Lo Mejor del Mes: Marzo 2011

Este mes hubo muy buenas peliculas en cartelera, hasta una mexicana, en cuanto a casa vi cosas buenas pero la mayoria no valio la pena (se oye como mentada), el prometedor comienzo de unas cronicas que se derrrumbaron, la trilogia (proximamente tetralogia) de los dinosaurios de Spielberg que por desgracia solo la primera merece mención, algún remake, una buena pelicula a la antigüita que paso sin pena ni gloria por cartelera, la fallida cinta de Eastwood, etc:

Lo Mejor en Cine.... "Cisne Negro" de Darren Arnofsky y "Presunto Culpable" de Geoffrey Smith y Roberto Hernandez, no pude decidirme entre estas dos excelentes cintas, por un lado "Cisne Negro" es una paranoia que cae en excesos ridiculos y aun asi me gusto y me convencio, bien por Aronofsky que consiguio la mejor cinta de su filmografia y por Portman que esta esplendida, por otro lado un documental mexicano que no solo tiene un tema que debe verse sino que esta filmado con una maestria que se siente rara viniendo del cine nacional, sus personajes parecieran sacados de un libreto de ficción y el juicio parece una alucinación bien jalada, por eso resulta más increible que todo sea real.

Lo Mejor en Casa.... "Parque Jurasico" de Steven Spielberg, la unica cinta de los dinosaurios que causaron furor es la unica que sin ser una excelsa cinta por lo menos es muy entretenida y filmada por Spielberg de manera sencilla y dinamica, al estilo Spielberg pues, con personajes sencillos, casi cliches pero aun asi entrañables, una cinta de aventuras que viene a ser como un Indiana Jones light, aunque claro esta, muuuy light.

Lo Peor.... "Wall Street: El Dinero Nunca Duerme" de Oliver Stone, churrazo infumable que no solo es aburrida hasta morir, sino que su mensaje es estupido y peligroso, los personajes cometen estupideces hasta hartarse y no reciben su merecido, la dirección de Stone da pensa ajena, y lo peor es que destruye la mistica de la primera cinta.

Mención Honorifica.... "Tron" de Steven Lisberger, la cinta de culto nerd todavia se mantiene, ha envejecido con estilo pues, su manejo de la ciencia ficción, sus guiños a algo más profundo, el mensaje siempre actual y el entretenimiento la siguen haciendo vista obligada, además los efectos debieron hacer furor en la época, y el protagonista no es el pelele, cool, y guapeton que ahoga el cine en la actualidad, Flynn rifa como la mayoria de los protas de tiempos pasados.

Cinecritica: Morenita

MORENITA (MORENITA, MEXICO, 2009)

La opera prima de Alan Jonsson Gavica es un interesante thriller que vale más que la polemica que desato en su momento, claro que todo el asunto les debio haber ayudado bastante ya que fueron justamente ellos los que le echaron leña al fuego con delcaraciones y con el cartel de la cinta (junto con otros que siempre no salieron), pero contrario a lo que se podria pensar la pelicula es bastante respetuosa con la imagen de la Virgen, inclusive hacia el final se decanta por un moralismo religioso que a final de cuentas viene a ser parte importante de la cinta, no puedo evitar pensar que muchas personas la han visto por morbo o esperando un ataque a la religión, los dos grupos van a quedar muy decepcionados pues no hay nada de eso sino que al contrario la cinta no pasa de ser un thriller interesante pero que por alguna razón nunca acaba de cuajar.

Y de que va? La historia no es creible, y de hecho nunca lo quiere ser, simplemente quiere contar una thriller que funciona como critica al narcotrafico que tanto daño a hecho en el pais especialmente en los últimos años, Santiago (Ignacio Lopez Tarso), jefe de mantenimiento de la basilica sufre un infarto y por ello su nieto Mateo (Horacio Garcia Rojas) se ve obligado a trabajar para el narco "El Pinto" (Everardo Arzate) pasando droga por medio de unas palomas, pero las cosas salen mal y el narcotraficante amenaza con matar a él y a su familia a menos que le consiga el dinero, en la desesperación Mateo y Santiago deciden robar la imagen de la morenita con lo que despiertan el odio de todos los creyentes mientras esperan el dinero del rescate para saldar sus deudas y lidian con un corrupto policia (Dagoberto Gama) quien pide mochada y les recomienda pedir más lana.

Asi la historia se mueve hasta el obvio final, con el narco y la policia corrupta recibiendo su merecido mientras Mateo y su devota mujer Magdalena (Maya Zapata) le piden perdon a la imagen antes de regresarla. Por desgracia la cinta no convence, no solo por algunos errores que no pueden pasarse por alto, sino por el tiempo de la cinta, no quiero decir que esta mal el hecho de que dure hora y media sino que todo pasa demsiado rapido, las conversaciones, los cortes, las escenas, estamos en medio de la platica del robo y un segundo despues ya tienen la imagen en las manos, o Mateo le dice a su familia que salgan de la casa y en la siguiente imagen vemos a Mateo llegar casa viendo lo que quedo de la batalla, esa es la principal baza de la cinta, este ritmo rapidisimo que además choca con algunas escenas como en las que salen las palomas volando y volando por el cielo, aunque no es un completo desastre, la historia aunque demasiado sencilla y usada ataca al narco, a la policia, al gobierno, etc., de hecho la mejor escena de la cinta es cuando "El Pinto" llama para cooperar con el rescate de la morenita al mismo tiempo que suelta madres contra los secuestradores, claro, el mata y tortura a cientos o miles de personas pero es religioso ¿con eso le alcanza para llegar al cielo no?

Calificación: Palomera

Cinecritica: Tron

TRON (TRON, EU, 1982)

Recuerdo que en mi infancia veia Tron cada vez que la programaban en televisión abierta, la mayoria de las veces la pasaban los domngos por la mañana y aunque tenia ciertos recuerdos de la cinta, y sabia que me habia entretenido mucho, solo recordaba ciertos momentos de la cinta, y aunque recordaba la trama en general no lo hacia de manera detallada, asi que antes de ver el remake, mejor dicho secuela de esa pelicula de culto tenia que ver la cinta original, lo que puedo decir de ella es que me entretuvo a raudales y aunque la historia es sencilla la verdad es que esta mucho más pensada que la mayoria de los blockbusters actuales, en cuanto a los efectos especiales debo admitir que aunque han envejecido lo han hecho muy  bien, uno los ve y sabe que las imagenes por computadora son impresionantes para ser de ese año, y que todos los efectos que tiene la cinta estan hechos de manera extraordinaria, la mayoria de ellos artesanalmente, y se agradece especialmente que tenga ese aire de cinta de aventuras de antes.

