Cinecritica: Machuca

MACHUCA (IDEM, CHILE, 2004)

Sin duda la cinta más conocida de Andrés Wood, un melodrama social con tintes politicos en el que el director tiene la sutileza de no tomar partido, solo muestra una historia y lo hace muy bien, asi que por un lado los que quieren historias de crecimiento juvenil lo tendran y los que quieren ver más alla, los serios problemas que tenia Chile con la diferenciación de clases y las batallas que terminaron en un golpe de estado que destruyo las politicas sociales e instalo un regimen dictatorial, lo ironico del asunto es que Chile se estaba cayendo a pedazos y de una u otra forma esto lo salvo, aunque esto costo muchas vidas e injusticias, cada quien puede tomar su lado, su postura, en lo personal no puedo tomar partido porque solo alguien que lo haya vivido en carne propia podria opinar, eso mismo es el niño protagonista de la historia y al final no sabemos su opinión, porque si, en efecto la diferencia de clases destruyo su amistad y su romance pero tambien el regimen destruyo la esperanza que le quedaba, ¿frente a esto que se puede hacer?

 

Gonzalo Infante (Matías Quer, bien) es un chico de clase alta que va a una escuela catolica donde el padre McEnroe (Ernesto Malbrán llevandose la pelicula) ha becado a unos chicos de clase más baja para que puedan asistir, Gonzalo se hace amigo del interesante Pedro Machuca (adecuado Ariel Mateluna) a pesar de la diferencia social, cultural y hasta intelectual entre ellos, asi los dos chicos empiezan a aprender uno del otro, por un lado Machuca descubre que la vida Gonzalo no es tan sencilla con los problemas de sus padres, el peso que carga Gonzalo con el amante de su madre que lo quiere comprar con regalos y el odio que hay contra ellos por parte de los menos afortunados, en tanto Infante ayuda a Machuca a trabajar, conoce a su borracho y abusivo padre, y conoce sus miedos y fracasos, tienen una amistad a toda prueba, no parece que los vaya a separar ni las protestas sociales, ni el desequlibrio del pais, ni las discrepancias entre los otros chicos de la escuela, ni siquiera la adelantada Silvana (Manuela Martelli, bastante bien) a la que no dudan en compartir entre "dulces" besos.

 

Claro que la situación no es tan facil y las diferencias se empiezan a notar, el romance de Gonzalo con Silvana es más serio pero se derriba a las primeras de cambio, empieza a distanciarse de Machuca y el pais entra en crisis, al mismo tiempo su madre no quiere irse del pais con su padre y cuando llega el golpe ya nada vuelve a ser igual, los militares sacan la padre McEnroe de la escuela y en un pesimista final las cosas se salen de control en la visita militar a los barrios pobres, ahi donde Gonzalo es salvado por unos tenis adidas, donde acaba una amistad que nunca debia ser como ya lo sabiamos. La manera natural de narrar la historia es lo mejor de Wood, claro que tambien tenemos dos imagenes de antologia, por un lado la postal de un terreno vacio donde antes estaba la "barriada" y la nueva casona en la que vive Gonzalo gracias a su guapa madre y el ex-amante de esta.

 

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: El Crimen del Padre Amaro

EL CRIMEN DEL PADRE AMARO (IDEM, MÉXICO, 2002)

En el ya lejano 2002 hubo una pelicula que levanto infulas en el pais, por supuesto me refiero al quinto (¿o sexto?) largometraje del talentoso Carlos Carrera basada en la novela de Eca de Queiroz, los grupos ultraconservadores se lanzaron con todo contra ella y las televisoras decidieron dar sus juicios (¿cuando no?) diciendo que era inmoral y que nos criticaba a todos, como el gobierno la habia co-producido y no podia permitirse no pasarla debido a que con ello la cosa se saldria más de control decidieron mostrarla a los altos mandos catolicos y la cinta finalmente vio la luz, lo que sucedio despues era de esperarse, como mexicanos somos de los más morbosos del mundo y manejamos una doble moral que roza el ridiculo, por ello el escandalo solo hizo que todos fueran a verla convirtiendola en una de las peliculas mexicanas más taquilleras de todos los tiempos a pesar de que todos se quejaban de ella, dejando de lado el escandalo la cinta es muy recomendable, con una historia impecable y una buena dirección.

