Cinecritica: El Rey León

EL REY LEÓN (THE LION KING, EU, 1994)

El sol sale en el horizonte y comienza a sonar "Circle of Life" de Hans Zimmer en su banda sonora ganadora del oscar mientras la vida animada nos es presentada con la poderosa letra de Elton John y Tim Rice y que nos dice de manera inmediata de que trata la cinta, el poderoso e inacabable circulo de la vida donde todo se repite pero siempre de manera diferente pero igualmente hermosa, en ella vemos el majestuoso manejo de cinematografía por parte de los directores Roger Allers y Rob Minkoff que aquí entregarían su obra mayor, enmarcada por un ambiente colorido y realista que siempre juega con los simbolismos y que le da un preciosismo a los fotogramas que nos quedan grabados en memoria y pupila con esa historia shakesperiana que nunca deja de ser actual, aquí los bellos colores, los expresivos animales, los fluidos movimientos, los pulcros encuadres, y esa magnifica banda sonora retumban en tanto el mono cura/brujo/chaman Rafiki (voz de Robert Guillaume) levanta a Simba para presentarlo ante los súbditos pero también ante la naturaleza e incluso ¿Dios? con esa luz que llega de los cielos para aceptarlo y hacerlo mas visible a los demas.

Todo esto desde antes de que nos sea presentado el titulo de la película, pero desde entonces sabemos que estamos ante algo grande y portentoso, de aquí se nos presenta de manera precisa al villano, el pedante pero simpático Scar (fabuloso Jeremy Irons) que parece ser débil pero es inmensamente cerebral al tiempo que es burlón y sardónico, una maravilla de villano que poco a poco nos muestra que tiene muchas mas capaz de las que suponíamos, por el otro lado el mimado juniorsillo Simba (Jonathan Taylor Thomas) aprende de su sabio padre Mufasa (la potente voz de James Earl Jones) que ser rey no es solo hacer lo que quieres sino mantener el equilibrio y reinar con sabiduría y humildad, algo que Simba aprenderá a la mala cuando sea engañado para cruzar los limites del reino y enfrentarse a las mortales y desternillantes hienas Shenzi (Whoopi Golberg), Banzai (Cheech Marin) y Ed (Jim Cummings) que no entienden de equilibrio y se comportan como parásitos.

Esto es aprovechado por Scar que planea un cruel plan que lo lleva al reinado y la destrucción de Simba no solo en cuestión física sino espiritual y mentalmente, lo que lo lleva a huir y ser rescatado por Timon (Nathan Lane) y Pumbaa (Ernie Sabella), unos hippies que viven al margen de la sociedad y que le enseñan a no preocuparse con la iconica canción "Hakuna Matata", para finalmente ser encontrado por casualidad por Nala (voz de Moira Kelly) quien no entiende su renuncia a enfrentar su destino y el mismo Rafiki que gracias al aroma lo encuentra y le ayuda a encontrarse a si mismo con una epifanía personal en forma del espíritu de su padre y sabias palabras que lo empujan a enfrentarse a su presente confrontando su pasado. Esta versión de Hamlet en clave animada con animales funciona perfectamente, el hacerlo un musical es maravilloso porque los números no solo estan ahi para ser pegajosos o verse bien ya que son clave en el filme, y esos homenajes/guiños/robos a "Kimba el León Blanco" del dios del manga Ozamu Tezuka funcionan por mas que uno sepa de donde vienen.

En pocas palabras estamos ante una de las mejores cintas animadas de la casa Disney, una maravilla que en su tiempo dejo quijadas abiertas con el uso de su animación, estética y movimiento, que nos deja una historia fuerte que habla sobre la familia, la traición, la muerte, el sexo, la complejidad de la paternidad, la culpa, y por supuesto el equilibrio del ciclo de la vida, algo muy valioso ya que la cinta aunque es para pequeños nos entrega estos mensajes de vida, los niños no son tontos y desde temprana edad perciben estos temas así que ¿que mejor que dárselos en un drama doloroso y donde vemos una madurez difícil? Desde el uso de colores, los movimientos y ese ritmo perfecto que siempre nos tiene al filo de la butaca, el Rey León es un clásico inmortal, la mejor cinta animada de Disney de los noventa, lo que no es poca cosa ya que no ha alcanzado esa calidad en décadas recientes, si a esto le sumamos un elenco de voces extraordinario y la facilidad de usar clichés cuando todavía se podía tenemos una historia que entendemos rápidamente y que por ello podemos perdernos con mas facilidad en ella.

