Cinecritica: Los Duelistas

LOS DUELISTAS (THE DUELLIST, REINO UNIDO, 1977)

El primer largometraje de Ridley Scott es una notable muestra de cine en estado puro, sin aspavientos ni discursos simplemente contar una historia de la mejor manera posible y aqui el director daba en el clavo con su talentoso tratamiento cinematográfico de imagen, con una historia que ademas no es tan simple como parece y que viniendo de una relato de Joseph Conrad basado en una historia real tiene muchas mas capas de lo que pareciera en un principio, Gerald Vaughan-Hughes mantiene la historia sencilla y de esta manera la cinta logra una conjunción estupenda entre imagen, sonido e historia, con una premisa tan sencilla como un par de tenientes del ejercito napoleónico que se baten a duelo múltiples veces a través de mas de quince años, desde el inicio Scott nos deleita con una locación hermosa, un diseño de producción soberbio y una fotografía exquisita casi como si estuviéramos viendo una pintura clásica, y en medio de todo esto dos hombres se baten en duelo, uno que ademas esta coreografiado y grabado de manera perfecta.

Obviamente tiene que haber un ganador y al momento siguiente vemos a un general de Napoleon molesto, que envia al teniente de húsares Armand d'Hubert (Keith Carradine, excelente) por Gabriel Feraud (Harvey Keitel, soberbio) que hirió gravemente al sobrino del alcalde, una decision de la que se arrepentirá d¨Hubert ya que despues de no encontrarlo en su casa se pasa por la fiesta de una dama aristócrata y esto es suficiente para que Feraud lo rete a duelo terminando todo con una herida de Feraud y la esposa de este defendiéndolo, a partir de este momento y sin saber porque d'Hubert sera perseguido sin descanso por Feraud que nunca estará contento hasta que logre su cometido, nadie sabe porque se estan liando a duelo, de hecho nosotros tampoco lo tenemos claro en una inteligente decisión de Scott que lo deja abierto.

Y es que no hay explicación que funcione, simplemente es la empresa que se autoimpone el testarudo y obsesionado Feraud que solo concibe su vida con duelos, apuestas, honor y la lealtad a Napoleon, un hombre que esta muerto por dentro a pesar de ser poderoso por fuera y que persigue a otro hombre al que quiere matar solo porque si, quizá porque ese hombre romántico que busca algo mas en la vida y que es feliz con lo que se le concede en ese momento es lo que mas odia, lo que desea, o simplemente es un hombre que quiere terminar lo que comenzó con una terquedad que va mas alla de lo humano, eso es algo que d´Hubert tampoco conoce y que sufrirá tratando de rehuir al no comprender que busca su oponente, pero este solo trata de no tener duelos innecesarios donde ademas se juega la vida porque si pero su honor y manera de ver la vida no le permite darse el lujo de no luchar, lo hace siempre en búsqueda de retribución y honor.

De hecho con el paso del tiempo d'Hubert tambien se obsesiona con los duelos, despues de que Feraud lo busca para el segundo y recibe una estocada de espada obligandolo a quedarse en suelo si no quiere morir el teniente se pone a practicar dejando de lado a su querida Laura (Diana Quick) y absorbiendo algo de la obsesión de su contrincante, subir de rango tampoco y la guerra tampoco le servirán porque Feraud lo sigue siempre, lo encuentra en todos lados, tiene lacayos que lo guían y el destino, ese cruel destino pareciera que siempre los pone en el momento justo, el tercer duelo es a sables en algún granero donde se pelea a muerte con todo hasta que ambos desfallecen, años despues llega el cuarto a caballo con resultados sorprendentes, en plena guerra perdida casi se da otro en Rusia con el ejercito destruido.

d'Hubert se recupera de sus heridas de guerra con su hermana que no duda en hacerla de casamentera y unirlo a la joven y bella Adele (preciosa, Cristina Raines) aun con las reticencias del soldado, por supuesto que el destino le juega otra pasada y a pesar de haberle salvado la vida tiene que tener un quinto duelo con Feraud a pistolas en unas hermosas y enigmáticas ruinas donde se juega al gato y al ratón y termina con una frase lapidaria no de muerte pero si de castigo ""siempre me has tenido pendiente de tí. Durante 15 años. No volveré a hacer jamás lo que me pidas. Por todas las reglas de combate tu vida desde este momento me pertenece. Simplemente te declaro muerto. Me he sometido a tus llamadas de honor durante largo tiempo. Ahora tú te someterás a la mía." Sorprendente final que nos regala una postal de pintura donde el pecador comienza su penitencia, toda la fotografía es pintura en movimiento, la portentosa banda sonora de Howard Blake es perfecta y nos sumerge en la cinta, el diseño es estupendo y el vestuario es de los mejores que he visto en mi vida, una obra mayor de Scott.

Calificación: Excelente

Cinecritica: Culto a Chucky

CULTO A CHUCKY (CULT OF CHUCKY, EU, 2017)

No entiendo el porque del odio a las nuevas peliculas de Chucky, pareciera que los fanaticos quieren que se siguieran haciendo la segunda cinta siempre, la primera es irrepetible porque tiene un juego psicologico que ya no puede repetirse, la segunda intenta emular la primera y aburre en lapsos, quiza por ello se decidio tomar otro rumbo y hacer la saga mas desmadrosa, algo que ya se apuntaba desde la creacion del personaje con esos chascarrillos, la mala leche y los comentarios politicamente incorrectos, Don Mancini guionista de toda la serie y tambien director de las ultimas tres se ha decantado mas por este rumbo pero sin abandonar el otro, algo que ya habia retomado en la pelicula anterior, y que esta vez juega con ambas cosas, el desternillante humor de la quinta y el terror de la sexta. Un adulto Andy (Alex Vincent) es perseguido por su pasado en una cita que termina mal, llega a su casa donde tiene la cabeza de Chucky (voz de Brad Dourif, excelente) y lo tortura al tiempo que el muñeco se burla de el.