Y de que va? Flynn (Jeff Bridges divirtiendose de lo lindo) es un programador de videojuegos que ahora tiene un negocio de arcadias debido a que fue sacado de la empresa donde trabajaba, donde además el empresario Dillinger (David Warner) le robo al patente de sus trabajos, Flynn decide entrar a la empresa para sacar las pruebas de que él creo esos juegos, es ayudado por Alan (correcto Bruce Broxleitner) y su ex Lora (Cindy Morgan, hermosa) quien ahora es pareja de Alan, juntos se infiltran en la empresa donde todavia trabajan los otros dos, pero el programa "Control Central" ahora maneja todo, incluido a un disminuido Dillinger, el programa mete a Flynn dentro del sistema donde una extraña versión de Gladiadores futuristas sirve para que "Control Central" se divierta al mismo tiempo que destruye a los programas, y tiene una dictadura para que nadie se entrometa en su plan de dominación del mundo.

Para ello va a controlar todas las computadoras y se hará con el control militar del mundo, a este lugar llega Flynn quien junto con un programa muy poderoso llamado Tron (Boxleitner otra vez) se enfrentan con el programa dictador y el programa Sark (Warner versión byte), y son ayudados por Yori (apetitosa Morgan versión 10.0). La cinta no pasa de ser una cinta de aventuras con un toque de ciencia ficción, cierto que los efectos son impresionantes para su tiempo, y aunque la historia es sencilla sigue teniendo tanta valia como en aquel tiempo, la pelea contra la opresión, el robo, la codicia, el valor de la amistad y hasta algunas cosas que no son tan directas, como la represantación del amor que Flynn siente por Lora por medio de su manera de tratar a Yori, ya no puede mostrarle a aquella lo que siente, ¿por que no a la representación computarizada de ella? por otro lado el final sigue sintiendose muy apresurado, y el sacrificio cristico de Flynn no queda muy claro, una de las cosas primordiales por las que me gusta es que como buena cinta de antes sabe que su función es entretener por lo que no se toma muy en serio no como ahora, y el personaje principal es muy carismatico, pero tengo claro que para disfrutarla completamente se ocupa ser geek y friki, y aceptar que aunque eso no puede pasar por lo menos tiene cierta logica nerd.


Calificación: 8.45 - Bastante Bien

Reseñas Manga: Marmalade Boy # 4

MARMALADE BOY # 4 (MAMAREDO BOI # 4)

El cuarto tomo se me hizo larguisimo, la parte de Yuu y Miwa se hace muy pesada, claro que el guiño a la pareja homosexual con Miki muriendose de celos resulta divertido pero ya que eso queda desmentido simplemente queda una insegura Miki que aunque divertida no deja de parecer muy tonta (luego dicen que porque sigue el machismo), en tanto Yuu es el hombre perfecto y sigue sin convencerme su diseño, parece más niña que cualquier otro personaje femenino de la serie, lo bueno es que comienza una nueva relación entre Miwa y Meiko, o por lo menos este echandosele encima.

La cosa siempre mejora cuando aparecen en escena los personajes secundarios, como Arimi, Ginta y el primo de este, por desgracia en este tomo salen a cuenta gotas y lo del padre de Yuu nunca logra ser tan interesante, se esta cayendo la historia, espero que ya saque el paracaidas.

Calificación: 6.4 - Regular

Musica: November Rain - Guns N' Roses

GUNS N' ROSES - NOVEMBER RAIN

November Rain es una de las más famosas canciones de Guns N' Roses, escrita por Axl Rose. Tan conocido como la propia canción, quizá una mayor atención se le ofrece al vídeo musical, el cual, cuando fue lanzado en 1992, rápidamente se convirtió en el más solicitado en la MTV, y ganó el MTV Video Music Awards a la mejor Cinematografía.

Como lo revela Chris Heath en su libro "Pet Shop Boys contra América", cuando Axl Rose en el backstage se encontró con la banda británica en su gira americana de 1991, la canción estaba inspirada parcialmente por la canción de los Pet Shop Boys "My October Symphony", la cual apareció en su álbum de 1990 Behaviour. Sin embargo, las primeras demos de November Rain han circulado entre los coleccionistas desde 1988. Salio en el puesto 2 de las 1000 mejores canciones de todos los tiempos segun la revista Q Music y en el puesto 6 de las mejores canciones que incluyen a los mejores solos de guitarra de la historia.

«November Rain» aparece en el álbum «Use Your Illusion I», con 9 minutos 12 segundos de duración, y en concierto la canción dura hasta 15 minutos, es una de las canciones más largas no solo de ese álbum, sino también de las que Guns N' Roses ha grabado. Casi todas puestas en escena de su tour incluían una orquesta para la puesta en escena de la canción, destacar el directo de 1992 en el MTV Video Music Awards. Se sospecha que es la Sinfónica de San Francisco, no obstante no hay ningún hecho para sustentar esto. Es además la canción más larga en llegar al top 20 del Billboard Hot 100. En la radio, November rain es a veces tocada en una versión acortada de aproximadamente seis minutos, sin embargo muchas estaciones de rock clásico aún continúan poniendo la versión completa. «November Rain» también ostenta la interpretación del solo de guitarra más largo en un Top 10 de US. Esta canción esta en lista como la número 6 en Los 100 Mejores Solos de Guitarra de Guitar World. «November Rain» fue la número 1 en la Rock 1000 - 2006, una lista de las 1.000 canciones de rock por los oyentes de radio en Nueva Zelanda.

Según Tracii Guns, guitarrista y miembro fundador, Axl Rose había estado trabajando en la canción desde al menos 1983, en una entrevista, él dijo lo siguiente sobre November Rain:

Cuando estábamos haciendo ese EP para L.A. Guns, como... 1983?? él estaba tocando November Rain, y se llamaba, de hecho, November Rain, en piano. Era la única cosa que sabía tocar, pero era suya. Continúa diciendo "algún día esta canción será realmente buena", y yo dije "es buena incluso ahora, pero no está terminada", solía decir, siempre que estábamos en un hotel o donde sea, ahí estaba el piano. Yo decía "¿cuándo terminarás ya de tocar eso?" y él dijo: "No sé que hacer con ella"

November Rain, «Don't Cry» y «Estranged», forman parte de una famosa triologia inspirada en la corta historia "Without You", de Del James. November Rain es la segunda parte de la serie, y muestra a Axl y Seymour casándose, y después la muerte de Seymour. Don't Cry es la primera parte de la trilogía. Finalmente «Estranged», que sería la cuarta parte de la trilogía, ya que la tercera parte nunca fue realizada por la ruptura de Stephanie Seymour y Axl Rose en la vida real, pero aun así al ser tres vídeos se le considera como una trilogía, uno de sus mejores trabajos.