Llegando a esto tenemos los simbolismos, que en esta cinta estan a mansalva, tanto el bautizo ya escrito como muchos mas, la revelación en las nubes de Mufasa a Simba que no es otra cosa que su epifanía personal, el enamoramiento de Simba y Nala con la hermosa "Can You Feel the Love Tonight", y las demas canciones, desde la majestuosa "Circle of Life" que engloba el mensaje de la cinta, la juguetona "I Just  Can't Wait to Be King" donde vemos el defecto de Simba, en esta el mundo cambia a su modo de ver, un mundo inmaduro donde todo puede pasar y hasta los colores se ven diferentes, en este mas que un rey él es una estrella, algo parecido a "Be Prepared" donde vemos como el carácter de Scar es retratado perfectamente, un tirano vil y egocéntrico que se ve a si mismo como un elegido, algo que se nota en esa canción con coros de las hienas y el mismo dando a conocer su plan para despues perderse en un compendio de flores vanagloriándose de si mismo, es decir su punto débil, y por supuesto todo esto mostrado con la perdida de físicas, despues de todo el mismo Scar esta perdiendo el piso, ¿que mejor que hacerlo ver literalmente? y bueno, ese momento nazi es genial, hablando de las hienas otro simbolismo ahi, una es negra, la otra latina y finalmente un tipo con problemas mentales, me refiero a los acentos y estereotipos, diciendo que los enemigos del reino son los extranjeros que viven en las afueras del reino, esos negros, latinos e indeseables que no se llenan con nada y que no entienden el ciclo de la vida, una idea dolorosa pero que viendo la situacion en México y estando pegados a EU no queda mas que darles la razón, también los cambios de los temas dando mas fuerza y cambiándolos de acuerdo a la situacion, la evolución del tema de Simba, detalles que solo enriquecen una cinta que es una maravilla y que vive en los anales del cine 

Calificación: Excelente

Cinecritica: Django

DJANGO (IDEM, ITALIA - ESPAÑA, 1966)

Después de ver la versión de Tarantino que incluso fue nominada al oscar tuve que regresar a ver la original, y si la de Tarantino ya me había molestado cuando la vi y cada vez que la recuerdo me agrada menos ahora que acabo de ver la original no cabe duda de que le voy a tener más cariño y a despreciar todavía más la "reinvención" actual, el Django original es un personaje huraño, sucio, vengativo, ambicioso, despreciable y al mismo tiempo carismático, un antihéroe que no busca salvar a su princesa ni es el compinche de nadie, es un solitario que quiere venganza y además regodearse en ella, y si en el camino puede sacar provecho del asunto pues que sea bienvenido, claro que la trama central de "Django" se parece a la primera cinta de la trilogía del hombre sin nombre del maestro Sergio Leone pero al mismo tiempo esta es una copia de "Yokimbo" del maestro Akira Kurosawa ya que el cine vive de copiar, de robar, de homenajear, de plagiar y de tomar ideas de uno y otro lado.

 

Ya desde el inicio la cinta de Sergio Corbucci es mucho mejor mostrándonos a Django (Franco Nero, perfecto) arrastrando un enigmático ataúd por el fango mientras la magnifica música de Luis Bacalov con letra de Franco Migliacci, sin duda desde ahí la nota es alta y casi no se baja hasta que nos entrega un desenlace magnifico, Django rescata a una muchacha que primero esta siendo castigada por mexicanos y después a punto de ser asesinada por un grupo de norteamericanos, a partir de ahí Maria (hermosísima y potente Loredana Nusciak) quedara prendada de Django a quien no parece importarle nada, ni las mujeres, ni las personas, al llegar al pueblo donde solo queda el burdel con chicas y el encargado Django se entera de los dos grupos que se pelean el poder, los racistas del mayor Jackson (Eduardo Fajardo, bien) y los mexicanos revolucionarios liderados por Hugo (Jose Bódalo como un pancho villa terrenal), Django busca pelea con los muchachos de Jackson y lo reta a traer a toda su gente para después matarlos con una sorpresa del ataúd donde habita Django.