Con esto se nos revela que la escena postcreditos es real y que Chucky si intento ir por Andy y fallo, tambien la otra es real para sorpresa de muchos incluyendome, mientras tanto Nica (Fiona Dourif, bastante bien) esta en el manicomio sufriendo electrochoques por parte de el maquiavelico Dr. Foley (Michael Therriault) quien la convence de que ella es culpable y sufre locura, es trasladada a otro hospital donde puede recibir visitas, se entera de que su querida sobrina fallecio y recibe un muñeco Chucky de regalo por parte de Tiffany (Jennifer Tilly, bien) que se suma al que usa el Dr. para la terapia y donde solo Nica piensa que el muñeco viene a causar problemas, y ahora pudiendo cambiarse de lugar con el otro, nadie le cree pero los asesinatos comienza a sucederse, casualidad, accidentes y despues obvios asesinatos donde todos van cayendo mientras Foley piensa que Nica es la posible culpable aunque nosotros y la pobre chica sepamos la verdad.

De aquí pues ya sabemos, la desesperación de Nica, el muñeco aprovechándose de la mente de los que puede, si antes eran niños ahora son locos, tomando eso en cuenta el director y guionista Don Mancini toma una decisión inteligente al usar un manicomio con todos esos locos que pueden ser usados de distintas maneras y que dan una sensación enfermiza que siempre aporta, con los escenarios limpios y minimalistas que logran que cuando aparezca el muñeco se haga notar, aunado a eso es muy buena la decisión de volver a usar solo animatronic ya que lo hacen ver mas real y es el Chucky de toda la vida, y de nuevo se agradece la mala leche de Mancini que aun en esta difícil epoca no tiene miedo y se mofa de las correcciones políticas haciendo chistes racistas o de locos sin inmutarse, como muestra cuando Chucky platica con la loca esquizofrenica, hilarante y graciosisima, y de estas hay muchas, cada que aparece uno no puede mas que reirse a carcajadas de este psicópata que como el mismo apunta es un enfermo pero de forma graciosa, la fotografía es limpia, la banda sonora es buena y rescata temas clásicos actualizándolos, mención especial a esa escena antologica de Chucky triunfante. Por lo demas no se puede descubrir mas de la cinta sin afectar su visionado, algunos sorpresas que explican el final de la cinta anterior, quizá el unico detalle es que se pudo haber jugado mas con esta vuelta de tuerca pero es una gran adición que deja todo abierto para una ya deseada secuela.

Calificación: Bien

Cinecritica: Perfect Blue

PERFECT BLUE (PAFEKUTO BURU, JAPON, 1997)

Desde el inicio Satoshi Kon nos da una muestra de su talento mostrándonos a los personajes en poco tiempo y dando una presentación perfecta de su protagonista, estamos en un evento donde se presenta una especie de rangers tan queridos en Japon mientras los niños se quejan y los adolescentes intelectuales estan esperando la presentación del grupo de j-idols Cham! con el rumor de que la mas popular del trió, la líder, Mima Kirigoe (voz de Junko Iwao) esta a punto anunciar su retiro del grupo para convertirse en actriz, al ir tras bambalinas somos testigos de los nervios que sufren las chicas, los apuros y la magia cuando salen al escenario donde iluminan todo y el publico explota en aplausos, añadir que la mayoria de los fanáticos son hombres ya maduros lo que muestra de manera perfecta los que siguen a estos grupos y lo que significa para la sociedad japonesa, mientras el grupo canta "Angel of Love" el director nos muestra lo que sucede en la vida de Mima, su normal vida cotidiana viajando en metro, haciendo las compras y llegando a casa en bicicleta, la oportunidad para volverse actriz, una profesión mas estimada y duradera, y todo esto con una maestría impresionante por parte de Kon que hace unas transiciones naturales y fluidas.

Ademas vemos a un extraño tipo que trabaja como guardia que mira a Mima con un  ademan con la mano que nos indica de manera perfecta como es la relación de el con su idol, o mas específicamente como lo entiende él, unos chicos estan haciendo destrozos y el tipo va a defender a Mima y las cosas se ponen tensas solo para terminar con un reclamo de la idol que se despide de sus fans con la hermosa canción "Cherish These Memories, de esta manera termina la introducción, una donde Kon nos adentra en su mundo con una animación fluida que ademas presume de una sensación cinematográfica, como si una cámara estuviera grabando la animación algo que se nota con Cham! cantando y esa cámara en movimiento siempre en el lugar correcto, algo que no parece tener sentido ya que es animación pero Kon logra dar esa sensación y hacer muy delgada la linea entre esta y los actores reales, ademas la animación para su tiempo es soberbia mas alla de algunos diseños de personajes sencillos cuando son muchos en cuadro, pero el diseño de la mayoria es exquisito, desde la fantástica Mima de la que estoy enamorado hasta el sombrío Me-Mania (voz de Masaaki Osuka) o la realista Rumi (voz de Rica Matsumoto).

Por otro lado cuando son impersonales siempre van de acuerdo a lo que en ese momento nos quiere contar el director, ya sea porque solo son fanáticos sin peso o porque representan un castigo para la protagonista, volviendo a la cinta alguien le dice a Mima que siempre ve "La habitación de Mima", algo que no entiende la joven que vive sola con muñecos y sus peces en un pequeño departamento que parece habitada por una niña o una adolescente, su madre esta al pendiente de ella y no entiende porque dejo el grupo, en eso Mima recibe un fax que la tacha de traidora, al día siguiente en su debut como actriz en una serie de thriller llamada "Double Bing" una carta bomba daña al jefe de la agencia, pero tanto él como su representante Rumi no quieren darle mucha atención, Mima compra una computadora y entra en la dirección web de la habitación de Mima y se asusta al darse cuenta de que la persona que escribe ahí su diario personal sabe demasiado de ella, en tanto en su vida profesional la agencia la pone en charola de plata con tal de que tenga mas protagonismo en la serie y no solo tres escenas.

