Cinecritica: Contra la Pared

CONTRA LA PARED (GEGEN DIE WAND, ALEMANIA - TURQUIA, 2004)

Me toco conocer a Fatih Akin con su aclamada cuarta película, y debo decir que me gusto muchísimo, es una gran historia de amor, uno de los mejores romances que he visto en los últimos tiempos, y ¿Por qué no decirlo? de toda mi vida, digan lo que digan las mujeres las historias de romances melosos no tienen ni cercanamente la grandeza que tienen estas historias más cercanas a la realidad, de amores imposibles que navegan por todos los sectores posibles y que nunca sabemos por donde iran y mucho menos como terminaran, y además Akin es un magnifico director con el talento y la inteligencia para saber donde poner la cámara, como grabar todas las escenas, y para hacer un trabajo de edición que roza la perfección, y además nos regala una separación de capítulos que son hechos por un grupo de músicos turcos que a orillas del Bósforo nos regalan canciones típicas turcas que son majestuosas y que por si fuera poco no están gratuitamente sino que la letra de la canción y la melodía tienen que ver con el siguiente capitulo, con lo que viene y asi hasta que cierra la cinta de manera impecable, y me quedo corto.

 

Comienza la cinta y lo primero que vemos es el amanecer junto a esos seis músicos y la cantante que nos regalan una canción de una mujer tempestuosa que atormenta a un hombre para después entrar en la historia donde el vago Cahit Tomruk (Birol Ünel, excelente y totalmente metido en su papel) vive su día borracho o drogado o las dos cosas mientras sobrevive limpiando cierto antro de "arte" y donde no tiene una vida social más alla de un amigo y una medio novia, durante una noche en su carro Cahit simplemente decide chocar contra la pared, después en cierto hospital especializado en personas suicidas Cahit entra con un doctor que le dice que para acabar con su vida no ocupa suicidarse, Cahit lo entiende pero no tiene intención de cambiarla pero ahí conoce a Sibel (Sibel Kekilli sorprendentemente fresca y fantástica), una joven turca que también vive en Alemania y que de buenas a primeras le pide que se case con ella por la simple razón de que es turco y su familia lo aceptaría, dándole a ella la libertad que no gano ni con el intento de suicidio, y es que Sibel quiere ser libre, tener una vida donde pueda salir y estar con muchos hombres donde su familia no la golpeé o amenace y si para esto tiene que chantajearlo con otro intento de suicidio, bienvenido, con todo y que Cahit hasta le aconseja como hacerlo bien.

 

Después de otro interludio musical vemos a Cahit decidiendo que se casara con ella, esta parte es la más cómica de la cinta, como si de una comedia romántica se tratara Cahit va a pedir su mano en una escena hilarante, los novios se casan en una total farsa y empiezan a vivir una vida feliz donde Sibel gana su libertad y Cahit una compañera que lo ayuda a limpiar y a vivir, pero de ahí pasamos al siguiente capítulo donde Cahit y Sibel se empiezan a enamorar, él no soporta verla con otros hombres a pesar de que tampoco es fiel, ella empieza a quererlo y quiere comprender porque es tan infeliz, obviamente esta relacionado con la muerte de su esposa fallecida, y asi comienzan a acercarse, de tener una cena de pareja, a casi hacer el amor lo que consumaría el matrimonio lo que no esta en los planes, a tener celos de todos y de todo, y cuando parece que las cosas por fin se van a arreglar (ya que nosotros sabemos que el cuarentón y la veinteañera son el uno para el otro), tenemos un arranque de ira y celos de Cahit que destruye todo, lo lleva a la cárcel y a Sibel escapando de su familia y tratando de

terminar su vida, hasta que decide esperarlo y se va Estambul donde como si fuera un monje se corta el pelo, usa ropa holgada y toma el aburrido trabajo que le consigue su prima, pero Sibel no soporta y Akin nos lleva por el camino de su autodestrucción en unas escenas dolorosísimas de ver, donde queremos apartar la vista pero no podemos, una violación y un intento de asesinato en una fuerte paliza que le ponen a Sibel en cierto callejón (que además extrañamente no esta falta de humor) y después asistimos a la parte final del filme con un rehabilitado Cahit saliendo de la cárcel, buscando a Sibel, esperándola, y finalmente amándola aunque al final vemos un doloroso final donde Cahit hace una gran muestra de amor porque a ella le debe todo, en esa típica reunión no cumplida cerrada con una maravillosa canción donde los músicos se despiden de nosotros y donde a uno no le queda más que aceptar el gran talento de Akin.