 

Los mexicanos llegan y Django tiene un plan para robar el oro que Jackson lleva a los mexicanos, al lograrlo Hugo lo traiciona pero Django sin inmutarse decide cobrárselas con consecuencias terribles para los dos lados, al final una balacera y una pelea final en un cementerio ponen la cereza en el pastel de un clásico, un spaguetti western que injustamente ha sido olvidado y subvalorado, una gran cinta que es sucia, violenta y tiene un humor sardónico y un personaje memorable, además la dirección tiene esa frialdad y suciedad del genero en esos años que tanto me gustan, las balaceras exageradas, la extraña relación de amor/odio del protagonista y la chica, los villanos exagerados y despreciables, escenas violentas que más que graficas lo son por el significado, cierto corte de oreja haciendo que la victima la trague, cierto deporte con mexicanos corriendo como si de animales de diversión se tratara o la desgarrante tortura a Django dejándole inutilizables las manos con bailes de caballo incluido, además están los simbolismos y una suciedad que ya no se ve, como la de la pelea mano a mano, de pronto se ven las fallas pero es tan sucia que uno termina disfrutándola, mención aparte a la escena final con esa blasfemia por parte del villano y el deleite final después de ver a Django disminuido por las manos destrozadas pero que termina en un desenlace agridulce con Django alejándose de cara mientras dejo las marcas de sangre en la tumba y la memorable canción del personaje suena y resuena en nuestros odios.

 

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: La Guia del Viajero Intergalactico

LA GUIA DEL VIAJERO INTERGALACTICO (THE HITCHHIKER'S GUIDE TO THE GALAXY, REINO UNIDO - EU, 2005)

Hacia el final de la película de Garth Jennings basada en la obra literaria de Douglas Adams justo cuando la tierra esta siendo reconstruida y un ambicioso constructor lleva al protagonista con unos extraños villanos inesperados (o no tanto) no pude dejar de pensar lo alucinante y psicodélico del asunto, y en la virtud lleva el pecado ya que para algunos esto resultara lo que les guste mientras que para otros los sacara de quicio, no cualquiera entiende o le gusta un chiste de mala poesía extraterrestre, o que dos personajes se conviertan en sillones, por supuesto que eso limita su audiencia pero el libro en el que esta basado tampoco es para todos los gustos, y a final de cuentas ¿Qué es para todo publico? lo que si es que si son amantes de la satira y del humor ingles este es un titulo que no deben perderse.

 

La cinta comienza mostrándonos hilarante musical de los delfines donde nos mandan a freir espárragos despues de querernos advertir y no hacerles caso, después vemos a Arthur Dent (Martin Freeman adecuadamente desesperante) quien literalmente odia su vida y que se recrimina un segundo si y el otro también haber perdido el amor de su vida, la jovencita hilarante Tricia (Zooey Deschanel que es simpática, hermosa y divertida como siempre), pero además se levanta con la noticia de que su casa será demolida para una via y mientras trata de impedirlo su amigo Ford (Mos Def) le confiesa que es un extraterrestre y que le salvara la vida ya que la tierra será demolida, en menos de lo que canta un gallo ocurre el fatídico evento y están de polizonte en la nave de los Vogones, una raza extraterrestre de burócratas sin imaginación ni talento que solo saben de papeles y tiempos.

 

Son encontrados y torturados con poesía Vogon para después ser expulsados donde son recogidos por corazón de oro robada por el presidente de la galaxia Zaphod (Sam Rockwell adecuadamente sobreactuado) quien viaja con el amor imposible de Arthur que ahora se hace llamar Trillian porque se oye más espacial y que busca la respuesta a la pregunta el sentido de la vida, el universo y todo lo demás por la gloria de lograrlo, en tanto que son perseguidos por el autosecuestro del presidente y el robo de la nave viajan por planetas extraños, se topan con alienígenas todavía más extraños y ven cosas estrambóticas a más no poder, al final los villanos no terminan siendo los vogones, ni el estúpido presidente con doble personalidad sino unos seres tan repugnantes como ambiciosos y muy cercanos a nosotros, mención especial para todas las criaturas creadas por Jim Henson Shop que le dan una credibilidad que no tendrían de haber sido hechas a computadora, por una loca banda sonora, por una fotografía lograda y por una historia llena de locuras donde el único pero es la falta de lógica ¿o es su virtud?

