro que no, cuando lleguen los atacantes supuestamente sin razón alguna Luke mostrara una cara diferente y de aquí veremos vueltas de tuerca que solo ayudan a la historia mostrándonos las verdaderas caras de los personajes y su grotesca evolución. Quizá el mayor logro del director sea mostrar la maldad que puede existir hasta en las personas mas educadas sin importar su edad, esa malicia que parece existir desde el nacimiento en lugar de aprenderse y una locura caricaturesca que nos remite a las comedias norteamericanas pero sirviendo de parodia realista. Humor negro, mala leche, terror, critica social y los problemas que acarrea una mujer que parece perfecta y que por ello es buscada tanto mas para mal que para bien, ademas DeJonge sigue mostrando que es un talento naciente cargando la cinta, Miller es una agradable sorpresa y Oxenbould también muestra buenas maneras repitiendo con DeJonge, con una producción y pericia técnica (montaje y tiempos) muy buena tenemos una cinta redonda, mas aun con ese perfecto final que resume las virtudes de la cinta.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Los Huéspedes

LOS HUÉSPEDES (THE VISIT, EU, 2015)

M. Night Shyamalan prometía ser un director de grandes ligas, entrego grandes películas al inicio de su carrera y logro darle su estilo a las cintas al mismo tiempo que mantenía la calidad y convencía al publico, pero su estilo empezó a desvariar, la arrogancia se hizo presa de él, como escape a sus fracasos intento con blockbusters teniendo todavía menos éxito, asi que esta cinta con pocos recursos es la manera correcta de regresar a sus inicios, algo que también intenta con su siguiente cinta "Split" pero donde el factor nostalgia le termina afectándose ya que se siente como que el director se agarra de un clavo ardiente para sobrevivir, conectándola con su mejor cinta, "Unbreakable", pero esta es algo mas, recuerda al primer Shyamalan, hasta con esas vueltas de tuerca que no buscaban sorprender al respetable haciendo trampas con grandes giros sino que entregaban una sorpresa inesperada, y a veces no tanto, que era congruente con la historia.

Rebecca (Olivia DeJonge, agradable sorpresa) y Tyler (Ed Oxenbould, otro buen descubrimiento) son un par de hermanos que deciden darle un poco de privacidad a su madre con su nuevo novio y por ello visitan a los abuelos, unos que no conocen debido a que su madre se fugo del hogar con un hombre mayor, el innombrable padre de ellos que a la primera de cambios se fugo con otra mas joven, los niños llegan al lugar con la promesa de una semana de ensueño con unos abuelos que se ven igual de emocionados por verlos, en una alejada granja los cuatro conviven y se conocen, el problema es que por la noche Doris (Deanna Dunagan, bastante bien) se comporta de forma extraña, y a partir del día siguiente son ambos, la abuela que de pronto tiene arranques locos como en el terrorífico juego de las escondidas, o John (Peter McRobbie, bien) que de pronto tiene ataques de ira.

Los chicos estan extrañados y asustados pero suponen que todo es causa de la senilidad, pero las cosas cada vez son mas extrañas hasta que se salen de control en ese giro final que se veia venir pero que aun asi deja la piel helada frente a un clímax que se antoja imposible de resolver para los pequeños. La vuelta de tuerca es tramposa por supuesto pero mucho menos que en otras películas del director y aunque se puede adivinar no afecta la calidad de la cinta, el hecho de que sea el típico metraje documental es quizá la peor baza de la cinta al sentirse varias escenas forzadas, en especial al final, aunque por otro lado es regocijante ver a DeJonge y Oxenbould hablarle a la cámara, bromear y jugar con ella ya que los dos tienen talento, de hecho ellos llevan la carga de la cinta y lo hacen bien, les creemos sus personajes y derrochan carisma, acompañados de buenos secundarios, y ademas Shyamalan da sus típicos mensajes educativos, por lo menos aqui es menos ñoño y mas necesario.

Calificación: Interesante

Cinecritica: El Intermediario del Diablo

EL INTERMEDIARIO DEL DIABLO (THE CHANGELING, CANADA, 1980)

El serio compositor John Russell (el legendario George C. Scott) acaba de perder a su familia en un terrible accidente automovilístico, se muda y llega a una gran casona antigua donde empiezan a suceder cosas extrañas, se escuchan golpes todos los días a las seis de la mañana, ruidos, sillas que se mueven, puertas que se abren, murmullos, crujidos, una pelota que cae de las escaleras una y otra vez, la misma de la hija de John, y finalmente alucinaciones/visiones que lo atormentan, lo lógico seria huir del lugar, salir corriendo como le aconseja la agente de la sociedad histórica Claire Norman (bellisima Trish Van Devere) cuando se cerciora que todo lo que dice John es cierto, es lo que haría cualquiera, y es aquí donde muchos señalan el principal problema de la cinta, el decide quedarse e investigar, pero en lo personal pienso que esto es parte crucial de la trama, el personaje de John llego a esa casa como un muerto viviente, no tenia razón para vivir despues de perder a su mujer e hija, esto se nota en las conversaciones que tiene, su vida social, su trabajo, todo lo realiza mecánicamente, John necesita esto para tener nueva vida.

Al mismo tiempo que el muerto necesita del vivo para poder hacerse oir, como John no tenia nada que le interesara puso mas atención, lo que si es verdad es que el protagonista es demasiado racional, un poco de desesperación o locura habrían hecho esta cinta mas fuerte. El director Peter Medak da en el clavo, sabe darle el ritmo adecuado, la trama se va revelando poco a poco manteniendonos siempre interesados, sugiere en lugar de mostrar y eso da mucho mas terror como es lógico, y ademas la cinta funciona también como drama familiar y thriller, y ademas uno muy bien hecho, con sorpresas y oscuros secretos familiares que en la actualidad son hasta políticos, es asi como John sufre los sustos día a día, y nosotros junto con el, mientras intenta descubrir que sucede ah, busca a expertos, tiene una sesión espiritista y descubre en la grabación una terrible verdad que lo lleva en búsqueda del pasado, con todo y pozo en otra casa y un poderoso gobernador que no quiere que se remueva el asunto.

Algo que desde el inicio nos dan a notar ya que la gente del lugar no quiere que nadie viva ahi, como deseando que no se descubra lo que sucedió, aunque nadie lo sabe, porque el poder de los implicados va mas alla de la verdad, la justicia o la ética, es ahi cuando uno descubre que los vivos son mas peligrosos que los muertos aunque como sucede aquí, quizá los muertos nunca cejen en busca de su propia justicia personal. Una cinta que nos gana con su atmósfera, con una banda sonora impecable, una fotografía cuidada, un reparto exquisito y una historia que siempre nos tiene en vilo, a final de cuentas una obra que ha resistido bien el paso del tiempo y cuyo unico problema es ese final grandilocuente cuando había demostrado en todo el metraje que menos es mas.

Calificación: Bastante Bien