 

Calificación: Excelente

Cinecritica: Carros de Fuego

CARROS DE FUEGO (CHARIOTS OF FIRE, REINO UNIDO, 1981)

Al comenzar la opera prima de Hugh Hudson vemos a un grupo de jóvenes correr por la playa mientras amanece con una felicidad desbordada mientras suena una tremenda banda sonora de Vangelis (Evangelos Odysseas Papathanassiou), la cámara nos los muestra con tranquilidad mientras la escena toma tintes religiosos y después vemos una toma de lejos, por supuesto que creemos que esta popular cinta seguirá en la misma calidad pero no lo logra, es difícil lograrlo ya que la magia de esa escena viene de los sentimientos que despierta y la belleza de la misma, así que después de ver la cinta no entiendo porque tanta algarabía pero de que Hudson la filma con artesanía y corrección no hay duda, de la banda sonora menos, el reparto es impecable y tiene algunas escenas muy emocionantes por lo que tampoco se puede hacer menos esta valiosa cinta.

 

La cinta cuenta la historia del equipo olímpico británico que fueron a las olimpiadas de "Paris 1924" y donde ganaron a pesar de ser considerados amateurs derrotando al equipo olímpico norteamericano que eran profesionales y se entrenaban con los más avanzados métodos, especialmente de dos de ellos, el judío Harold Abrahams (Ben Cross) que no cesara hasta que le demuestre a todos y especialmente a él mismo que se merece un lugar en el país británico, y el cristiano escoses Eric Liddell (Ian Charleson) que corre porque esta convencido de que Dios le dio ese don para complacerlo de esa manera y porque ama su país, es un interesante contraste ya que Harold corre por su propio ego, por el orgullo de su pueblo, por la manera en la que ve su religión, en tanto que Eric corre por sus creencias y para el bien de su religión y la gente que cree en él.

 

Por supuesto que hay algo de critica ahí, Eric es usado para el cristianismo se haga más popular, en tanto que Harold va contra las reglas de Cambridge tomando el sentido común y siendo entrenado por el experto Sam Mussabini (Ian Holm), también los demás integrantes del grupo son interesantes, en especial el Lord Andrew Lindsay (Nigel Havers) que corre porque lo ama, no hay nada que demostrar, solo adora lo que hace y por ello le cede el lugar a Liddell para que tenga oportunidad de correr después de que se rehusó a participar en su especialidad debido a que la competencia sea en día santo, ¿una impresionante muestra de creencias? ¿tirar a la basura una gran oportunidad? creo que depende de cada persona el como se vean a los personajes pero son un contraste interesante y ver ese espíritu deportivo y de deportividad, de superación es un buen discurso, además del placer culpable de vencer al gigante norteamericano en su disciplina preferida.

 

Calificación: Bien

Cinecritica: Habemus Papam

HABEMUS PAPAM (IDEM, ITALIA, 2011)

Película de Nanni Moretti que comienza muy bien pero que se empieza a desinflar de tal manera que cuando llega su escena final que debería ser fuerte, conmovedora y controvertida simplemente resulta el termino de un extraño viaje que nunca supo por donde iba, eso si, la idea inicial es muy buena, el hecho de que el Cardenal elegido Papa no pueda con la presión del puesto y que tenga una serie de ataques es impresionante, sobretodo porque pone a la iglesia en una situación que nadie se esperaría que estuvieran, y se adelanto a algo que aunque muy diferente comparten la idea de dejar el puesto sin esperar a fallecer, claro que mientras la decisión de uno denota fuerza, carácter e inteligencia, la del otro también lo hace pero criticando la manera en la que se elige al santo padre.

 

La primera media hora es increíble, después del fallecimiento del Papa, los cardenales se reúnen para el conclave donde vemos el gran secretismo que se maneja y algunos chistes muy divertidos de periodistas y personas que meten la pata al no saber tratar el asunto, y la elección es hilarante con todos rezando para no ser elegidos hasta que llega el momento en que uno de ellos es elegido, el tranquilo Melville (Michel Piccoli excelentemente agradable) es el ganador de la rifa del tigre y acepta tomar el lugar, todo va bien hasta que cuando va a dar la bendición a los fieles sufre un ataque de nervios tan grave que se ven obligados a llamar al mejor psiquiatra del país (Nanni Moretti) ya que todo se va aplazando cada vez más y el mundo se pregunta que sucede.