El chico que causo problemas en su ultimo concierto fue atacado y esta delicado, el grupo Cham! esta teniendo mas éxito que nunca y el acosador esta en todos lados, con todo esto la chica cede ante la presión y graba una escena de violación que resulta muy molesta a pesar de ser animación y fingida, es decir grabada, al final terminamos pensado lo mismo que Mima, que ha sido ultrajada y que las circunstancias la estan llevando a su peor pesadilla, por si fuera poco empieza a verse a si misma, su alter ego Mima como Idol que le recrimina su nueva imagen y se burla de ella y su agredida moral, los fanáticos también estan enojados con ella que se ha alejado de la imagen idol que en Japón representan a la hija perfecta, la hermana perfecta y la novia perfecta, con todo ello es obvio que la presión para Mima la esta rebasando y su mente esta jugando con ella, se le suma que el guionista de serie es asesinado violentamente en un ascensor y con "Angel of Love" de fondo en una escena genial. 

La agencia sigue lucrando con el morbo de una ex idol con fotografías de desnudos y Mima empieza a tener alucinaciones, sueños y pesadillas al mismo tiempo que confunde la realidad con la fantasía, el fotógrafo también es asesinado y Mima empieza a sospechar que ella es la culpable, que su otra personalidad ha tomado control de su cuerpo y mas con una evidencia contundente en sus manos, es aquí cuando la cinta entra en su recta final con una Mima perdida y con el acosador entrando en escena regalándonos una revelación final soberbia que da paso a un clímax magnifico y una imagen final de antología que cierra la película de manera perfecta, con la preciosa canción "Season" de fondo. Un thriller psicológico de terror que es sumamente inteligente y que nunca se ve venir, donde nos encontramos tan perdidos como la protagonista y donde el director Satoshi Kon juega con tres escenarios, el real, el de las alucinaciones y el de la serie que estan grabando, siempre de manera estupenda y confundiéndonos aunque siempre sabemos que ocurre, pero me refiero a que si nos dejamos llevar en este viaje paralelo a los infiernos de Mima encontramos un extravagante placer que nos hace rompernos la cabeza y comernos las uñas.

Con un final que nunca se ve venir y una animación magnifica que se acopla al estilo de la cinta, con una banda sonora que es soberbia,  desde los temas de grupo Idol que son inocentes pero siempre usados de manera adecuada en la historia, imposible oír "Angel of Love" sin recordar un ascensor o "Season" sin esa sonrisa y ultima frase perfecta, pero los temas que acompañan a la cinta como "Virtua Mima" o "Nightmare" son extraordinarios y logran que uno se sumerja y se le enchine la piel al escucharlos. Se le critica que es muy violenta y sádica pero de otra manera no se podría entender la cinta, como entender el rencor hacia el fotógrafo si no se le asesina de manera tan sádica, o muy sexual para ser un anime, y aquí es increíble ya que Satoshi Kon nos hace sentir incómodos solo con sugerir una escena grabada, algo crucial para la historia que si es cierto muestra el descubrimiento sexual de Mima, algo importante ya que como idol lo tenia prohibido.

Las alucinaciones que tiene Mima, los juegos de sueños, realidad y fantasía son tratados de manera perfecta por el director que nunca pone nada de manera gratuita, la cinta apenas dura una hora veinte con una historia tan compleja y profunda que en occidente duraría tres horas, una felicitación para Kon que ademas hilvana una obra mayor que es una secuencia de escenas memorables una tras otra sin traicionar nunca el hilo conductor, un director que se fue pronto y que no pudo seguir haciendo obras mayores de donde han tomado "ideas" Nolan y Aronosfky junto a otros directores que son mas admirados y conocidos, por ahi "Requiem por un Sueño", "Inception" y "Black Swan" por poner ejemplos. Una obra mayor que deberíamos de darnos el tiempo de revisar y dejar los prejuicios del anime y solo disfrutar de cine inteligente en estado puro, en especial cuando es tan bueno como el de Satoshi Kon.

Calificación: Excelente

Cinecritica: Ghost in the Shell: Vigilante del Futuro

GHOST IN THE SHELL: VIGILANTE DEL FUTURO (GHOST IN THE SHELL, EU, 2017)

Vamos a lo primero, soy un ferviente admirador y fanático de la saga "Ghost in the Shell", en especial el diptico soberbio de Mamoru Oshii pero no soy un ridiculo que busca lo políticamente correcto como la mayoria de las personas que alegan que la protagonista debe ser asiática (en todo caso deberian alegar japonesa pero bueeh) como en la original, ni me molesta ni me incomoda ya que a pesar del nombre el mundo que nos presenta la saga no se basa en eso, y ver a Scarlett Johansson siempre es un placer y mas con un traje entallado, por otro lado tenemos el detalle de la comparación con la original, no debe de hacerse y es un error, siempre debe de tratarse al producto de forma independiente pero obviamente es complicado y mas cuando estamos hablando de una obra del alcance de "Ghost in the Shell".