 

El joven padre Amaro (Gael Garcia Bernal muy blando, el punto debil de la cinta) llega a hacer sus practicas con veinticuatro años a un pueblito con el padre Benito (Sancho Gracia, muy bien), pero las cosas no son tan sencillas como pensaba, rapidamente se da cuenta de que el padre Benito tiene una relación muy cercana con La Sanjanuera (Angélica Aragón, bastante bien en lo poco que sale), asi mismo Benito tiene relaciones y amistad con el narco mayor "El Chato Aguilar" a quien le bautiza el niño, se divierte en sus fiestas y hasta se engolosina con el dinero del "diezmo" que le da, por el otro lado de la moneda tiene al padre Natalio (Damián Alcázar, excelente como de costumbre) quien esta en la sierra y comenzo una guerrilla para combatir a los narcos que afectan y golpean a sus feligreses, obviamente al "Chato", cosa que no le agrada al obispo (Ernesto Gómez Cruz totalmente detestable en su papel obispal) que ve un problema de ingresos y publicidad en él.

 

Mientras toda esa guerra sucede con él en medio, Amaro no puede quitarle los ojos de encima a una niña de 16 años, la angelical y virginal Amelia (Ana Claudia Talancón, bien y viendose preciosa como siempre, la eterna lolita) tampoco es una perita en dulce y se lo demuestra a Amaro cada vez que puede, se le insinua y confiesa que se masturba con pensamientos extraños por decirlo de una manera, como Amaro es todo menos santo aprovecha y lleva a Amelia a la cama, las cosas son perfectas hasta que Benito lo descubre y Amelia se embaraza, pero como ya sabemos con lo que hemos visto, Amaro es ambicioso y no le importa sobre quien tiene que pasar o a quien tiene que pisotear, por lo que no le importa enfermar a Benito, abandonar a Natalio o hacer que Amelia aborte porque nunca se va a casar con ella, ¡ahora que esta tan cerca de ascender! las cosas no salen como Amaro las planea, ¿pero eso importa? solo es un traspie, se siente culpable pero no se detendra y menos aun cuando en el pueblo ya se corrio la historia de que intento salvarla porque el maldito ex.novio la embarazo, da miedo saber cual es el verdadero crimen del padre Amaro que no es enamorarse de una mujer (¡eso no es pecado por dios!) sino lo que hace por ambición, como se corrompe, y da más miedo aun pensar que eso puede pasar, o pasa. Por desgracia García no puede con un papel asi y su interpretación le baja creditos a la cinta, aunque sin él no hubiera recaudado tanto.... y es interesante que el escandalo sea por las escenas sexuales ¿y toda la corrupción que se muestra de la iglesia? ¿eso no les dolio? ¿o simplemente lo aceptaron? Lo mejor de la cinta, las interpretaciones de todo los demás y algunas lineas imperdibles.

 

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: El Último Hombre

EL ÚLTIMO HOMBRE (THE LAST MAN STANDING, EU, 1996)

Conseguida historia de Gangster con aires a Western y si nos vamos más atras al cine de samurais ya que la historia es de Kurosawa, asi que en ese pueblucho tierra de nadie llega un hombre escapando para verse de pronto envuelto en la pelea de las dos bandas rivales, resulta interesante que este filme de Walter Hill sea practicamente desconocido no tanto por la fama del director sino porque el protagonista era un Bruce Willis que en esos tiempos era amo y señor de las cintas de acción, y vaya que aqui hace uno de esos tipos duros que ni siquiera pestañean ante nada y pueden matar decenas de hombres en una balacera de la que solo saldra levemente herido, tampoco es que sea una gran cinta pero para pasar el rato es estupenda, un plato de palomitas, un refresco grande y a dejarse llevar por una historia repetitiva pero interesante con un villano que se lleva las palmas, por supuesto no me refiero a los dos debiles jefes mafiosos sino al despiadado maton interpretado por Christopher Walken.