November rain está basada en la historia corta "Without You" de Del James, disponible en el libro The Language of Fear. Esa historia corta está inspirada en Axl Rose (En la historia Mayne) y su relación con su ex-esposa Erin Everly (En la historia Elizabeth), y describe en él la miseria de una estrella de rock profesional influenciada por el Blues, con millones de discos vendidos y que al parecer tiene todo, pero cosas tan sencillas como el amor y la felicidad no puede encontrarlas. Deja a su antigua novia un mensaje telefónico, se da cuenta de que algo no va bien cuando ella no contesta, seguidamente procede a ir a su apartamento y al no contestar nadie, tiró la puerta abajo para encontrar a quien fue su novia con un tiro en la cabeza, quien se suicidó mientras escuchaba una canción que su amado había escrito para ella, quien al verla entra en un vació enorme e intenta suicidarse, pero no pudo ya que el arma solo tenia una bala. Inmediatamente vemos a Mayne sentado en su cama en una gran depresión, el jamás pudo superar la muerte de Elizabeth y en medio de una ira por su amor empieza a destruir todos los objetos de su apartamento, incluyendo los más valiosos como sus guitarras, en medio de su ira ve el piano y decide tocarlo, una llama se enciende creando un gran fuego, pero el nunca deja de tocar el piano y ahí muere.

Las letras de November Rain no entran a valorar el tema del suicidio, solamente una relación temperamental. Según una interpretación, las letras son de un hombre a una novia, diciendo cómo los tiempos de problemas (la fría lluvia de noviembre) no durarán para siempre, y que él está dispuesto a dejarla un tiempo sola si es necesario para que ella vuelva con él. El vídeo, por otro lado, sigue a la historia más fielmente, desde el amor y la vida, a través de la muerte y el funeral. Aunque el vídeo no explica cómo muere la novia, esto se puede ver fijándose en ella en un momento preciso, donde hay un surco en la parte inferior de su cara, esto es, un espejo. En la marca 7:21 del vídeo. Familiares de víctimas de traumas craneoencefalicos, que quieren tener un funeral a cuerpo presente y tapa descubierta, pueden usar un espejo reflejando la cara intacta para hacer parecer que fallecido esta entero, puede ser inferido entonces, que la chica murió a causa de un disparo en la cabeza. Esta escena puede sugerir que Seymour se disparó a sí misma. Sin embargo, otra teoría (si bien mucho menos popular) implica una referencia anterior donde Axl camina sólo de noche, pasa por una tienda de armas con la puerta abierta. Esto puede ser visto en el trozo 5:36 del vídeo. Algunos ven esta escena como una indicación de que Axl era el que disparaba, la ambigüedad del suicidio/homicidio corresponde a la culpabilidad del protagonista de la historia del libro para incitar el suicidio. Algunos, sin embargo, simplemente piensan que la tienda de armas era una referencia al nombre de la banda. Una última teoría afirma que la novia fue asesinada el día de la boda durante la "lluvia de noviembre" y su tormenta que comenzó, dando por terminado el banquete. Después de un trueno, vemos el velo de la novia cayéndose al suelo, puede sugerir que fue alcanzada por un rayo y muerta en el momento.

Gracias a TheMHtv1, lespaul084, Licha6661 y yrsl92 por los videos:

Traducida


Ambas letras


En Vivo


Con Elton John

Cinecritica: Las Crónicas de Narnia: El León, La Bruja y El Ropero

CRÓNICAS DE NARNIA. EL LEÓN, LA BRUJA Y EL ROPERO (THE CHRONICLES OF NARNIA: THE LION, THE WITCH AND THE WARDROBE, EU, 2005)

Quiza sea un placer culpable pero ni modo, me gusta la primera cinta de las cronicas de narnia, por varias razones, aunque estoy de acuerdo en que en ningun momento la cinta llega a ser una muestra de buen cine, la pelicula entretiene bastante  y más si tomamos en cuenta que esta destinada para el publico joven, el cual si se lo pasará muy bien viendo la cinta con todos los personaje y el mundo imaginativo que creo C. S. Lewis, tambien es cierto que la la pelicula funciona como metafora de la religión cristiana, el mundo de Narnia funciona como simbolismo biblico, y eso no esta escondido ni se tiene que adivinar, el mensaje esta ahi en la superficie y de hecho el mismo Lewis lo acepto, en su vida Lewis dejo la religión despues de malas experiencias en su juventud, siendo ateo fue convertido por J.R.R. Tolkien quien hizo el berrinche de su vida porque Lewis se hizo protestante y no catolico como él.

Y de que va? De cualquier forma la obra de Lewis esta mucho más cerca de las enseñanzas catolicas que de cualquier otra, y este primer libro y primera cinta que esta adaptada de forma casi exacta, viene a ser un simbolismo de la pasión de Cristo, la cinta cuenta la historia de los cuatro hermanos Pevensie; Peter (William Moseley), Susan (Anna Popplewell), Edmund (Skandar Keynes) y Lucy (Georgie Henley) quienes son enviados por su madre fuera de Londres mientras pasa la guerra, ahi los niños encuentran un armario que los transporta al mundo magico de Narnia, los nativos del lugar los reciben encantados ya que con ellos comienza la profecia de que finalmente la Bruja Blanca (Tilda Swinton robandose la cinta) será vencida, y que Aslan finalmente aparecerá, por desgracia Edmund cede ante su lado oscuro y ayuda a la bruja con la promesa de ser Rey, es asi como la mayoria de los aliados son capturados, amenazados y destruidos.

Claro esta que la cinta trata sobre la jornada de los niños para finalmente destruir a la bruja blanca y su ejercito en una genuinamente emocionante batalla final, la cosa nunca aburre y a pesar de su abultado metraje solo en algunos momentos se siente el bajon, los efectos cumplen al igual que el reparto (donde tambien esta James McAvoy)la historia es muy sencilla y por ello uno no puede dejar de lado el claro simbolismo de la cinta, el león Aslan (voz de Liam Neeson) es una representación de Jesus con todo y sacrificio por los pecadores y la resurrección, mientras que los niños representan a los seguidores de este, incluso Peter se llama igual que Pedro y Edmund es una clara alusión a Judas y su traición, las niñas son las primeras en ver al Leon despues de su resurrecíón y la Bruja Blanca Jadis representa al mal, quiza a Satanas y por ello mismo uno siente tanto temor de ella, a final de cuentas uno sabe que nadie puede derrotarla a no ser el cristico Aslan, y una tambien sabe que estas son mejores clases que los monotonos recitales que me soltaban de memoria en el catolicismo.