Se nota que los guionistas vieron todas las obras de ghost in the shell ya que intentan tomar elementos de las cintas de Oshii y de la saga Stand Alone Complex, de mas esta decir que solo estan de relleno ya que al final ni siquiera tienen que ver con su historia principal, lo mismo va para las escenas iconicas que aquí son metidas con calzador como pretexto de tenerlas en live action con muchísimo menos estilo y excesivo uso del slow motion, nada que ver la loca iracunda de la mayor aqui con la perfección estoica del fin de la escena del agua en el anime, creo que ya deje en claro que la cinta no tiene nada que ver con la fuente clásica y que no es digna ni de llamarse asi, y ademas el mundo se parece mas a la publicidad tecnologica excesiva de "Blade Runner" que al futuro sombrío de "Ghost in the Shell", ahora veamos lo que nos ofrece la cinta en si, la mayor Mira Killian (Scarlett Johansson, siempre hermosa pero queriendo moverse como robot cuando nada que ver...) es un cyborg que trabaja en la sección nueve y se enfrentan con un hacker que esta asesinando a ciertas personas.

Cuando se tope con él maloso (Michael Pitt) resulta que ya la conocía y que los recuerdos que la atormentan no son fallos de programación sino recuerdos reales que su mama científica adoptiva (Juliette Binoche correteando la chuleta) no quiere que sepa porque son la clave de quien era antes y lo mala que es la corporación que la creo y que controla parte del mercado, el problema es que los malos son malos malosos y el gobierno ni inmiscuido esta, es solo un tipo codicioso que a las primeras de cambio pueden matar, todo lo demas en la trama es un despropósito sin sentido que incluso contradice la fuente original, con temas de individualidad, el conocerse a uno mismo, la identidad y etc, contradiciendo siempre a la cinta original y con ese final de pena ajena donde resulta que si es Motoko Kusanagi pero la metieron en un cuerpo caucásico y ademas antes era "activista contra la tecnología", háganme el recrabon favor, lo mejor de la cinta sin duda Takeshi Kitano como el jefe Aramaki, el que mas se parece a la fuente original pero dejando de lado eso el que tiene la mejor escena por mucho, unos matones van a liquidarlo y los elimina mientras la cámara lo toma siempre estática y primero de arriba para que al ultimo escupa "no manden a unos conejos a hacer el trabajo de un zorro" hasta juraría que el escribió y filmo esta escena, ah y también es valiosa la canción original en los créditos. 

Calificación: No Vale la Pena

Cinecritica: Blade Runner

BLADE RUNNER (IDEM, EU, 1982)

En un futuro donde el cielo siempre es obscuro y la gris lluvia es perpetua, donde la publicidad neón esta en todos lados ocultando la miseria que esta en tierra el Blade Runner Rick Deckard (Harrison Ford, muy bien) se ve obligado a perseguir a los nexus 6, las maquinas casi humanas llamadas replicantes por un mundo multicultural, mientras estos ansían la vida o quizá solo temen a la muerte, de esta manera comienza una de las mejores películas de la historia del cine, una obra maestra que nos recuerda la maravilla que es el cine y nos regresa la humanidad alimentándonos el alma, ¿que se puede decir que le haga valor a esta magnifica obra? el tercer largometraje de Ridley Scott estuvo lleno de problemas durante toda la producción pero esto no se nota en pantalla, la presión y las libertades de algunos regalaron algunos momentos memorables de la cinta, volviendo a la cinta esta comienza con las grandes industrias dominando el firmamento, grandes llamaradas asoman por encima de un mundo gris e industrializado y un ojo es testigo de ello.

Deckard esta en la calle leyendo el periódico y comiendo cuando la policía lo lleva con el jefe Bryant (M. Emmet Walsh) quien lo obliga a cazar a cuatro replicantes que mataron y huyeron, el perfecto Roy Batty (Rutger Hauer, perfecto), la peligrosa Zhora (Joanna Cassidy, adecuadamente sexy y ruda), la preciosa y dulce Pris (una excelente Daryl Hannah con una belleza atemporal) y el grandulon Leon (Brion James, bien) que ya se cargo al blade runner Holden (Morgan Paull), el es el mejor y por ello deben sacarlo del retiro por mas que tengan al eficiente y enigmatico Gaff (Edward James Olmos, muy bien), el divorciado asesino no tiene mas que ponerse a investigar y conoce al padre de los nexus, el megalomaniaco Dr. Eldon Tyrell (Joe Turkel, bastante bien) y a su impresionante replicante Rachael (Sean Young, magnifica) que soporta de manera impensable la prueba Voight-Kampff.

Esto molesta de alguna manera a Deckard, la razón de porque son tan humanos es que les estan implantando recuerdos, ellos ni siquiera saben lo que son, o por lo menos la hermosa Rachael no lo sabia y todavía se resiste a aceptarlo ¿como aceptar que no es real? y que ademas morirá en poco tiempo, porque los replicantes viven cuando mucho cuatro años, una condena a muerte que los asecha sin piedad. Seguimos por un lado a Deckard en su investigación, la visita al hotel donde se quedaban los replicantes, recabar pistas, buscar y encontrar, ser observador, hacer preguntas por las calles, amenazar a quien necesite y meterse en clubes de dudosa moral con tal de obtener respuestas. La cinta tiene una segunda linea igual de interesante en la que vemos el esfuerzo de los replicantes por obtener lo que desean.

Buscan a los que tengan relación con su creación, interrogan, amenazan, analizan, ya sea a un pobre diablo chino (James Hong) que diseña sus ojos, o el genio genético J.K. Sebastian (William Sanderson, bastante bien) que no puede mas que admirar a estos seres arios que representan la perfección del ser humano, una lectura que es tan asombrosa como puede ser polémica. Blade Runner es ciencia ficción pura, con preguntas existencialistas y una mirada al futuro sin olvidar el pasado pero también bebe del cine y la novela negras, con un protagonista de dudosa moral, una femme fattale, y ese sentimiento de fatalidad en todo momento, el hecho de que Deckard es un solitario es una muestra clara y ademas le reconozco a Scott seguir la misma valiosa critica social que en su anterior obra maestra "Alien", la critica a las corporaciones que aqui son todopoderosas y omnipresentes en una sociedad de miseria que apenas sobrevive en tierra y donde el que no roba se aprovecha del otro.