 

La historia como comente antes ya la hemos visto cientos de veces, las historias de Kurosawa han sido usadas una y otra vez, la mayoria de las veces sin darle el credito, como ejemplo la tan famosa "Star Wars", asi que un anti-heroe solitario y rudo (Bruce Willis haciendo un papel que le queda al dedillo) llega a un pueblo sin ley en el que dos bandas de mafiosos estan peleando por el poder, se mete en una riña y como es muy bueno disparando lo contrata una de las bandas, a partir de este momento el John Smith de Willis juega al gato y el raton con las dos bandas, se va con unos, se cambia con los otros, se vende al mejor postor, traiciona, mete cizaña, pero comete un error porque se interesa en salvar a la mujer trofeo de uno de ellos, mientras que el maton Hickey (el mencionado Christopher Walken viendose tan frio como de costumbre) no confia en él y le pone trampas.

 

Asi las cosas hasta que llega el consabido final donde obviamente Smith logra liberar al pueblo y a la chica, quiza a costa de su vida, de cualquier manera ya hizo leyenda y se convirtio en un heroé. Además de que todo ya esta muy visto la puesta en escena de Hill en algunos momentos entorpete la historia, pero de cualquier manera merece la pena una revisada y más aun si la comparamos con las ridiculas cintas de acción actuales.

 

Calificación: Vale la Pena

Trailer: Cosmopolis

Trailers de Cosmopolis, el protagonista es Pattinson lo cual me da mucho miedo pero tengo que darle la duda a Cronenberg aunque creo que solo lo uso por la ridicula fama de la que goza ahora, espero equivocarme:

 

Primer Trailer

 

Segundo Trailer

Musica: Slow Ride - Foghat

FOGHAT - SLOW RIDE

Foghat es una banda británica de hard rock movido y boogie-blues, originaria de Manchester formada en 1971, que no sonaba tan distinta de lo que es Nazareth. Aunque los integrantes de Foghat venían de unos inicios que se manchaban por el blues britanico de raíces, el cuarteto no tarda en romper los moldes a golpe de boogie rock. Así, en un temprano 1972, se ponen bajo la atenta mirada y las manos del productor Dave Edmunds. Genio de los controles que en su día dio gloria a la carrera de Elvis Presley, ahora esparcía su sabiduría sobre unos tipos que querían comerse el mundo con cada uno de sus guitarrazos.

Tras formar parte de Savoy Brown, el cantante y guitarrista “Lonesome” Dave Peverett (nacido el 16 de abril de 1943), el bajista Tone Stevens y el batería Roger Earl, junto al guitarrista Rod Price, formarían esta banda de hard-rock y boogie rock en 1968, Foghat, conjunto británico que curiosamente resultó mejor recibido en los Estados Unidos que en su propio país, especialmente gracias a sus interpretaciones en directo.

Slow Ride es una canción escrita por "Lonesome" Dave Peverett y grabada por el grupo de rock Foghat, apareciendo por primera vez en su disco "Fool For The City" (1975), ha sido su más grande hit alcanzando el lugar número 20 de las listas de Estados Unidos. También aparece en Foghat Live (1977), que fue su álbum más vendido con más de dos millones de copias. En 2009 fue nombrada la 45° mejor canción de VH1 Greatest Hard Rock Songs. Hay 4 versiones de esta canción en el mercado. La versión original del LP de "Fool For The City" dura 8 minutos y 14 segundos. La única versión, que se encuentra en varias recopilaciones se limitó a 3:56 con un fade-out final. La versión de 1977 en vivo es 8:21 y la de 2007 de 9:44.

Versión corta con lyrics (gracias a Rocktiger25)

Versión original o sea la studio version (gracias a SecondHelping74)

Vivo (gracias a danielpradosh)

Cinecritica: Insomnia

INSOMNIA (INSOMNIA, EU, 2002)

La tercer pelicula de Christopher Nolan es tambien una recomendable cinta que se eleva por encima de la media debido a una buena historia y a una muy buena ejecucíón, y como de costumbre Nolan muestra obsesión por los personajes obsesivos, esta vez un detective al que su conciencia no le deja descansar y pasa dias sin dormir, de ahi el nombre de la cinta, y tambien del psicopata asesino que no descansa hasta lograr dominar y ganar el duelo con el tenaz detective, y es ahi donde la cinta realmente se levanta y se separa de otras con temas similares, en la batalla intelectual y psicologica entre los dos bandos, los dos lados son ambigüos y en algun punto los dos son complices, es decir que finalmente son humanos, pero lo más importante de todo es que aun dentro de nuestra naturaleza humana somos diferentes, tenemos diferente moralidad y manera de pensar y decidimos actuar de manera diferente, y eso es lo que muestra quienes somos en realidad, nuestrar acciones, por ello al final el personaje de Pacino se gana nuestro empatia, porque toma el camino dificil en lugar del sencillo de su nemesis.