Calificación: 8.0 - Calificación

Cinecritica: Parque Jurásico III

PARQUE JURÁSICO III (JURASSIC PARK III, EU, 2001)

Despues de la lamentable segunda parte el liston no estaba muy alto y quiza por ello la cinta me resulto entretenida, su falta de pretensión y su corto metraje son puntos a su favor despues de que la segunda fuera tan ambiciosa y justo por ello tan fallida, el problema es que la trama es todavia más sencilla que las anteriores, es una simple excusa para meter a los personajes en otra corretiza con dinosaurios revividos por ingenieria genetica, además de que el director Joe Johnston aunque hace un trabajo artesanal nunca alcanza el nivel que Spielberg nos regalo en algunas escenas, ni los debates filosoficos que de todas maneras ya habian cansado en la primer secuela, los efectos como la de las otras dos cintas son muy buenos, y el reparto tambien es bueno, aunque de todas formas la mayoria, como se ha repetido en la saga, son cliches, tanto asi que sabemos quienes van a morir y quienes vivir desde el primer momento.

Y de que va? La isla B de la segunda parte sigue albergando a los dinosaurios, ahora les gusta pasar cerca de ahi a personas que buscan adrenalina, en uno de esos vuelos "extremos" el adolescente Erik (Trevor Morgan) cae en la isla, sus padres desesperados y ante la respuesta del gobierno norteamericano decide tomar en asunto en sus manos, por lo que contratan a unos dizque mercenarios y a Alan Grant (Sam Neill) para que los guie, en un engaño algo tonto y poco creible Alan vuelve a la isla, ahi descubre que en realidad van a buscar al hijo de los Kirby, estan atrapados y los mercenarios van muriendo, ahora ya no solo esta el tiranosaurio y toda una manada? de velocirráptors sino que esta el terrible Spinosaurus que da cuenta del T-rex de manera sencilla lo cual según tengo entendido no puede ser exactamente asi.

Asi que mientras huyen encuentran a Erik y solo deben escapar de la isla pero no resulta facil pues el ayudante de Alan, Billy (Alessandro Nivola) tomo un huevo de velocirraptor por lo que son perseguidos por todos. El nivel de producción esta vez es mayor que en las anteriores y eso se nota, asi que aunque no hay escenas esplendidamente montadas el solo hecho de tener tanta calidad de efectos eleva la cinta, el reparto hece un buen trabajo, además de los mencionados estan los correctos William H. Macy y Téa Leoni, que a pesar de todo saben inyectarle valor a sus planos personajes, de todas maneras la trama tiene algunas fallas que uno no se explica ¿de verdad un niño puede sobrevivir tantas semanas en ese entorno y estar intacto? ¿no tienen seguridad alrededor de la isla? pareciera que cualquiera puede meterse,y el final es demasiado facilon y apresurado, sin apuntar la improbable sobrevivencia de un personaje y el final apunta a una secuela que ahora ya sabemos que saldra en 2012.

Calificación: 7.1 - Interesante

Trailer: 127 Horas

127 horas de Danny Boyle, no ocupo comentar nada más:

Reseñas Manga: Marmalade Boy # 3

MARMALADE BOY (MAMAREDO BOI # 3)

Miki y Yuu estan solos en casa y su relación avanza pero el asunto es aburrido, mucho tiempo despues la cosa mejora cuando en plena nochebuena aparecen Ginta, Arimi y hasta Tsutomu, la situación de la relación ficticia de Arimi con Ginta pone las cosas muy interesantes y más aun con el ultimatum que le pone Ginta a Miki, por desgracia despues de todo esto la cosa de nuevo se cae, la historia secundaria de Meiko no es mala pero se hace muy larga, además de que la relación de alumna-profesor ya ha sido usada hasta el cansancio y la verdad no aporta nada nuevo.

A final de cuentas esa historia sirve para mostrar el avance en la relación de Meiko y Miki, aparte de ello la presentación de Satoshi Miwa y nada más. Tomo interesante que baja con respecto al anterior, de hecho es el tomo menos bueno, avanza lento y el principio y el final se alargan en demasia, además de que los momentos tan dramaticos no son manejados bien por la autora.

Calificación: 7.1 - Interesante

Cinecritica: Wall Street 2: El Dinero Nunca Duerme

WALL STREET 2: EL DINERO NUNCA DUERME (WALL STREET 2: MONEY NEVER SLEEPS)

Pareciera que a los brillantes distribuidores mexicanos de nuevo olvidaron que como la pelicula anterior de Wall Street se llamo "El Poder y la Avaricia" se deberia llamar asi, obviamente parte 2 y con el subtitulo que les de la gana, es decir que como no existe la pelicula con el nombre de Wall Street aqui, es ridiculo que haya un segunda parte con este nombre, total que ni les importa y mientras la gente siga yendo al cine viendo lo que caiga o lo que vio anunciado en tv no hay problema, pasando a la cinta solo queda decir que es la perfecta muestra del declive que esta viviendo Oliver Stone, ya que en los últimos años no solo la calidad de su cine se ha reducido de sobremanera sino que ha pasado algo mucho peor, Stone al parecer se ha cuadrado con el sistema, ahora quiere quedar bien con todos y eso no lo lleva a nada, por lo menos artisticamente.

Y de que va? Gekko (Michael Douglas) es liberado despues de cumplir un tiempo en prisión, al salir se da cuenta de la peligrosa burbuja financiera que se ha creado y que esta a punto de estallar, escribe un libro y viaja dando conferencias, por otro lado su hija Winnie (Carey Mulligan, decepcionante) es pareja de un joven corredor de bolsa, Jacob (vergonzoso Shia LaBeouf) que no es para nada parecido a Bud, el tal Jacob no solo es un genio de las finanzas que esta más preocupado por reconciliar a su futura mujer y a Gekko sino que no es codicioso ni le interesa hacer dinero, lo que el quiere es conseguir dinero para una forma limpia y renovable de energia, quiere salvar al mundo, faltaba más, por ahi tambien esta Brolin dando pena ajena con un villano terriblemente estupido y Frank Langella que es lo unico rescatable de la cinta, lastima que se suicida a los veinte minutos.

Esta cinta a diferencia de la primera es increiblemente condescendiente con todos sus personajes, desde el bobalicon protagonista que comete cantidad de delitos y estupideces para al final ser premiado, la chillona Winnie perdonando a su novio y padre en una escena de pena ajena, que no se supone que lo que más odia son las mentiras y que no le importa el dinero, entonces ¿porque demonios se contenta cuando le regresan sus 100 millones? y lo más terrible es que ahora resulta que Gekko nos mintio en la cinta anterior, si cree en el amor, y la reconciliación con su niña y su yerno no lo podrian hacer más feliz. Dejemos de lado la sosa dirección de Stone con caras en globitos moviendose por la pantalla y enfoquemonos en que el hecho de querer quedar bien con todos lastima la cinta muchisimo, lo del prota idealista en busqueda de la piedra filosofal y irresponsable mensaje de que la burubuja financiera es parte de la evolución (bah, todo va a estar bien, don't worry) hacen de esta cinta un verdadero churrote.