Esto nos lleva a replantearnos la situacion de la humanidad, aquí todos son fríos, insensibles e indiferentes, pueden ver que asesinen a una mujer por la espalda y ni siquiera tienen reacción, son casi maquinas, justo como el presente que nos alcanzo, en tanto el gobierno es opresor, lo que queda claro cuando le exigen al protagonista un permiso para estar en tierra, o al obligarlo, con la policía sobrevolando a los que debe proteger y esas luces inalcanzables que parecen ojos en todo momento y en todo lugar. Pero esto no es lo mas importante en esta obra donde la lluvia cae sin descanso y la paleta de colores cambia dependiendo la situacion ayudándose de esa publicidad invasiva, con un diseño de producción y unas locaciones excelsas que son ayudadas por unos efectos especiales que siguen manteniéndose vigentes, un sonido que nos immerse en el lugar, una fotografía excelsa de Jordan Cronenweth y una banda sonora magnifica de Vangelis.

Lo vital en esta película es la búsqueda de humanidad por parte de los replicantes, unos seres que solo desean un poco mas de vida, no es que quieran ser inmortales, es que tienen miedo a la muerte, la ingeniería genética y el síndrome de frankenstein marcan esta obra, a un Roy con el tiempo en contra pero manteniendo la calma con tal de lograr su cometido, un tipo que se acepto líder del grupo y que llora y sufre cada perdida que tiene, que busca a su creador por hibris, necesita vivir mas tiempo, que le expliquen porque no se puede, o por lo menos a que demonios vino a este mundo, a final de cuentas no es lo que todos deseamos en lo mas profundo de nuestro ser, por ello Roy es el personaje mas importante, o por lo menos mi favorito, su busca mas alla de los limites, la búsqueda de su creador y el miedo en el que vive inmerso lo empujan mas alla.

Mención aparte para la fastuosa escena de Roy con su padre, con su dios, al que ama y odia, y que solo haya una manera de pagarle, de ese enfrentamiento final con Deckard donde pide mas tiempo y que al final desperdicia con una decisión incomprensible, por lo menos para nosotros, para el es claro, He visto cosas que los humanos ni se imaginan: naves de ataque incendiándose más allá del hombro de Orión. He visto rayos C centellando en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán... en el tiempo... como lágrimas... en la lluvia. Es hora... de morir. Justo por ello me gusta mas la versión con voz en off, por las palabras que siguen por parte de Deckard, porque despues llega las lapidarias palabras de Gaff que culminan con ese origami, muestra de inocencia y esperanza, porque el amor a la vida es lo que predomina sin importar que nos queden cien años o un segundo, a final de cuentas ¿quien lo sabe?

Calificación: Excelente

Cinecritica: Ghost in the Shell: Solid State Society

GHOST IN THE SHELL: SOLID STATE SOCIETY (KOKAKU KIDOTAI: STAND ALONE COMPLEX SOLID STATE SOCIETY, JAPON, 2006)

La ultima parte de la serie Stand Alone Complex sigue la curva descendente que ha tenido la serie dejando de lado los temas filosóficos para enfocarse únicamente en el político policíaco, el problema es que si desde la cinta anterior se abandonaba el thriller muy rápido esta lo hace de manera mas rápida y nos regala un final que supone una vuelta de tuerca sorpresiva pero que parece mas un truco sacado de hollywood que otra cosa, sin sentido y sencillamente tramposa, algo que el director y guionista Kenji Kamiyama se saco de la manga porque estaba consciente de lo débil del guion. Con una Motoko que ha renunciado a su cargo desde hace dos años y un Batou que solo trabaja en los casos que el desea la sección nueve se ve obligada a contratar personal que resulta prescindible para la trama porque cuando el "titiritero" aparezca y las personas prefieran suicidarse a enfrentarlo Togusa y Batou se verán obligados a unir fuerzas.

Aunque la mayor aparece muy rápido con diferentes cuerpos prestados haciendo su propia investigación, el solid state society del titulo que tiene que ver con la desaparición de muchos pequeños sin que nadie lo note y que al parecer van adoptados con los ancianos del país para preservar una raza pura que tenga la fuerza necesaria para llevar al país a un gran futuro, la accion no es tan buena como en las entregas anteriores pero la investigación de Togusa cumple bien su cometido llevándolo al ultimo a tomar una decisión limite, el problema es que el final como apunte antes es tramposo aunque no deja de ser una idea interesante que Kamiyama no condene totalmente la idea de preservación y nacionalismo, algo que en la segunda parte pareciera tomar la parte contraria.

Quizá eso es lo mas interesante de la saga, que no dice respuestas, solo plantea preguntas, por otro lado la animación cumple y los diseños estan bien logrados, lastima que los nuevos personajes solo estorben, y ademas algunos secundarios ganan protagonismo como Saito e Ishikawa frente a la poca aparición de la legendaria Motoko Kusanagi, la banda sonora cumple y creo que en general lo hace en toda la saga, con algunas buenas canciones que son muy buenas, pero el problema es que uno en automático compara con Kawai pero dejando eso de lado lo hace bien, me parece que es un buen cierre porque se poco a poco se ha ido desinflando y era difícil mantener un nivel tan grande.