 

Calificación: Bien

Cinecritica: Oblivion: El Tiempo del Olvido

OBLIVION: EL TIEMPO DEL OLVIDO (OBLIVION, EU, 2013)

Segunda película de Joseph Kosinski cuya opera prima fue la secuela/remake/churrazo del clásico de culto "Tron" y que ahora se redime de manera excelsa, el mismo Tom Cruise que desde que lo odia la industria hace muchas cosas interesantes se dio cuenta del potencial de la novela grafica del primero y se sumo al proyecto de manera inmediata en sus inicios, lo logrado es un metraje muy interesante y emocionante que trata muchísimos de los temas clásicos de la ciencia ficción pero no solo en cuanto a cine sino principalmente en libros, programas clásicos y comics que tratan el asunto con mucha profundidad pero sin perder el toque de entretenimiento, y con todo el relajo de ideas que carga uno pensaría que no embonan bien en la trama o que entran con calzador, o por lo menos que el asunto no pasaría de pedantería aburrida, nada mas lejos de la realidad, una de las mejores películas que me ha tocado ver últimamente y ni se diga de las nuevas, desde aquí y aunque se oiga a locura una de las mejores películas que salió en el año.

Por supuesto que a la cinta no le fue muy bien, no tanto en taquilla donde se defendió sino en la opinión del respetable y especialmente en la de la critica, mientras que a nivel mundial no le fue tan mal en EU fue ninguneada y hasta atacada por ser desabrida y carecer de sorpresa, aunque sea cierto que los fanáticos del genero estaremos un paso adelante de los acontecimientos estos están tan bien planeados que no queda más que rendirse ante ellas. Es el año 2077 y solo están dos personas en el planeta o por lo menos en la zona donde sobreviven en una casa en las alturas donde la fría Victoria (Andrea Riseborough bastante bien) es la encargada de comunicaciones y su compañero Jack Harper (Tom Cruise, muy bien) se encarga de mantenimiento y reparación de drones, unos robos que cuidan las plataformas que toman el agua para mandarla al Tet, una colonia espacial que espera por ellos dos para llevarlos a una de las lunas de Saturno donde sobrevive lo que quedo de la humanidad después de que los carroñeros llegaran al planeta, destruyeran la luna y nos atacaran.

Jack se enfrenta a los carroñeros que parecen tener una extraña obsesión con él y repara los drones que puede en tanto que estos roban las baterías de los robots con propósitos desconocidos, pero Jack no quiere abandonar el planeta, lo ve con nostalgia y quisiera quedarse en su refugio secreto donde vive cual Wall-E humano, una especie de Cruis-E donde el solitario hombre recolecta basura como tesoros, hace una cabaña a orillas de un lago, se pone a oir discos de vinilo, y sueña con una vida de tranquilidad, aunque también sueña con una extraña mujer (Olga Kurylenko, bastante bien) que nunca desaparece de su mente aunque no tiene ni idea de quien es, asi con este Cruis-E que posa para nosotros en hermosos lugares devastados, que cuida con anhelo una flor y que no quiere dejar el planeta en las dos semanas de misión que le quedan de pronto todo le explota en la cara, los carroñeros atacan con todo, una nave espacial antigua cae y tiene a la mujer de sus sueños entre los pasajeros, Jack desobedece y se enfrenta a Sally (Melissa Leo) comandante del Tet para descubrir un terrible secreto tras otro, que son los carroñeros, que hay en las zonas prohibidas de radiación, quienes habitan el Tet, y un larguísimo etcétera que no puedo contar sin echar a perder las sorpresas, solo decir que cumple todos los estandartes de una buena ciencia ficción, preguntas existencialistas, dilemas morales y hasta un final cristico. Mención aparte para los efectos especiales justamente porque no abusan de los gráficos por computadora y la mayoría son a la vieja escuela, como la proyección del cielo, la nave burbuja, las locaciones y hasta las escenas de acción, todo adornado de una belleza especial (campos y cielos abiertos y luminosos) y una banda sonora memorable de la mano de M83, una delicia en todo sentido.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Martha Marcy May Marlene