 

En un pequeño pueblo de Alaska llegan los habiles detectives Will Dormer (Al Pacino, muy bien) y Hap Eckhart (Martin Donovan sirviendo de herramienta principal de la historia), ahi en el fin del mundo los detectives tienen que investigar el asesinato de una joven, algo rarisimo en ese lugar, y más aun lo es la forma en que aparecio el cuerpo, arreglado de manera impecable y totalmente limpio, por fortuna Will es un experto y rapidamente arma una estrategia para atrapar al asesino pero todo se complica cuando su compañero le confiesa que va a aceptar el trato de los de asuntos internos quienes estan muy interesados en algunos de los casos de Will, si se descubriera que en uno de ellos planto evidencia o algo no cuadra todo el trabajo de su vida se iria al pozo, inmediatamente todos los delincuentes que arresto quedarian libres gracias a los abogados y al resquicio que se abriria, a partir de ese momento Will no podra dormir debido a la preocupación, el mundo se le viene encima y no puede con tanto.

 

Al dia siguiente la estrategia que armaron resulta y acorralan al asesino pero en medio de la corretiza y los tiroteos Hap resulta herido y muere, el problema es que Will piensa que el le disparo, o que podria haberle disparado, asi que con la conciencia intranquila debido a que posiblemente mato a su compañero, con el problema de asuntos internos, la investigación policial que hace la agente Ellie Burr (Hilary Swank) de la muerte de Hap, la presión del caso de la chica y de que nunca se pone el sol simplemente no puede dormir, mientras pasan los dias la situación se vuelve más pesada y despues del cansancion vienen las alucinaciones, los delirios, las sombras que no se saben si son del cansancio o de la conciencia, mientras que el asesino (Robin Williams, muy bien) sabe la verdad del tiroteo y chantajea de habil manera a Will mientras Ellie empieza a descubrir lo raro del caso, y Nolan me gana con su personaje obsesivo y con un villano inteligente que no solo es un cliche, lo mejor del filme es Pacino que nos convence de que no duerme y se desmorona poco a poco, hasta uno siente la desesperación.

 

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Vaselina

VASELINA (GREASE, EU, 1978)

Tenia tiempo que no reseñaba un musical y esté es un placer culpable, lo acepto, me gusta "Vaselina", un musical que hace homenaje al mismo tiempo que parodia las cintas juveniles de los cincuenta y sesenta, con una pareja protagonista con mucha fuerza y con actores que resultan perfectos para los papeles, uno tiene que ser un verdadero amargado para no disfrutar esta historia de amor juvenil en el que el duro y "cool" Dany quiere recuperar a la angeical Sandy, rock and roll, carreras de autos, diferencias de moral, pedazos de relleno que no avanzan la historia pero entretienen, peleas, carreras de autos, competencias de bailes, los movimientos de cadera de Travolta y la sonrisa angelical de Newton-John que despues (¿como no?) se transforma en una parte final de antologia donde cada uno cambia un poco para aceptar los defectos y las maneras del otro, una verdadera muestra de amor mucho más grande que los ridiculos ñoños sacrificios amorosos del cine de hoy en dia.

El "cool" Dany Zuko (John Travolta consolidandose como estrella) se pasa todo el dia viendose bien, conquistando chicas y peleando con bandas rivales, pero en el verano conoce una chica que de verdad le roba el corazón, con ella se comporta de forma diferente, la enamora y viven un romance de verano, la pura y angelical Sandy (Olivia Newton-John perfecta en el papel) quedo ensimismada con él, claro que todo eso ha pasado, o por lo menos eso cree Dany hasta que se encuentra con Sandy quien fue transferida a su escuela, claro que Dany no puede dejar que lo vean comportarse como un adolescente enamorado asi que cuando Sandy va deslumbrada a su encuentro se porta como acostumbra, como un patan, Sandy no lo cree pero se convence de que Dany solo actuaba y sigue adelante a pesar de lo que siente, para Dany no es tan sencillo y decide recuperar a Sandy cueste lo que le cueste.