Calificación: 2.6 - Churrote

Cinecritica: El Poder y la Avaricia

EL PODER Y LA AVARICIA (WALL STREET, EU, 1987)

Por aquellos lejanos años de los ochentas Oliver Stone tendria su mejor epoca como cineasta, a pesar de su buen inicio en los noventa donde finalmente se desinflo, entonces salio Wall Street que inexplicablemente se llama aqui "El Poder y la Avaricia", en donde el cineasta ataca al sistema financiero mundial, especificamente el gringo,  y especialmente a los tiburones que hacen dinero en la bolsa de valores sin aportar nada verdadero al sistema financiero, la pelicula es una critica incesante e inescrupulosa del sistema y de los corredores, de nuestra sociedad consumista en donde lo más importante son las apariencias, mostrando personajes nefastos que solo buscan su crecimiento monetario y si es pasando por encima de otros mejor, de hecho la caida, redención y castigo del protagonista estan bien logrados y nos muestra que en esa época Stone era un realista consumado.

Y de que va? Bud Fox (Charlie Sheen) es un joven corredor de bolsa que quiere comerse el mundo, la mejor manera de hacer eso es tener de cliente a la leyenda viviente Gordon Gekko (Michael Douglas luciendose), un habil manipulador del sistema financiero global, un tiburon que se dedica a devorar personas, empresas y lo que caiga en su camino, cuando Bud por fin logra captar su atención debido a que le suelta información confidencial de la empresa donde trabaja su padre (Martin Sheen, muy bien) entra a un mundo decadente donde el espionaje, la traición, el robo, la destrucción y los excesos es pan de cada dia, asi que Bud cae a lo más bajo en la sombra y protección de  Gekko, pero cuando la empresa de su padre empieza a tener problemas Bud quiere salvarlos é idea un plan para hacerlos competitivos pero obviamente Gekko tiene otra cosa en mente por lo que Bud decide cobrarselas aunque pierda todo.

Aunque la cinta no es impresionante si resulta muy recomendable de ver ya sea por los mensajes que deja, por el incisicivo ataque contra el sistema financiero, el sistema social donde es mucho más importante ganar dinero que hacer algo que realmente valga y por lo debil que es el ser humano, además el personaje interpretado por Douglas no solo esta hecho a su medida sino que es un verdadero canijo que resulta encantador al mismo tiempo que tenebroso, y la cinta tiene algunas escenas que resultan muy buenas, mención especial a la de Charlie gritandole a su padre mientras estan en el elevador, el hecho de que en realidad sean padre e hijo hace la situación más potente, tambien muchas de las escenas donde Gekko suelta sus sermones cinicos, y claro está, la escena final con un Bud que tiene que pagar por sus pecados y su padre diciendole que no puede renegar y que quiza es lo mejor que le podria suceder, aqui Stone le da castigo a su propio protagonista, hizo mal y eso no puede quedar impune, una muy buen mensaje que no se usa mucho en la actualidad.

Calificación: 7.8 - Bien

Musica: Tales of Brave Ulysses - Cream

CREAM - TALES OF BRAVE ULYSSES

Cream fue una banda de rock británica de los años 60. Fue uno de los primeros y más célebres power trios y supergrupos de la década. Estaba formada por Eric Clapton en la guitarra, Jack Bruce en el bajo y como vocalista y Ginger Baker en la batería.

Esta formación dio lugar a una de las más vitales y efectistas bandas entre 1966 y 1968. Su sonido combinaba el blues de la guitarra de Clapton con la potente voz y las intensas líneas de bajo de Bruce y la batería con influencias del jazz de Ginger Baker.

Cream es considerada una banda adelantada a su época y de una influencia inconmensurable. Supuso el adiós del pop por la vía del blues y la búsqueda de mayor amplitud conceptual para el rock en un estilo denominado entonces música underground. Junto con The Jimi Hendrix Experience, causó un gran impacto sobre la música popular de la época, ofreciendo un sonido potente aunque cargado de virtuosismo, que hizo sombra al nacimiento de bandas como Led Zeppelin, Deep Purple o The Jeff Beck Group a finales de los 60. Las actuaciones en vivo de la banda influenciaron a grupos de rock progresivo como Rush, jam bands como The Allman Brothers Band, Grateful Dead o Phish, o bandas de heavy metal como Black Sabbath.

En la discografía de Cream aparecen temas de blues tradicional como "Crossroads" y "Spoonful", y de blues moderno como "Born Under a Bad Sign", así como temas más exóticos como "Strange Brew", "Tales of Brave Ulysses" o "Toad". Entre sus mayores éxitos aparecen "I Feel Free", "Sunshine of Your Love", "White Room", "Crossroads" y "Badge".

Los cuentos del valiente Ulises" es un ejemplo muy claro del sonido del trío, una muestra de lo que aportaba cada quien y de la conjunción casi mágica que se dió entre estos rockers célebres, la voz de Bruce es el elemento que en principio resalta, no era una voz espectacular, no le llegaba ni a los talones a Plant o a Daltrey, por ejemplo, pero era la voz ad hoc, para la alucinante música de Cream, tanto virtuosísmo instrumental, necesitaba de una voz discreta. Es una obra maestra que cuenta con: la conjunción perfecta del bajo de Bruce y la guitarra de Clapton, el primero, vibrante y contundente, la segunda, virtuosa e hiriente, con esas notas de una agudeza extraordinaria y sus ráfagas de sonido, esto es ya, extraordinario pero no todo, lo mejor está en donde menos se imagina, donde menos suele estar, en la batería que en el caso presente, es la batería de Ginger Baker que no era de este mundo.

Gracias a letrasdelmonton, SqueezeMyLemonBaby, LadylnCream, y connected365

En Vivo

En el 2005



La letra
You thought the leaden winter would bring you down forever,
But you rode upon a steamer to the violence of the sun.


And the colors of the sea blind your eyes with trembling mermaids,
And you touch the distant beaches with tales of brave Ulysses:
How his naked ears were tortured by the sirens sweetly singing,
For the sparkling waves are calling you to kiss their white laced lips.


And you see a girl's brown body dancing through the turquoise,
And her footprints make you follow where the sky loves the sea.
And when your fingers find her, she drowns you in her body,
Carving deep blue ripples in the tissues of your mind.


The tiny purple fishes run laughing through your fingers,
And you want to take her with you to the hard land of the winter.


Her name is Aphrodite and she rides a crimson shell,
And you know you cannot leave her for you touched the distant sands
With tales of brave Ulysses; how his naked ears were tortured
By the sirens sweetly singing.


The tiny purple fishes run lauging through your fingers,
And you want to take her with you to the hard land of the winter.