MARTHA MARCY MAY MARLENE (IDEM, EU, 2011)

Impresionante drama denunciante o mejor dicho documental sobre los trastornos que sufre una persona que ha sufrido lavado de cerebro por parte de alguna secta de esas que abundan por todos lados pero que florecen en los EU, en la vida diaria nos intentan lavar el cerebro en todo momento, sea por publicidad, por el trabajo, nuestros amigos, conocidos y/o familiares y en el país en mayor medida el gobierno y el duopolio televisivo que vienen a ser la misma entidad, todos somos afectados en mayor o menor medida pero la máxima pesadilla de cualquiera es que alguien lo manipule a voluntad, ser el títere de alguien en tal grado que este pueda manipular nuestra realidad de tal manera que ya no podamos vivir con normalidad, eso es justamente lo que cuenta el primer largometraje de Sean Durkin, una crónica que juega con los tiempos y la realidad y que exige la atención de respetable pero que tiene su mejor carta en una protagonista que esta excelsa.

 

La Martha (Elizabeth Olsen, sorprendentemente excelente) escapa de una granja que esta me medio de la nada siendo perseguida por todos los habitantes, no solo eso sino que estos le siguen la pista, Martha se comunica con su hermana Lucy (Sarah Paulson) quien la lleva a su casa junto a su marido Ted (Hugh Dancy) para que se recupere de las obvias heridas sicológicas que acarrea, el problema es que Martha no habla sobre lo que le sucedió, ni siquiera toca el tema del pasado, se limita a vivir haciendo lo mínimo y recordando todo el día de manera esporádica debido a los acontecimientos presentes sucesos que tuvo que soportar en esa granja sectaria, además de que Martha de vez en cuando ve a algún compañero que aparece estratégicamente para hacerla desvariar, o quizá para mostrarle a Martha que ahí están, que no la han dejado en libertad y que su mundo es con ellos.

 

Claro que esa es una interpretación y la otra es que tanto de lo que ve Martha en el presente es real, y más aun si todo lo que recuerda es verídico, ella misma tiene claro que necesita ayuda profesional, que olvido a vivir como una persona normal, que sus reglas sociales son diferentes, que tiene o vive en una inmoralidad o viceversa que no va de acuerdo con nuestra realidad actual, dos años bastaron para que el maniático líder Patrick (John Hawkes) despedazara la mente de Martha, para que le dejara un trauma de por vida, para que fuera rebautizada como Marcy May, para que no distinguiera la realidad y donde el único escape posible vino de una pizca de moralidad que habitaba dentro de Martha y que despertó en el momento que sucedió algo horrible en esos robos nocturnos de donde sobrevivían los sectarios. La dirección de Durkin es buena aunque tramposa, pero se agradece que no nos crea tan tontos como para especificar los cambios y saltos de tiempo, asi como la ambigüedad del guion donde nada que da claro y nos deja la interpretación libre, y más aun por un final decididamente terrorífico donde la cara de Olsen vale la cinta, y hablando de ella merece mención aparte, lo mejor de la cinta y la razón principal de la recomendación ya que ella sola le eleva la nota con una actuación esplendorosa donde sus puros ojos denotan cambios impresionantes.

 

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Mary Last Seen

MARY LAST SEEN (IDEM, EU, 2010)

En el DVD de "Martha Marcy May Marlene" tenemos el primer corto del director Sean Durkin que obtuvo buenos resultados presentándose a competencia en diferentes certámenes, y lo interesante del asunto más que su calidad es que por supuesto es un acompañamiento perfecto de la opera prima de Durkin de la que hablare en la siguiente entrada, este corto no llega ni por asomo a la calidad de la primer cinta de Durkin que tiene algunas cosas interesantes pero que tiene sin duda lo mejor en una protagonista francamente impresionante, aquí vemos algo parecido a lo que vive Martha de la cinta, una especie de prologo que resulta terroríficamente aterrador por lo sencillo del asunto.