Una historia de amor con crecimiento juvenil que se siente real y que tiene algunos momentos realmente buenos, algunas canciones son tan pegadizas que se quedan en la memoria al igual que los bailes, o por lo menos los de Travolta que al igual que en su cinta anterior se da vuelo cada vez que puede, la manera en la que Dany intenta recuperar Sandy a como de lugar, dejando atras su fama y hasta metiendose en deportes y poniendose una camisa fresa, claro que lo de Sandy es todavia mejor, la transformación de Olivia Newton-John al final de la cinta con esos pantalones de cuero pegados es magnifica, asi cualquiera le promete cambiar con tal de tenerla a un lado, y tambien su lado tierno es magnifico ¿que más se puede pedir? la canción que sigue a la transformación es buenisima, al igual que la romantica cantada en dos partes, y el baile de graduación con un Dany tan patan como de costumbre que mueve las caderas como el mismo diablo, jaja, diversión pura y sana nada más, lastima que aqui no gusten los musicales pero la recomiendo ampliamente. Lo mejor, Newton-John y Travolta claro esta.

Calificación: Bastante Bien

Fruslerias: Alcohol ¿Amigo?

Para que ahora que van a dar el grito no se vayan a pasar de copas, no vaya a ser que reciban unos de esto "asombrosos" consejos.

 

Musica: Cat Scratch Fever - Ted Nugent

TED NUGENT - CAT SCRATCH FEVER

Theodore "Ted" Nugent (13 de diciembre de 1948) es un guitarrista de Hard rock originario de Detroit, Michigan. Originalmente saltó a la fama como el líder de Amboy Dukes. Su estilo a la guitarra es deudor directo del estilo de Rory Gallagher, Jeff Beck, Jimi Hendrix, Jimmy Page y los grandes guitarrista negros del rock y blues sureño, fusionado con el tradicional Country americano; habitualmente también se pueden apreciar en su música pronunciadas influencias del Soul.

 

Su vestuario y sonido rockero glamouroso dieron una de las bases al tan, posteriormente, popular en los años 70's y 80's glam metal o hard rock y heavy metal, siendo Ted, juntamente con Eddie Van Halen y otros, uno de los precedentes de este estilo musical y cultural. Se caracterizó por salir al escenario con pieles que recordaban a la vestimenta de un hombre de las cavernas; asimismo, sus discos incluían un característico trabajo de portada, apareciendo en uno de ellos con dos mástiles de guitarra fusionados en sus brazos ("Scream Dream"), y en otro con el mástil de su guitarra transmutado en el cañón de una ametralladora ("Weekend Warriors"). A menudo su disco en directo "Double Live Gonzo!", es considerado como la pieza básica de su discografía. Se trata de un ejemplo de los extensos álbumes en directo que eran publicados en 1977 con gran aceptación comercial ("Alive", de Kiss, "Live Bootleg" de Aerosmith); una de sus frases, pronunciada en un show en Nashville, hacía una referencia explícitamente sexual a las chicas de la localidad, y daría posteriormente el nombre a la moderna banda de rock Nashville Pussy (literalmente "Coño de Nashville.

 

"Cat Scratch Fever" is a rock song by Ted Nugent that appears on the album of the same name. The song is well known for its signature riff, which is a 3-tone "blues scale" melody harmonized in parallel fourths. The song is about a man chronicling his long history of promiscuous sex, and lamenting his inability to control himself or the women he has sex with, and vice versa. The main reason for his lament is that his active sexual lifestyle results in him getting "Cat Scratch Fever"; however, the narrator does gleefully and explicitly (if somewhat resignedly) describe the pleasure he gets from the sex. The song makes heavy use of cats and their claws scratching things and people as sexual metaphors. The meaning of "Cat Scratch Fever" is more or less left open to the listener's interpretation, but general consensus is that the line refers to the sexually transmitted disease syphilis, as "cat scratch fever" was a common street slang term for the disease in the '70s and the song mentions "[going] to the doctor" and that "you know you got it when/you goin' insane/It makes a grown man cry"; syphilis has been known to cause insanity.