 

Hasta ahí la cosa va bien pero cuando el Papa Melville se escapa para poder superar sus problemas que van desde ataques de pánico, nervios destrozados, depresión, y hasta traumas de atención en la niñez, y asi quiere vivir la vida que siempre quiso, ser un actor y vivir tranquilamente ya que no se siente con la capacidad de cambiar la iglesia y llevar la presión de todos los católicos en los hombros, mientras por otro lado los cardenales hacen un torneo de volibol promovido por el psiquiatra, ahí la cosa se va perdiendo cada vez más hasta que llegamos al anunciado final, por lo menos reconozco que Moretti intenta hacer una critica inteligente en lugar de ir por el morbo de escándalos sexuales o comedia fácil.

 

Calificación: Regular

Musica: "BANG A GONG" (GET IT ON) - T.REX

T.Rex - Bang a Gong (Get It On)

T. Rex fue una banda de rock fundada en Londres en el año 1967 por Marc Bolan bajo el nombre original de Tyrannosaurus Rex con el que lanzaron sus primeros cuatro álbumes de estudio con un sonido más cercano al rock psicodélico y al folk rock. A principios de los años setentas y con el nombre reducido a T. Rex alcanzaron la fama mundial y se convirtieron en el primer grupo glam rock de la historia, corriente que posteriormente siguió David Bowie, Sweet, Slade entre otras agrupaciones inglesas.

La agrupación dejó de existir en 1977 tras la abrupta muerte del vocalista y líder Marc Bolan con apenas veintinueve años de edad en un accidente automovilístico. Sin embargo su legado se mantiene con el pasar de los tiempos, siendo llamados una de las grandes influencias para el hard rock, el new wave, el punk y el rock alternativo. Además es una de las pocas bandas de principios de los setentas que obtuvo diez sencillos en los Top 10 en el Reino Unido, gracias a sus muchos éxitos como «Get It On», «Children of the Revolution» y «20th Century Boy», entre otras.

 «Get It On» es una canción de la banda británica de glam rock T. Rex, lanzado en 1971 como el segundo sencillo promocional del disco Electric Warrior, publicado meses más tarde. Obtuvo el puesto número uno en el Reino Unido.

En los Estados Unidos, fue lanzado bajo el título de «Bang a Gong (Get It On)» para no tener confusión con el sencillo de mismo nombre de la banda Chase. Obtuvo el puesto número diez en la lista Billboard Hot 100, la posición más alta para un trabajo de la banda en aquel país.

Durante la grabación del tema, Marc Bolan invitó a los músicos Rick Wakeman en el piano y Ian McDonald del grupo King Crimson en el saxofón. En diciembre de 1971, la banda se presentó en el programa Top of the Pops, en dónde Elton John tocó el piano.

En 1987 y con la celebración de los diez años de la muerte de Marc Bolan, el productor Tony Visconti remasterizó el tema y fue lanzado como sencillo en el Reino Unido, en dónde obtuvo el puesto cincuenta y cuatro en mayo del mismo año. Además en el 2007 se volvió a lanzar en el país británico, dónde volvió a entrar en los UK Singles Chart en el puesto setenta y uno.

Con el pasar de los tiempos distintas bandas han versionado la canción entre ellos Carlos Santana, Blondie, Cinema Bizarre y The Power Station, quién la lanzó como sencillo en 1985.

Lyrics


Live

Cinecritica: Sangre y Vino

SANGRE Y VINO (BLOOD AND WINE, EU, 1996)

Quinta colaboración de Jack Nicholson y el director Bob Rafelson que cumple bastante bien, da lo que promete y de nuevo se me hace raro que nadie la conozca porque no es un producto desdeñable sino todo lo contrario, una muestra de cine negro a la vieja usanza, sin aspavientos ni florituras, ni vueltas de tuerca ni sorpresas que nos hagan darle vueltas al asunto, simple y sencillamente un guión que como en antaño se limita a contar una historia sencilla pero que esconde mucho más de lo que aparenta y con personajes bien planteados que son personas y no cliches, lastima que los personajes tomen algunas desiciones hacia el final que rompen ese sistema de realidad que manejaba el director porque de otra manera quizá estaríamos hablando de algo grande.