 

Una pareja va de viaje, el novio (Brady Corbet que repite su papel en "Martha Marcy May Marlene") le tiene preparada una sorpresa, la chica (Alexia Rasmussen) confía plenamente en su novio y este es su peor error y su maldición, después de que el tipo la usa tira su celular, la lleva a través del bosque, la pierde, la incomunica, la hace insegura y después la lleva hasta una granja en medio de la nada donde la abandona para un destino fatal que todos imaginamos.

 

Asi que esta especie de prologo de su opera prima es tan desesperante como desesperanzador, a final de cuentas las chicas inseguras y solas son una presa muy fácil de este tipo de sectas que solamente las utilizan, y lo que da más miedo es que las chicas lo hacen para escapar de una realidad que no desean para terminar en la misma multiplicada por mil y muchas chicas son presa sencilla.

 

Calificación: Interesante

 

Cinecritica: Trance

TRANCE (IDEM, REINO UNIDO, 2013)

En algún momento de la cinta la engañosa y escurridiza doctora hipnotista Elizabeth Lamb (Rosario Dawson) le restriega en la cara al desesperado mafioso Franck (Vincent Cassel) que la hipnosis no funciona para todos y que si quiere resultados tiene que esperarse a que prepare poco a poco el pastel, por supuesto que pareciera que Danny Boyle es el que nos esta diciendo estas palabras y que la hipnotista solo nos lo hace saber, las cintas de Boyle nunca han sido para todo el publico, ni sus premiadas cintas son tan "normales" como para ser disfrutadas por el respetable en general, solo aquellos a los que les agraden las locuras y aspavientos del director encontraran una nueva cinta que sumar a las correspondientes, y si algo tiene el cine de Boyle es que el elemento visual es muy importante, tanto como la historia y a veces más que la misma historia, de hecho esto sucede con este acercamiento al cine negro, al noir, que no es tanto una pieza del genero como una excusa de genero de ladrones donde Boyle de plano usa todos sus recursos visuales para deleitarnos y para mantener nuestra atención fuera de la historia que aunque interesante nunca termina de pegar.

 

Y es que como el buen hipnotizado uno tiene que estar de acuerdo en que lo engañen y pasar por alto multitud de detalles, algo que no es tan complicado debido a la excelente dirección de Boyle y la excelsa fotografía de Anthony Dod Mantle que nos deleitan en cada momento, que si alguna toma imposible desde fuera de un edificio acercándose al lugar de la sesión pasando el cristal de la ventana, que si alguno de los sueños locos que le encantan al director, la cámara estática mientras un protagonistas se queda estoico al verse timado, una toma larga siguiendo a cierto personaje, o una toma desfocada mostrándonos cierto fetiche de manera imaginativa, que si toma un espejo y luego al actor, los recursos que tiene Boyle son muchos y son usados correctamente para que no pensemos demasiado la historia que tiene algunos fallos, si se piensa con tranquilidad uno se da cuenta que no es creible y que siempre hace trampa, además los cinéfilos expertos de inmediato sabran de que va la cosa y como terminara lo que resta puntos pero que nunca estropea el viaje.

Simon Newton (James McAvoy, bastante bien e injustamente ninguneado) trabaja en subastas y nos explica como esta en asunto que termina en un robo donde sale golpeado de tal manera que sufre amnesia, al recuperarse es buscado por los ladrones con quienes resulta estaba confabulado porque la pintura se perdió en alhgun momento del atraco, Franck intenta todos los medios, la tortura, la platica y finalmente desesperado se va por la hipnosis, Elizabeth empieza a trabajar en Simon y se da cuenta de que algo extraño sucede y finalmente se alía con el mafioso con la promesa de hacer que Simon recuerde lo sucedido, siempre y cuando le toque un porcentaje decente, de aquí la historia es un vuelco de traiciones, de vueltas de tuerca, de recuerdos reprimidos, de miedos desatados, de sexualidad desatada, hasta que llegamos al final con tantas vueltas y sorpresas que uno no tiene tiempo ni de pensar, lastima que para los fanáticos del genero todo siempre se adivine desde antes, pero aun asi la delicia visual, las trampas del guion, la complejidad de los personajes, una banda sonora excelente, una fotografía exquisita y guiños y simbolismos al arte más puro y excelso hacen esta cinta una recomendación forzada.