 

Lyrics (gracias a falcige)

 
 

Live (gracias a Valhalla70s) 

Cinecritica: 13 Asesinos

13 ASESINOS (JUSAN-NIN NO SHIKAKU (13-NIN NO SHIKAKU (13 ASSASSINS)), JAPON, 2010)

Otra pelicula desconocida y subvalorada de una esplendida calidad, el prolifico Takashi Miike nos regala una pelicula de samurais actual con un sabor de época, hay que agradecerle al director que no se vaya por el esquema actual de modernizar todo y que en lugar de eso haya hecho una pelicula donde las peleas son cuerpo a cuerpo, los actores aprenden sus movimientos y hacen sus acrobacias, haya sangre a borbotones que no es digital lo cual se ve muchisimo más real y resulta más satisfactorio, y que no haya metido apologias actuales, vamos que hasta el lenguaje usado en la cinta es un japones más antiguo, al final la pelicula da una sensación al cine japones antiguo, al de Kurosawa guardando sus obvias proporciones, donde lo más interesante no es solo ver quien se ve "cool" sino admirar y horrorizarse de la brutalidad de la batalla, antes apunte que al cinta es de samuraris pero en realidad no es asi, solo es un termino que se podria usar, no todos los 13 asesinos del titulo son samurais pero la razón por la que se separa más de este termino es que la cinta narra la emboscada de estos 13 en un pueblo montañes para asesinar a cierto dictador burocrata sadico y despiadado aun en contra de su lealtad al shogunato.

 

En si la historia no es compleja, ni rebuscada, trata sobre los 13 del titulo quienes tienen que matar a un sadico burocrata familiar del shogun (Goro Inagaki totalmente despreciable), asi que mientras el habil samurai Shinzaemon (Koji Yakusho, muy bien) es convencido de ejecutar el asesinato se nos muestran muchas de las atrocidades que hace Naritsugu lo cual hace que lo odiemos, en tanto Shinzaemon tambien se siente emocionado por tener una nueva mision, como el Lord siempre viaja con un mundo de guardaespaldas no podria solo por lo que comienza a reclutar un grupo que le ayude, asi se le une su sobrino aficionado al juego, un ronin que solo quiere sepultar a su mujer y vivir bien lo que le queda de vida, su mejor alumno y el discipulo de esté, dos samurais novatos más y unos sirvientes que se especializan en explosivos, samurais de la vieja escuela y hasta un hombre que vive en el bosque que bien pudiera ser un espiritu del bosque, de aqui pues solo sigue ver los acontecimientos hacia su cantado fin.

 

Pero mucho de eso es parte del encanto del filme, para los que les aburren tanta critica social hacia el shogunato y parte de la lealtad sin pensar japonesa asi como todos los simbolismos y reflexiones filosoficas Miike preparo más de una hora de batalla, una pelea final apoteosica que se extiendo muchisimo pero que nunca aburre, cuando no hay una trampa con toros en llamas llega una lluvia de flechas, explota una casa, cae una trampa que empala a unos cuentos y finalmente la pelea cuerpo a cuerpo, espada con espada de los 13 (12¿?) mencionados contra el ejercito del dictador, ya antes en la cinta hay otras cuantas peleas pero lo que se nos muestra aqui es impresionante, ya quisieran los directores americanos lograr una batalla asi, con tanta sangre, tanta precisión, tan real, y sin arrebatos de grandeza, Miike no usa musica, quiere que nos empapemos de los sonidos de choque de espada y de cortes con sangre volando, la muerte les llega a los heroes por igual, sin alardes, mueren de cansancio, los atacan por atras, simplemente pierden, o ni siquiera se ven, el director quiere que sepamos que no hay muertes diferentes o dignas, a todos no llega igual. En cuanto a los extras del dvd, al algunas escenas interesantes y en la entrevista nos dice que en realidad Kiga Koyata (Yusuke Iseya) si estaba muerto no se le olvido que lo habia matado, jaja, una escena filosofica de amplia interpretación. Lo mejor del filme la manera cruda y fria en que Miike nos narras la batallas final claro esta.

 

Calificación: Muy Bien