Cinecritica: El Peleador

EL PELEADOR (THE FIGHTER, EU, 2010)

Una de las pelicula nominadas al oscar es de esas que le encantan a la academia, una pelicula sobre un boxeador que se redime no solo en el cuadrilatero sino en su vida, con buenos actores y una dirección artesanal, con todo eso pensé que la cinta no seria más que una sucesión de cliches con una historia que ha sido contada una y otra vez, y la verdad no estaba equivocado, en realidad la trama de la cinta no guarda sorpresas y desde el principio adivinamos como terminará la historia, pero tambien debo decir que en ningun momento me aburrio ni nada por el estilo, la historia es interesante y los actores hacen un trabajo tan bueno que levantan la cinta mucho más de lo que verdaderamente vale por si sola, el reparto es impecable, no solo la actuación de la ganadora Melissa Leo y del camaleonico Christian Bale como un boxeador drogadicto, sino que tambien Wahlberg en el papel principal y la cambiante Adams que puede hacer un papel totalmente rosa para luego pasar a este.

Y de que va? Micky Ward (Mark Wahlberg, bastante bien) es un boxeador peldaño, manejado por su madre Alice (Melissa Leo, muy bien) y entrenado por su hermano Dicky Eklund (Christian Bale con una increible cantidad de kilos menos, muy bien), un boxeador acabado y drogadicto, Micky se encuentra a punto de regresar a lo grande, se ha preparado mucho para su pelea, por desgracia HBO le juega chueco y a ultima hora le cambia el contrincante por uno que no esta en su peso, despues de perder, Micky decide que su madre y su hermano no lo estan ayudando y los deja por consejo de su novia Charlene Fleming (Amy Adams, guapa y bastante bien), Dicky va a la carcel mientras Micky empieza a ganar peleas, pero en la más complicada Micky toma el consejo que le da Dicky desde la carcel, por lo que al salir esté Micky lo quiere en su equipo.

Despues de los problemas que esto causa, el nuevo Dicky recuperado de su adicción se encarga de calmar los animos con la novia de su hermano, con su familia, con el otro entrenador, etc. con lo que van con todo por el campeonato,la pelea de su vida que al mismo tiempo representa lo que sucede en ella. Como dije antes el final es muy predecible pero el camino que se sigue para llegar a este resulta interesante, por la dirección artesanal, por las excelentes actuaciones, y el estilo de la cinta, se agradece que no mete discursos a la fuerza y sobretodo que no tiene el estilo lacrimogeno y chantajista que acostumbran este tipo de cintas, sino que al contrario no duda en meter momentos comicos en partes serias, Dicky tirandose por la ventana para que su mama no sepa que se droga, todas las partes donde salen las metiches hermanas gallinas de Micky incluida una pelea entre el viejerio dijera el jefe diego, en conclusión la cinta entretiene y esta hecha con mucho oficio, lo que queria Wahlberg recupero el cuerpo que tenia de joven.

Calificación: 8.0 - Bastante Bien

Reseñas Manga: Marmalade Boy # 2

MARMALADE BOY # 2 (MAMAREDO BOI # 2)

El segundo tomo es mejor que el primero, no solo porque ya conocemos a los personajes y las introducciones terminaron sino porque es mucho más divertido, desde el comienzo con Ginta declarandosele a Miki, a partir de esto comienza un triangulo amoroso que da pie a mal entendidos, enojos, y muchas situaciones comicas, al estilo japones, además tenemos a Yuu y Ginta haciendo pareja en un partido de tenis en el que Arimi decide poner en marcha un plan para separar a Yuu y Miki haciendo que tenga celos de Ginta saliendo con él, además llega el primo de Ginta, Tsutomu, un egocentrico hablador que es el rival del partido de tenis y que esta enamorado de Arimi.

Por otro lado se revela la relación de Meiko con su profesor en lo que supongo que es una trama secundaria, se ha usado hasta el cansancio asi que no espero mucho de ella, en el final del tomo los padres de Miki y Yuu los dejan solos en vacaciones de invierno, en Miki cada vez esta más confundida. En conclusión un buen tomo, que mejora la historia y le da un tono más ligero que es manejado mejor por la autora, aunque no me desagrada tanto el estilo de dibujo si cansa el estilo tan shojo con hombres perfectos como en el caso de Yuu.

Calificación: 7.5 - Bien

Cinecritica: Presunto Culpable

PRESUNTO CULPABLE (MEXICO, 2009)

Dejando del lado todo el hype que ha causado el asunto de la demanda contra la cinta y su posible salida, ahora dizque la van a cortar o censurar, uno debe apreciar la cinta como lo que es, una muestra de cine, y aunque su discurso es muy pertinente e importante en el México de ahora, en el de ayer, y sospecho que en el del futuro, la cinta vale por si sola, quiero decir que si la historia fuera ficticia la manera en que la pelicula esta hecha, con una excelente dirección, con una dirección formidable, con el avance de la historia, y con los momentos genuinamente climaticos y emocionantes, con la galeria de personajes, con las canciones hechas y cantadas por el propio protagonista a  modo de soundtrack, ya valdria muchisimo, aunque claro que el hecho de que la historia sea verdadera hace que valoremos más la historia, ya que la denuncia contra el sistema judicial y carcelario de México queda evidenciada totalmente y nadie puede alegar que no es cierto.

Y de que va? Antonio Zuñiga esta en la carcel acusado de un homicidio que no cometio, la cinta comienza mostrandonos a Toño bailando break dance, con su propia musica mientras nos cuenta que el mismo le pidio a Dios que lo matará, o de perdis lo metiera en la carcel, esto debido a problemas personales que tenia, quiza se le concedio y por ello se encuentra ahi, le dieron 20 años, lo cual es la condena minima de homicidio (supongo que en el DF), pero el juicio y la investigación estan llenos de tantas irregularidades, absurdos y desvarios que si no fuera un caso real nadie lo creeria, como el abogado que "defendio" a Toño es "patito" el juicio se puede volver a realizar, los abogados Roberto Hernandez (co-director de la cinta) y Layda Negrete contactan a Rafael Heredia, un experto en cuestiones penales que se hace cargo del juicio, asi que entre la destreza del abogado, los consejos de Hernandez y Negrete y el valor/desesperación de Toño que aprovecha los careos de manera formidable pareciera no hay manera de que no salga libre.

Por desgracia la situación resulta tan desesperante que cualquier persona, por menos que conozca el sistema judicial y por menos letrado que sea entiende por puro sentido común que en el juicio y la investigación hay tantas ridiculeces y estupideces que no hay manera de que el juez no se de cuenta, asi que mientras aguantamos la cara de tontos de la fiscal, del juez, del supuesto testigo que a todas luces esta mintiendo, de los corruptos judiciales que se portan de manera increiblemente despota, los directores Smith y Hernandez nos regalan una serie de imagenes excelentes, con una edición exacta y una camara que esta donde debe, tanto asi que aunque uno sabe como va a terminar todo en verdad se emociona, se mortifica, se enfurece, a final de cuentas en los creditos nos damos cuenta de que nada va a cambiar, de que todo seguirá igual, de que la estupidez se premia en nuestro México lindo y querido, y de que la demanda contra la cinta no es otra cosa que una bola de abogados codiciosos y corruptos que quieren dinero y usan a una oveja, por lo menos esta cinta me enseño que no todos son asi. Debo apuntar que la cinta no esta exenta de fallos, por algunos momentos la edición de sonido no me gusto, y el final se siente apresurado, no me hubiera importando ver todo el proceso, y el final resulta un poco chantajista con Toño cargando a su hija al salir de prisión, pero por todo lo que paso se le perdona eso y más.