Calificación: Bastante Bien

Star Trek: En la Oscuridad

STAR TREK: EN LA OSCURIDAD (STAR TREK: INTO DARKNESS, EU, 2013)

Secuela de la primera parte de la "reimaginación" de la saga "Star Trek" de la mano de J.J. Abrams, la primera fue una entretenida cinta veraniega inteligente y bien filmada pero tambien algo sobrevalorada de la mano del nuevo rey midas del cine, no se que tanto les haya agradado a los "trekkies" porque no conozco ninguno tan fanatico y en lo personal casi no conozco nada de la vieja saga, pero creo que no levanto tantas infulas como esta parte que ha sido criticada y atacada por aqui y por alla por detalles sin importancia, que su Alice Eve sale en ropa interior gratuitamente, que si el nuevo Khan no tiene descendencia india, que si el que grita es otro y un largo numero de peros que son francamente ridiculos, en primera porque lo de Eve dando fanservice no se ve solo en esta cinta, en casi todas las peliculas sucede, y ¿a poco cada vez que le cambien algo a un personaje van a pegar de gritos? digo para que mejor los hagan a computadora y esten igualitos y lo de los cambios pues obviamente son guiños/saqueos/homenajes, nada porque cortarse las venas.

Dejando de lado tanta polemica vamos a lo que es, no he visto "Viaje a las Estrellas II: La Ira de Khan" ni me muero por verla, aunque teniendo la oportunidad lo haria porque entiendo que esta es una especie de remake de esa cinta donde Ricardo Montalban hacia de villano en turno, no creo que sea una joya como tampoco es la de Abrams que solo entretiene al respetable, y lo logra de buena manera. Despues de una secuencia a la Indy comenzando la cinta vemos como Kirk (Chris Pine) es despojado de su nave por omitir detalles del viaje, en tanto un alto oficial de la federacion hace un ataque terrorista para despues atacar a todos los oficiales de alto rango, Kirk quiere vengarse y Marcus (Peter Weller) jefe de toda la flota le da la oportunidad, algo que cambia cuando Kirk sigue el consejo de Spock (Zachary Quinto, bien) y lo quiere llevar a juicio.

Pero el enigmatico villano los salva y no opone resistencia al encarcelamiento, aunque no desaprovecha la oportunidad de explicar todo antes de confesar que su verdadero nombre es Khan (Benedict Cumberbatch robandose la cinta) y que quiere vengarse de Marcus, todo esto lleva a multiples vueltas de tuerca, el sacrificio de un miembro del equipo y el grito de ira de otro que no cesara hasta vengarse, no es la mejor trama del mundo pero cumple y me gusto muchisimo que no se abusara de los efectos por computadora y que Abrams busco la forma de hacerlo de la manera más artesanal posible, con cables, decorados y arriesgando la integridad de los actores, aunque ahora el protagonismo de los miembros del equipo cambia, Uhura (Zoe Zaldana) casi ni aparece, la Dr. Carol Marcus (guapisima Alice Eve) no tiene nada que hacer que no sea modelar ropa interior, Chekok (Anton Yelchin) simplemente esta, Sulu (John Cho) sigue siendo importante, "Bones" esta simpatico y "Scotty" (Simon  Pegg tan bien como acostumbra) gana mucho protagonismo, algo que agradecemos los fanaticos del talentoso comico. Ni modo, esta comedia ligera de ciencia ficción y accion me gano, no es nada del otro mundo pero es un buen entretenimiento y los villanos tienen metas obvias y sencillas, no se porque se quejan, ahora resulta que tampoco les gusta que sea sencillo, pero tampoco les gusta que los villanos se compliquen, que la....