Calificación: Interesante

Cinecritica: Ghost in the Shell: Stand Alone Complex 2nd GiG - Individual Eleven

GHOST IN THE SHELL: STAND ALONE COMPLEX 2ND GIG - INDIVIDUAL ELEVEN (KOUKAKU KIDOUTAI S.A.C. 2ND GIG INDIVIDUAL ELEVEN, JAPON, 2006)

Los once individualistas son detenidos por la sección nueve pero amenazan que alguien los reemplazara, helicópteros hackeados por los mismos, muchos suicidios hasta coreografiados, y el enigmático Kuze que parecía formar parte de ellos pero que ahora juega del otro bando, que ademas posee un cuerpo sintético con una resolución indetenible, por otro lado el todavía mas enigmático Kazundo Goda, in tipo desfigurado que maneja todo a su conveniencia y que siempre va un paso adelante que los demas, mientras la primer ministro empieza a confiar plenamente en Aramaki para que descubra y saque los trapos sucios al sol, el pasado de Kuze es un respiro dentro de tanta accion pero de inmediato volvemos a la accion que desde el inicio de la cinta no se detiene.

A partir de entonces la trama se comienza a enredar de manera compleja pero nunca se traiciona hasta que llega al clímax final con un enrevesado plan que se alarga en demasía pero que no pierde fuerza con dos bandos con planes propios y donde nos enteramos de los movimientos como si fuera una partida de ajedrez, y por supuesto con el tercero en discordia que nos muestra que Japón sigue teniendo miedo y es celoso de lo que quieren hacer con ellos los norteamericanos y las naciones unidas al considerarlos un país de segunda o prescindible, también se usa la trama tecnológica pero es demasiado engorroso decir mas detalles, eso si, el final con las tachikomas de nuevo mete los dilemas morales en primer plano, los simbolismos de las manzanas y de la cruz que carga Batou buscando a Motoko como si cargara con la culpa, con escenas de accion en todo momento y una trama política siempre cambiante.

Por el lado malo la animación todavía sufre bajones, la banda sonora si demerita un poco, comparada con la cinta anterior usa mas canciones y algunas veces las tonadas tratan de imponer el sentimiento en lugar de seguirlo, solo en contadas ocasiones pero molesta algo que es mas propio del cine gringo, el crecimiento de los personajes, las personalidades, los villanos, la ambigüedad de los personajes y hasta el agridulce final, todo eso funciona bien y es un logro de Kenji Kamiyama que mantenga esta calidad, no alcanza las cuotas de el hombre que ríe pero aun asi resulta recomendable y lo de las tachikomas siguen siendo tan adorables y graciosas como en la cinta anterior y por ello su desenlace es tan sentimental como había sucedido antes.

Calificación: Bien

Cinecritica: Ghost in the Shell: Stand Alone Complex - El Hombre que Rie

GHOST IN THE SHELL: STAND ALONE COMPLEX -  EL HOMBRE QUE RÍE (KOUKAKU KIDOUTAI STAND ALONE COMPLEX THE LAUGHING MAN, JAPON, 2005)

Después de ver las dos excelentes películas de Mamoru Oshii y escuchando los buenos comentarios de esta saga que funciona como otra extensión del manga de Masamune Shirow, esta cinta es un resumen de la serie que nos cuenta la trama del hombre que ríe del titulo lo que nos lleva a que la trama sea igual de densa que las películas pero con un ritmo mucho mas vertiginoso donde perder un detalle causa que despues se pierda el hilo, pero la cinta recompensa de sobremanera al espectador interesado con una trama inteligente que nos regala sorpresas y también preguntas existencialistas y de comportamiento humano. El hombre que ríe aparece justo despues de presentarnos a los protagonistas en una escena de accion con geishas asesinas, aquí de nuevo el protagonismo es para la mayor Motoko Kusanagi que sigue manteniendo en cierta forma el carácter solitario y practico, el hombre que rie hackea de manera increíble a todas las cámaras y los cerebros que tengan ciberimplantes por lo que nadie conoce su cara y maneja a los demas a placer.

Años antes ya había aparecido secuestrando al dueño de una importante compañía donde se vio obligado a escapar, Togusa es el encargado de la investigación ya que un policía lo contacto al descubrir unas fotografías pero murió en un extraño accidente, Togusa descubre lo que encubren estas y debido a eso las autoridades deben dar la cara y es cuando el hombre que ríe ataca de nuevo, algunos ataques despues Togusa va de encubierto a un lugar donde se tratan a las personas que sufren síndrome de cerramiento de cibercerebro y descubre algo raro que lo lleva a una empresa que descubrió la verdad detrás del síndrome, una terrible que involucra a la organización de salud, al gobierno y a muchas empresas en detrimento de un hombre de ciencia, a partir de entonces Motoko toma la batuta con algunos enfrentamientos muy bien mostrados, emocionantes y violentos hasta la resolución del misterio.

Solo que el director y escritor Kenji Kamiyama es muy pesimista y no permite que los villanos se rindan tan fácil ni deja la historia abierta, el gobierno ataca a la sección 9 lo que da paso al mensaje religioso y filosófico de la obra con los tachikomas y sus sacrificios y el tramo final donde el tema filosófico se torna mas denso y complejo con el hombre que ríe donde las citas ahora si saltan a cada momento dejando de lado el thriller policíaco que era hasta entonces, y por supuesto el complejo de autosuficiencia que forma parte integral de la trama, lastima que la animación no este al nivel de las cintas de Oshii, es buena pero en ciertos momentos tiene bajones, la banda sonora de Yoko Kanno también cumple pero queda muy lejos de Kawai, esto no es malo ya que no es correcto que las compare pero en general si se siente que la producción no esta a la altura de la compleja, enrededada e inteligente trama, una obra diferente pero también muy recomendable.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Ghost in the Shell 2: Innocence

GHOST IN THE SHELL 2 INNOCENCE (INOSENSU: KOKAKU KIDOTAI, JAPON, 2004)