Calificación: 9.1 - Excelente

Trailer: El Discurso del Rey

El trailer de la pelicula ganadora del oscar, se ve interesante y el reparto es extraordinario, a ver cuando llega a culichilandia:

Cinecritica: Resident Evil 2: Apocalipsis

RESIDENT EVIL 2: APOCALIPSIS (RESIDENT EVIL 2: APOCALYPSE, ALEMANIA - FRANCIA - REINO UNIDO, 2004)

La segunda parte de la adaptación del videojuego resident evil me parece, a diferencia de la mayoria de las personas, menos peor que la primera, es cierto que esta tiene aun menos del espiritu del juego pero la anterior rescataba tan poco que eso ni siquiera tiene sentido, además si lo unico rescatable de la mediocre cinta anterior era Milla Jovovich y sus desnudos gratuitos y el eyecandy de andar con un vestido que mostraba mucho, pues esta vez vamos por el mismo camino, solo que ahora tambien tenemos a Sienna Guillory mostrando pierna como Jill Valentine, ahora si un personaje del juego pero fuera de esto no hay nada más.... ya se que sale Nemesis pero con una historia ridicula detras.

Y de que va? Comienza justamente donde se quedo la primera con un virus que se propago por toda la ciudad convirtiendola en un lugar desolado habitado por zombies o infectados, ahi Alice (guapisima Milla Jovovich) se enfrenta a los zombies con mucha seguridad, ahora que tiene nuevas habilidades la cosa es sencilla para ella, se junta con unos sobrevivientes entre los que se encuentra Jill (guapa Sienna Guillory), Carlos (Oded Fehr), la niña Angie (Sophie Vavasseur) y otros que son carne de cañon, el papa de la niña (Jared Harris) les dice que si cuidan a la niña les mandara un helicoptero, pero Nemesis los persigue y para colmo es el amigo de Alice por lo que al final cambia de bando, cuando los villanos cliches de Umbrella lleguen.

La trama es simple en demasia, y tiene muchos huecos, irregularidades, cosas que no van a ningun lado, y relaciones sin sentido entre los personajes, pero no me aburrio tanto como la primera, aunque si me eche mis bostezos y al final queria que se acabara ya. La cinta no es gran cosa y aunque el principio no es tan malo la pelicula se va cayendo poco a poco hasta que en la parte final da pena ajena, es increible que el videojuego Resident Evil que por su forma (camara al estilo de una cinta) y su nacimiento como homenaje a las cintas de Romero se haya convertido en esto, aqui no hay nada que de miedo, no hay historia, ni suspenso, ni denuncia social, vaya ni siquiera el gore y la violencia de este.

Calificación: 5.2 - No Vale la Pena

Cinecritica: El Mundo Perdido: Parque Jurásico II

EL MUNDO PERDIDO: PARQUE JURÁSICO II (JURASSIC PARK: THE LOST WORLD, EU, 1997)

Las personas tienen la mala creencia que se ha transmitido a los directores y estudios, o quiza al reves, de que las segundas partes, entiendase la secuela, debe tener más de lo que funciono en la primera, más de todo, y que por ello automaticamente la cinta será mejor, o quiza esperan apantallar al publico y que no le tomen importancia a la historia, uno esperaria que eso le suceda a la mayoria de los directores pero no a alguien como Steven Spielberg, el legendario director se comporto como un novato en esta cinta, dejo de lado la trama que tiene muchisimos huecos, mete y saca personajes de manera grosera, actores desaprovechados y escenas calcadas de la cinta anterior, es cierto que Spielberg logra algunas escenas muy buenas pero en su mayoria son unas que van de mediocres para abajo, y de pena ajena como la chica gimnasta que mata de una patada a un velocirráptor, en serio que me sonroje cuando vi eso.

Y de que va? Ian Malcolm (Jeff Goldblum) es llamado por Hammond (Richard Attenborough) para que vaya a otra isla que tambien tiene dinosaurios, la isla B, Ian no quiere ir pero como su impulsiva novia Sarah (Julianne Moore) ya esta alla se ve obligado, Ian llega a la isla con Nick Van Owen (Vince Vaughn), un ecologista pedante, el ingeniero Richard y Kelly (Vanessa Lee Chester), la hija de Ian que se metio a escondidas¿? estos llegan a la isla para investigar, al contrario del equipo que lleva Peter (Arliss Howard), sobrino de Hammod, quien lleva a unos cazadores para atrapar dinosaurios y llevarlos a la ciudad donde se abrira el parque jurásico definitivo, obviamente esta idea es aun peor que la de su tio, asi que el grupo de Ian muy a pesar de esté sabotean a los cazadores, quienes son variopintos, desde el astuto Roland (Pete Postlethwaite, bien), el sadico Dieter (Peter Stormare) que tiene la muerte que según el libro le correspondia a Hammond, hasta el leal Ajay (Harvey Jason).

En este estira y afloja las cosas se salen de control y ahora todos son cazados por dinosaurios, aqui basicamente regresa a la premisa de la cinta anterior, solo que mucho más fantaseoso en cuanto a la supervivencia de los personajes, hacen cosas imposibles para salvarse, Roland captura un Tiranosaurio y a su cria, los llevan a San Diego donde al estilo de King Kong escapa para destruir todo, solo busca a su cria por lo que Ian y Sarah lo guian hacia el barco que lo llevará de nuevo a la isla. Como dije antes Spielberg logra algunas buenas escenas, como la llegada del barco a la ciudad, pero otras son muy fallidas, y se sienten huecos en la pelicula, por ejemplo de la isla aparecemos inmediatamente en la ciudad con la llegada del barco, personajes que aparentemente tienen relevancia pero siempre no, y cosas por el estilo, además de que Ian Malcolm tiene su mismo sarcasmo y acidez que en la primera entrega, pero ahora lo hacen todos y eso hace que se pierda el estilo, además un heroe no anda haciendo comentarios graciosos todo el tiempo, en conclusión una pelicula fallida de Spielberg.