Alex Gates (Jack Nicholson en un personaje al dedillo) es un ambicioso vendedor de vinos que tiene una pésima relación con su mujer (Judy Davis) y peor aun con su hijastro Jason (Stephen Dorff) quien no lo puede ver y no quiere trabajar con su padre, prefiere pescar pero quizá cambie de opinión en una entrega donde conoce a la chacha cubana de buen ver Gabriella (Jennifer Lopez mostrándome que sabe actuar) y queda prendado con ella, intenta conquistarla pero no sabe que es la amante de su padre quien a su vez esta usando la confianza de la chica para cometer un robo de un carísimo collar, y para esto lo ayuda Victor Spanski (Michael Caine, luciéndose) un peligroso pero débil maton, uno de esos personajes típicos del genero.

Las cosas marchan a trompicones pero cuando Alex sea atacado violentamente por su mujer quien confunde el viaje de la venta del collar con una salida romántica y al escapar de casa se lo lleva con ella las cosas se complican para todos, la pareja de bandidos busca recuperarlo, Jason decide quedarse con el y se lo esconde a su madre, Gabriella se entera de todo y también ambiciosa el collar, y asi se forman sociedades que muy pronto se quebraran por las ambiciones de cada quien, quienes quieren más fortuna y amor pero que actúan de tal manera que cada vez se alejan más de lo que buscan, al final el final es desesperanzador y como es de esperar nadie se queda con nada, todos pierden aunque al final hayan demostrado que no están completamente perdidos, guardan un poco de humanidad y quizá eso les ayude a recuperarse.

Calificación: Interesante

Cinecritica: Acantilado Rojo

ACANTILADO ROJO VERSIÓN INTERNACIONAL (CHI BI INTERNATIONAL CUT, CHINA, 2009)

El porque de precisar que esta es la versión internacional del filme es debido a que si le tengo que poner peros a esta cinta que marca el regreso de John Woo a China donde ha hecho sus mejores películas es que se sienten algunas lagunas, los cortes de escena son rapidísimos, no hay tiempo de respiro y por momentos no sabemos ni porque estamos en cierto lugar si estábamos en otro, además de que la profundidad de los personajes es muy poca, solo los protagonistas tienen un carácter definido, de los demás no sabemos gran cosa, y creo que esto viene de las temidas tijeras que recortaron la historia original de 280 minutos a una de 148 minutos, ¡prácticamente la mitad! y eso porque originalmente es un díptico, dos películas que duran lo que esta pero que como somos occidentales somos demasiado desesperados y tontos por lo que queremos pura acción y batalla, por ello nos quitan la mayoría de la historia.

 

Por lo demás la cinta es un placer, una cinta de tono épico como las de antaño, con miles de extras, locaciones grandísimas, batallas épicas, héroes al por mayor, estrategias militares y demás fruslerías que solo Peter Jackson había manejado bien en estos tiempos, pero lo cierto es que Woo pasa con alta nota el examen, es impresionante ver como el director logro orquestar de manera fastuosa las batallas, esa primera batalla con la formación de tortuga y la separación de la misma es impresionante, por supuesto que el director no renuncia a sus fetiches, la paloma blanca, los ralentí, etc., al que le moleste esto pues no porque sea una cinta de otro tipo no lo verán, además en lo personal no me molesta esa trama tipo "Troya" donde al parecer los motivos del villano para conquistar el reino es debido al deseo y/o amor por una mujer, y algo que juega a favor de Woo es que los actores de verdad llenan los zapatos de estos héroes legendarios de la historia China.

 

Otro punto a favor por supuesto es el gran presupuesto que tuvo el director convirtiendo la cinta en la más cara de la historia del país, algo que hay que decir, se nota muchísimo, hay cintas norteamericanas que gastan más y se notan menos. La trama va sobre la historia real de la batalla del acantilado rojo que históricamente fue muy importante (y muy interesante de estudiar) donde el primer ministro Cao Cao (Zhang Fengyi, bastante bien) mueve como marioneta al emperador y quiere conquistar los reinos del sur donde los señores de la guerra no dan cuartel, al escapar al sur llegan al reino de Liu Bei (You Yong) y se refugian en el acantilado rojo del titulo donde Zhou Yu (Tony Leung, muy bien) prepara una estrategia junto al asesor Zhuge Liang (Takeshi Kaneshiro, muy bien) para enfretarse contra el ejercito de 800 000 hombre de Cao Cao, de aquí vemos el arte de la guerra, estrategias, formaciones, artimañas, engaños, jugadas mala leche, preparación de armamento, técnicas suicidas, espias, lectura del clima, ataque de diferentes frentes, una ceremonia del te que da paso al climax y una emocionante batalla final.