Con una hermosa cita de "The Future Eve" y resumiendo lo que sucedió en los años de esta y la cinta anterior pasamos a ver el futurista y deplorable mundo futuro donde el solitario cyborg Batou (voz de Akio Otsuka) y el padre de familia Togusa (voz de Koichi Yamadera) estan investigando un caso donde unas gynoids han asesinado a sus dueños, Batou llega a la escena del crimen donde una gynoid ha asesinado a tres personas y se adentra en un oscuro callejon dejando hablando solos a los malhumorados policías, se enfrenta al asesino que para sorpresa del cyborg pide auxilio antes de intentar suicidarse pero Batou decide actuar para hacerlo de manera mas "humanitaria", con esta escena inicial se nos muestra la grandeza de esta cinta de Mamoru Oshii que presume unos gráficos preciosos que no han envejecido y donde se conjuntan las dos y tres dimensiones para un mundo hermoso en sus detalles pero sombrío en su realidad a pesar de que siempre nos tiene anonadados.

De igual manera los temas que toca en apenas un par de minutos son profundos y complejos y a estos se sumaran muchos mas mientras se profundiza mas en ellos, el aspecto sonoro es impecable y la banda sonora es otra maravilla de Kenji Kawai que sirve como continuación de la banda sonora de la obra mayor "Ghost in the Shell" pero con muchas mas canciones y unos arreglos para las anteriores, ya en los créditos se nota que Oshii contó con mayor presupuesto (veinte millones de dolares) y nos muestra en computadora pero en un hermoso estilo artístico como se hacen las gynoids de nueva cuenta haciendo alusion al comienzo de la vida mientras la magnifica "The Ballade of Puppets: Flowers Grieve and Fall" nos acompaña, la película es tan densa como la anterior, con mucha información y detalle, con una historia compleja e inteligente que guarda temas todavía mas profundos e importantes pero con un ritmo preciso a pesar de su corta duración.

Batou y Togusa llegan a la comisaria donde constatan que la gynoid intento suicidarse, donde la policía los odia y donde Haraway (voz de Yoshiko Sakakibara) tiene con ellos un gran debate filosófico-existencialista donde el director nos echa en cara el porque de nuestra fascinación con las muñecas, en la sección 9 el jefe Aramaki (voz de Tamio Oki) sabe de la importancia de este tema pero no hayan relación entre los asesinatos ni el porque, en tanto Ishikawa (voz de Yutaka Nakano) los llama a un sadico asesinato que parece realizado por la mafia, como única pista deciden visitar al nuevo jefe de la mafia en una escena de accion que deja en vergüenza al cine hollywoodense con disparos, pelea cuerpo y cuerpo y explosiones, por otro lado Aramaki le encarga a Togusa que este pendiente de Batou ya que si vida se ha vuelto rutinaria y solitaria.

Batou cree que vive escondido de todo el mundo, intenta no relacionarse con nadie y solo se preocupa por su perro Basset Hound Gabriel, su unico acompañante y el personaje menos mecánico de la historia, de igual manera cuando aparece se sigue jugando con la realidad, el comprarle comida siempre en el mismo lugar causa que hackeen su cerebro y mire una realidad alterna, frente a esto la sección se desentiende y deja a la pareja investigar por su cuenta mientras las pistas los van llevando a una compleja telaraña enredada donde todos los ámbitos parecen estar inmiscuidos pero donde los culpables los estan contragolpeando para desacreditarlos o incluso quitarlos de en medio, hacia el final la cinta se vuelve todavía mas compleja, si la primera mitad es un neo-noir futurista la ultima parte es un delirio audiovisual que sigue la trama y juega con la realidad tanto de los protagonistas como de nosotros mismos.

El laberinto de realidad virtual es magnifico (cada uno con los simbolismos de rigor), las citas celebres aparecen al por mayor siempre como apoyo del inteligente guion, y las partes finales con toda la accion y la aparición de cierto personaje clásico es maravilloso, cuando se descubre el misterio no nos queda mas que quedar tan anonadados como Batou y donde el director se da el lujo de meter mas preguntas y mas debate, la historia es inteligente y trata al espectador de la misma manera, los simbolismos aparecen en cada fotograma y las citas toman mas relevancia cuando se piensan un tiempo, la cinta gana con cada visionado (antes de reseñarla la vi dos veces) y es tan fantástica a nivel visual que uno nunca se cansa de verla, la escena de la casa de música es maravillosa con mayúsculas, y la música que suena con el sonido de caja musical rebotando en las paredes es esplendida y esto es en toda la cinta, desde los sonidos hasta las canciones de Kawai, la escena del desfile es otro deleite donde los detalles llegan a ser enfermizos, y por supuesto que los temas filosóficos existencialistas y religiosos siguen ahi, muchos de la cinta anterior y otros que se unen, los gynoids sexuales, los asesinatos con las reglas de Asimov, ¿que es un ser vivo? ¿en que momento se debe considerar una IA viva? el uso cruel de los corporativos de los seres vivos, el papel que juega en eso la mafia y el gobierno, la perdida de identidad, el peligro de la tecnología y la perdida de humanidad, el valor del alma y un larguísimo etc. que hacen de esta otra obra mayor de Oshii.