Calificación: 6.7 - Vale la Pena

Cinecritica: El Turista

EL TURISTA (THE TOURIST, EU, 2010)

El director Florian Henckel von Donnersmarck gano reconocimiento y respeto en todo el mundo con esa obra maestra que es "La Vida de los Otros", con esa joyita me gano como admirador y de seguro a muchisimos más, por ello Hollywood se fijo en él y lo recluto, pero es bien sabido que cuando un esto sucede la calidad de su filmografia siempre baja (aunque hay honrosas excepciones), pero este caso es extremo, de su obra anterior a esta hay un abismo de calidad, uno se pregunta ¿que puede fallar con un buen director y dos excelentes actores? la respuesta es casi todo por increible que parezca, no pienso que la pelicula sea tan mala como dicen pero como uno va con expectativas de ver por lo menos algo pasable el rato se vuelve muy pesado, y eso que ya sabia que no estaba buena, solo esperaba algo que me entretuviera, y por desgracia la mayor parte del tiempo estuve aburrido.

Y de que va? La premisa es sencilla, de hecho no es mala, recuerda a las tramas de antaño, se podria decir que es un guión que Hitchcock pensaria, una mujer esta siendo perseguida por la policia de Inglaterra ya que es la unica pista que tienen sobre un delincuente (despues descubrimos que lo buscan por evadir impuestos), esté le dice a su novia Elise (Angelina Jolie luciendo vestidos) que busque a alguien que tenga parecido con él para despistar a la policia, el pobre diablo escogido es Frank Tupelo (blando Johnny Depp) un maestro de matematicas americano que es confundido y perseguido por la policia, y peor aun, por un mafioso al que le robo el perseguido, asi que la historia nos trae a un pobre diablo que atrapado por las circunstancias se ve inmiscuido en un asunto internacional, se oye bien, pero por desgracia durante una hora la cinta no va a ninguna parte, Depp y Jolie estan muy blandos, Depp hasta parece invocar a Sparrow por momentos.

Lo unico agradable son las vistas de Paris y Venecia, pero obviamente estas tambien se agotan, despues de la insufrible hora entramos en el terreno del thriller que tampoco levanta mucho, nunca hay emoción, nunca nos compenetramos con los personajes, los secundarios son de lujo pero se sienten igual que los protagonistas, y lo peor de todo es que el dizque sorpresivo final no es ni sorpresivo ni funciona, no encaja, se siente fuera de lugar y si uno se replantea la cinta se da cuenta de que efectivamente asi es, la banda sonora es de lo mejorcito, y acepto que el director logra dos buenas escenas, la mejor es la de los agentes esperando la llegada del tren, ahi si se nota el talento del director, la otra es una entretenida corretiza por las azoteas de Venecia, el unico momento donde Depp encaja, ojala la cinta tuviera más momentos asi.

Calificación: 5.6 - Palomera

Musica: There is a Light that Never Goes Out - The Smiths

THE SMITHS - THERE IS A LIGHT THAT NEVER GOES OUT
The Smiths fue una banda de rock alternativo formada en Mánchester, Inglaterra en 1982. Fue formada por Morrissey (vocalista) y Johnny Marr (guitarra), posteriormente se unió Andy Rourke (bajo) y Mike Joyce (batería). Los críticos la han llamado la banda más importante de rock alternativo que surgió de la escena británica de música independiente en la década de 1980.

La banda firmó con el sello discográfico independiente Rough Trade Records, con el cual lanzaron cuatro álbumes de estudio y varias recopilaciones, así como numerosos sencillos. A pesar de que consiguieron un notable éxito comercial fuera del Reino Unido cuando aún estaban juntos, nunca se lanzó un sencillo que tuviera un éxito trascendente en su país de origen. The Smiths siguieron ganando un éxito cada vez mayor, y se convirtieron en una de las bandas más comerciales de la década. La banda se separó en 1987 en medio de desacuerdos entre Morrissey y Marr y desde entonces han rechazado varias ofertas para reunirse de nuevo.

"There Is a Light That Never Goes Out" es una canción de la banda inglesa The Smiths, escrita por Morrissey y Johnny Marr. Fue lanzada originalmente como el penúltimo tema de The Queen Is Dead, álbum de estudio de 1986, pero a pesar de su popularidad, no fue lanzada como sencillo hasta 1992, después de la separación de la banda. Esto se debería a que, si bien originalmente estaba planeado el lanzamiento de esta canción como sencillo en 1986, el jefe de Rough Trade, Geoff Travis, la reemplazó por "Bigmouth Strikes Again". Es por eso que hubo un video dirigido por Derek Jarman, que fue filmado en 1986, a pesar de que hasta ese momento la canción no había sido editada como sencillo. Esta versión de la historia se contradice con las declaraciones de Johnny Marr para Uncut Magazine: "No fue lanzada como sencillo en 1986 porque por largo tiempo trabajé en la idea de que siempre teníamos que tener una canción en cada álbum que la gente dijera 'Ese debería ser un sencillo'. Pero en realidad no lo fuera. "Reel Around the Fountain" fue eso para el primer disco y "There is A Light..." lo fue para The Queen Is Dead. Pensé que sería un signo de que era un gran álbum, el hecho de que había una canción que todos querían lanzar como sencillo, pero el álbum tenía canciones más fuertes para lanzar".

En 2005, Morrissey lanzó una versión en vivo de esta canción en un sencillo con dos lados A, siendo la otra canción, su versión de Patti Smith "Redondo Beach", y alcanzó el número 11 de la lista británica.

Esta canción es considerada como una de las canciones de amor trágico más profundas jamás escritas, y una de las piezas poéticas más importantes de la música popular contemporánea, tanto que han sido grabadas más de 20 versiones en varios idiomas.

La letra de la canción es una narración en primera persona que implica deseo, ansiedad y romance. Morrissey asume el rol de una persona que, según se infiere por la letra, ha sido echada de su casa, entonces busca compañía en la persona a la que se refiere la canción; el conductor del auto. Según el libro Songs That Saved Your Life de Simon Goddard, la historia que es narrada en la canción es similar a la de la película Rebelde sin causa, en la cual el protagonista interpretado por James Dean, quien era un ídolo de Morrissey, deja su casa, y es pasajero de una potencial compañía romántica. Este punto de vista sería plausible, dado que en sus letras previas Morrissey solía tomar prestados temas y argumentos de la literatura y el cine. Se ha dicho también que la canción podría estar inspirada en Johnny Marr, a lo que Morrissey respondió en una entrevista con la revista GQ: "No es sobre él y nunca lo fue".

La canción, que originalmente se iba a llamar "There is a light in your eyes that never goes out", básicamente relata la experiencia de un amor no correspondido, por parte de quien sufre la posición desde su timidez de no poder confesar su amor al otro, y el deseo de que algún hecho externo, y posiblemente trágico, termine con sus vidas y al fin los vincule para siempre.

Gracias a pablitoh10, zero0kiriyu y hackum1 por los videos:

 

Video con letra y traducción

Video con traducción


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