 

Además los momentos donde no hay guerra también son exquisitos, Zhou Yu entrenando mientras su mujer Xiaoqiao (Lin Chi-ling) hace te con ceremonia incluida, la música que crean Zhou Yu y Zhuge Liang donde se muestra la gran conexión que crean, al final es obvio que la cinta trata sobre estos dos que hace una gran dupla, una amistad que como la preciosa canción de créditos señala traspasa el tiempo, el guerrero valeroso Yu y el estratega pacifico Liang, de hecho Liang es el personaje más interesante de la cinta, un estratega militar que odia la guerra, que no sabe pelear, pero que disfruta las formaciones, la inteligencia, los valores, el arte y que es un genio en lo que sabe. No se puede más que decir que John Woo regreso a casa por la puerta grande.

 

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Hombre Orquesta

HOMBRE ORQUESTA (ONE MAN BAND, EU, 2005)

Interesante corto sin dialogos que regresa un poco a las raices de Pixar aunque el final es demasiado facilon y se ve venir desde el inicio, dirigida por Mark Andrews el director de la fabulosa "Brave" y Andrew Jiménez, la musica es lo mejor de la animación y la estrella de esta, de hecho uno se puede olvidar de la historia y dedicarse a escuchar la soberbia musica.

 

Como si fuera una caricatura clasica los dos musicos callejeros Bass y Treble se pelean en una lucha musical por la moneda que la pequeña Tippy queria tirar en la fuente para pedir un deseo, mucha musica, una niña acosada y asustada y un cambio de depredador al final marcan esta historia.

 

Un corto con grandes ideas pero que al que de todas maneras le falta algo, no sabria decir que pero le falta ese no se que, que que se yo, ah ni yo me entiendo.

 

Calificación: Regular

Musica: Hey Scenesters! - The Cribs

THE CRIBS - HEY SCENESTERS!

The Cribs es un grupo de Post-punk revival formado por tres integrantes: los gemelos Gary y Ryan Jarman y su hermano menor Ross Jarman, provenientes de Wakefield, West Yorkshire,Inglaterra, su ex-miembro Johnny Marr (ex miembro de The Smiths) dejó la banda en enero de 2011.

La banda ha lanzado 3 álbumes, el primero autotitulado The Cribs en 2004 y el siguiente The New Fellas en 2005. Los singles incluyen “You Were Always The One” (#66 en el chart de singles de UK), “What About Me” (#75), "Another Number", "Hey Scenesters!" (#27), y "Mirror Kissers" (#27). "Martell", el tercer single del álbum The New Fellas, fue lanzado el 22 de agosto del 2005 alcanzando el #39. La banda nombró a su tercer álbum; Men's Needs Women's Needs Whatever. "Men's Needs, Women's Needs, Whatever'" fue grabado en Vancouver, BC, Canadá con Alex Kapranos del grupo Franz Ferdinand como productor. El álbum fue lanzado el 21 de mayo, precedido por el single Men's Needs, el 7 de mayo, alcanzando el #17.

El grupo también hizo un extenso tour por Norteamérica con Death Cab for Cutie y Franz Ferdinand en el 2006. Además, su canción "Hey Scenesters!" fue listada por la revista NME en “Los 50 Grandes Himnos Indie de Todos los mejores Tiempos”, ellos fueron una de los pocas bandas contemporáneas incluidas en esta lista.

"Hey Scenesters!" was the first single from English post-punk revival band The Cribs second album The New Fellas. The single charted at number 27 in April 2005, becoming their first Top 40 single. In its year of release, the song was voted the 3rd best song of the year by the NME, Track of the Year by the Metro newspaper, and finished in the top 100 tracks of the year in Rolling Stone in the USA. In May 2007, the song placed 42nd in the influential music paper NME's "Top Indie Anthems of All Time", one of the only contemporary bands included in the list. Drummer Ross Jarman told Mojo magazine that this song was fueled by the band's experiences: "playing Brixton Windmill, full of kids who were only there because they thought it made them look cool."