Calificación: Excelente

Cinecritica: Ghost in the Shell

GHOST IN THE SHELL (KOKAKU KIDOTAI, JAPON, 1995)

Tras un primer visionado la obra mayor de Mamoru Oshii se siente pesada pero uno termina con la sensación de que ha visto algo grandioso y días despues sigue rumiando la historia y los temas tan complejos que toca y deja para debate, ademas con cada revisión la cinta va ganando al notar mas sus virtudes y entender mas sus complejos simbolismos, desde el magnifico inicio Oshii nos deja claro el mundo que nos presenta, con la sección 9 encargada de los trabajos sucios y las investigaciones secretas, mostrándonos ese mundo futurista sin espíritu, sucio y con infraestructura avanzada pero sombrío, con unos políticos que se pelean por un científico que ira a intentar su trabajo en otro país, con todo y guaruras con armamento vistoso y por el otro lado unidades entrenadas, en medio de esto la mayor Motoko Kusanagi (voz de Atsuko Tanaka) se desnuda y se tira desde la azotea con un cable invisible y cuando los dos políticos estan discutiendo con la diplomacia ella simplemente se mofa antes de volar en pedazos (literalmente) al tipo extranjero para despues desaparecer enfrente de todos mientras sigue cayendo y juguetea con su camuflaje.

Esta escena mostrada ¿se puede decir filmada? animada de manera perfecta por el director ya nos apunta la calidad de la obra ya que no es gratuita sino que forma parte integra e importante de la compleja historia, pasamos a los créditos donde vemos como se creo a Motoko, la concepción de su cuerpo biomecanico y su mente donde su ser, su "Ghost" esta contenido, por ello Ghost es alma y mente y Shell la coraza física que lo contiene, el cyborg pasa de ser un esqueleto de carne y metal a albergar la mente, y despues tener su piel en un extraño liquido para despues pasar a un segundo liquido y despues mostrar la apariencia humana mientras entra en un liquido en posición fetal y finalmente nace, con esto Oshii nos dice que Motoko nació en su nueva forma de esa manera, inmediatamente Motoko despierta en su departamento, un lugar pequeño y sin decoración en el que ni siquiera prende la luz para vestirse ya que ella ve ese lugar como un espacio donde guardarse no como una casa mostrándonos que ella no se considera un humano o por lo menos no vive como uno.

Un caso mas para la sección nueve, esta vez un hacker esta entrando en los cibercerebros de las personas, les modifica su memoria, su realidad y los manipula para que hagan lo que el desee, el equipo sigue la pista de los hackeos y se topan con dos recogedores de basura, uno esta siendo manipulado por un tipo que se enfrenta a los miembros en una emocionante persecución por un mercado abarrotado y luego una pelea con el agua como ring, es impresionante ver como Oshii en esta escena nos muestra a todos los integrantes del equipo, los conocemos junto a sus características, el duro cyborg Batou (voz de Akio Otsuka), el humano apegado a su revolver Togusa (voz de Koichi Yamadera), el genio informático Ishikawa (voz de Yutaka Nakano) y ademas meternos mas de la personalidad de la mayor, el tipo de la basura estaba accediendo para hackear el cerebro de su mujer ya que quiere volver con ella y ver a su hija pero resulta que todo eso solo existe en su cerebro, el vive solo desde hace diez años y se ha creado una fantasía.

Esto resulta en que Motoko todavía se sienta mas confundida sobre quien es o que hace en el mundo, tiempo despues un cyborg que se armo solo es atropellado y llevado a la sección donde los burócratas de la sección seis llegan con un plan para llevárselo al tiempo que lo que queda del cyborg se presenta como el hacker puppet master y hace sus peticiones, llegando hasta aqui ya he contado de mas la historia pero todavía falta todo el final que viene a partir de aqui, el plan del puppet master, lo que tiene que ver la sección seis y el gobierno en todo el asunto, y el armado del rompecabezas de lo que ha sucedido hasta el momento, pero quedarnos solo ahi es rozar lo grandioso de la cinta, como neo-noir futurista con thriller policíaco es muy bueno pero es la punta del iceberg, la critica a nuestra sociedad y al gobierno es interesante como lo apunta Motoko al decir que pueden renunciar siempre y cuando regresen sus cuerpos prestados, la intervención de los extranjeros, o con las intenciones de todas las instituciones de gobierno menos la sección nueve liderada por el incorruptible jefe Aramaki (voz de Tamio Oki).

Tengo entendido que el manga de Masamune Shirow no es tan profundo pero si complejo en varios aspectos, quizá Oshii lo pulió un poco pero su talento para mostrar imágenes, para contar una historia, es excelso, la animación no ha envejecido ni un apice, el ritmo es perfecto, el tipo sabe como debe verse la escena, en que plano, de que perspectiva, nunca nos perdemos en las escenas de accion y nos emocionamos como en ese maravilloso enfrentamiento final con un tanque, con personajes bien realizados con quienes nos sentimos afines, Motoko Kusanagi es de los mejores personajes del cine, y una banda sonora de Kenji Kawai acompaña y eleva lo grandioso de la cinta con un sonido muy propio. Pero Oshii va mas alla, su protagonista se hace preguntas existencialistas en cada momento, duda de la vida, de sus existencia, del significado, de lo que hay mas alla, se identifica cuando ve los recuerdos implantados de los demas, no reconoce su individualismo y esto queda claro cuando ve a un cuerpo idéntico (el guiño del perro real de Oshii cada vez que algo es ambiguo es genial), el dudar de todo lo que se ve, de la realidad, dudar de su propio yo, el paralelismo de los objetos con la protagonista, las platicas filosóficas de Motoko y Batou, el dilema de que es la vida, si se debe aceptar como forma de vida un ente informático, la finalidad de la humanidad, porque esta obra bien podría ser la verdadera secuela espiritual de "Blade Runner" ya que sigue y amplia las dudas que se ponen en esta, sobretodo con ese final donde queda claro que nunca hemos tenido un yo propio porque es cambiante y por supuesto que la finalidad evolutiva es la procreación como medio infalible de sobrevivencia que no paso a una de las mejores lineas finales que recuerdo en una escena memorable.

Calificación: Excelente