Video

Cinecritica: Perfume Historia de un Asesino

PERFUME, HISTORIA DE UN ASESINO (DAS PARFUM - DIE GESCHICHTE EINES MÖRDERS, ALEMANIA - FRANCIA - ESPAÑA, 2006)

Aunque no se debería hacer todos lo hacen, y parece imposible no hacer el comentario o como mínimo un apunte, siempre se compara la película con la obra literaria en la que se basa, sucede en menor medida con las obras,los videojuegos y los comics, pero a final de cuentas se hace, no estoy completamente de acuerdo por el hecho de que la fidelidad no es la finalidad al pasarse a este medio, o por lo menos no debería serlo, lo que si veo como valido es decir si quedo por debajo o por encima de la calidad de la obra literaria, y ahí lo siento mucho por el director Tom Tykwer que ha demostrado tener talento y por sus productores y co-guionistas que pelearon por décadas (literalmente) para conseguir los derechos del grandioso libro de Patrick Süskind quien no quería ceder los derechos por pensar que solo el maestro Stanley Kubrick o Milos Forman podrían con el paquete, por desgracia parece que acertó.

 

Y es que si han leído el libro saben que es majestuoso, de esos que se pueden leer una y otra vez descubriendo cosas nuevas y sumergiéndonos cada vez más en el mundo que imagino Süskind, es uno que guardas en tu biblioteca personal pare disfrutarlo cuando puedas, la película aunque valiosa y con algunos momentos muy buenos se pierde en si misma, a final uno entiende la historia porque leyó el libro pero para quien no las situaciones deben ser gratuitas y sin sentido, el volado era difícil, trasladar al cine esta historia era muy complicado y aun asi creo que Tykwer hizo un buen trabajo, apoyado por un reparto de lujo que se esfuerza en todo momento, por una fotografía más que apropiada y por efectos de la vieja escuela que encajan muy bien, pero aun asi nunca se eleva como uno esperaría, algunos segmentos que funcionan de manera perfecta en el libro aquí se sienten raros y no encajan.

 

Para quien no lo sabe la historia trata sobre la vida de Jean-Baptiste Grenouille (Ben Whishaw, muy bien), un genio de los aromas que posee un olfato prodigioso que lo hace ver el mundo de diferente manera, asi el pequeño va pasando de mano en mano, de su madre que es sentenciada, a una mujer aprovechada que es asesinada, a un tratante que muere estúpidamente hasta llegar a ser aprendiz del perfumista Giuseppe Baldini (histriónico Dustin Hoffman) de quien aprende muchos secretos y hace famosos además de descubrir para que nació, que no es otra cosa que crear el mejor perfume de toda la historia que solo puede ser extraído de jovencitas vírgenes justo cuando se abren los pétalos, es así que Grenouille descubre como y comienza a asesinar a jovencitas para después llegar a la cereza del pastel, la encantadora Laura Richis (bellisima Rachel Hurt-Wood) quien es protegida sabiamente por su padre Antoine (Alan Rickman tan bien como acostumbra) pero que no cuenta con todas las cualidades del asesino.

 

Por supuesto que al final la historia da unos giros majestuosos que no funcionan aquí a diferencia del libro por lo que al final decae, pero todo, hasta el enfrentamiento entre asesino y padre funciona de maravilla, en conclusión una cinta valiosa, subestimada a mi parecer, y que carga con la loza de un gran libro.

 Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: El Ataque de Jack Jack

EL ATAQUE DE JACK JACK (JACK-JACK ATTACK, EU, 2005)

Otro tropezon de Pixar y esta vez de la mano del gran Brad Bird, aunque supongo que este corto solo funciona como extra de la pelicula "The Incredibles" de donde ni siquiera es un spin-off como si lo es la de los personajes de "Monsters Inc." aqui se nos cuenta algo que en la pelicula uno tiene que adivinar, una serie de mensajes telefonicos que nos ponen en la pista de lo que esta sucediendo.

 

Increiblemente el corto afecta el resultado, al final me quedo la sensación de que hubiera sido mejor quedarme con la duda, con mi propia versión de que habia sucedido con la pobre niñera que enloquecia cuidando al bebe Jack quien estaba mostrando señales extrañas, obviamente despertando sus poderes.

 

Y la llegada de Sindrome que aqui pues simplemente se siente como relleno, como esas precuelas que nadie pide, o las secuelas donde se explican cosas que no deberian explicarse, aun asi es divertida y tecnicamente impecable por decir poco.

 

Calificación: Regular