Calificación: Bien

Cinecritica: Obras Maestras del Terror

OBRAS MAESTRAS DEL TERROR (IDEM, ARGENTINA, 1960)

Edgar Allan Poe es uno de los autores más reconocidos pero no de los más conocidos, por lo menos en mi México querido y en donde vivo si acaso lo han escuchado pero no saben que hizo y mucho menos su obra, en lo personal la conozco a totalidad y es uno de mis autores favoritos pero quizá por ello se me dificulta disfrutar sus adaptaciones porque la grandeza del autor nunca se ha podido trasladar a la pantalla grande, su narración es tan perfecta y se muestra de manera tan inteligente (jugando con tiempos, primera persona y un largo etc.) que resulta muy difícil pensar que se pueda lograr una adaptación que muestre la angustia, la tensión, el suspenso y el terror de su obra. Por lo tanto no me pareció que esta cinta que esta formada por tres episodios todos ellos basados en un cuento de Poe sea lo que asegura su titulo, una obra maestra, las historias es las que están basadas lo son pero la actualización y cambios que le hacen a veces pegan y otras no.

 

También es obvio que al ser un largometraje formado por tres cortos la calidad no es la misma pero al ser actuada por el mismo monstruo del genero y con la misma fuente son similares en calidad, además el director es el mismo y aquí es donde entramos en una de esas leyendas que se convierten en debates, la cinta viene "firmada" por Enrique Carreras, un director mediano que nunca despunto y que tiene su mejor obra aquí pero se dice que el actor principal Narciso Ibáñez Menta y guionista es el verdadero artífice, que el junto a su hijo (también guionista) fueron los que dirigieron los capítulos y nos e oye nada descabellada la idea, pero volviendo a la cinta vemos a una mucama (Mercedes Carreras) que dizque es muy actual y nada le da miedo quedarse sola en una mansión y comenzar a leer un libro de narraciones de Poe que da pie a la entrada de tres historias.

 

En "El Caso del Sr. Valdemar" el Dr. Esckstrom (Magnifico Narciso Ibáñez Menta) ha desarrollado un método de magnetismo (¿Por qué no respetar que es hipnosis?) con el que quiere curar todo, incluso lo muerte de Valdemar (Osvaldo Pacheco) con tétricos resultados, tiene buena calidad aunque existen algunos detalles que hacen desmerecer, "El Tonel de Amontillado" es demasiado teatral y solo Ibáñez Menta como el frio y tranquilo Samivet levanta el nivel a grados imposibles, no estoy seguro si era necesario todo eso de la esposa infiel y amante galante para mostrarnos el verdadero ser de la historia pero funciona aunque quizá se alarga en demasia, por ultimo "El Corazón Delator" es una sorpresa, aunque pensé que era imposible cambiarle algo sin afectarlo la verdad las vueltas de tuerca que nos presenta son muy buenas y funcionan, aquí el viejo Thorborn (Ibáñez Menta simplemente perfecto) recibe a su sobrino Sidney (Narciso Ibáñez Serrador hijo de Ibáñez Menta en duelo interpretativo donde sale perdiendo pero increíblemente no en demasia) a quien trata como basura al igual que a la demás gente pero al final las cosas no salen como uno espera y el corazón delata al asesino pero de todas formas ya vimos antes otra cosa que nos mato del susto, sin duda la mejor pieza de la película. En conclusión una obra que aunque no perfecta realmente resulta exquisita por su terror ya olvidado, por unas actuaciones memorables y por un ambiente lúgubre que evoca los peores miedos.

 

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Terror en Amityville

TERROR EN AMITYVILLE (THE AMITYVILLE HORROR, EU, 1979)

Una de las cintas clásicas de terror por excelencia, no es tan popular pero ha sido parodiada/homenajeada hasta el cansancio, tanto asi que es el primer episodio de especial de Halloween de los Simpsons, y a partir de ella se popularizo el genero de casa embrujada, emulaciones, copias, remakes y una larga lista de secuelas que no significan nada que no sea un intento de ganar dinero han llegado a los cines, además cuando recién llego a los cines hubo mucha controversia al pensarse que solo era un engaño para ganar dinero y ella aun sigue, al mismo tiempo se le tomo a mal la vinculación con la brujería documentada en Estados Unidos algo que también hace "The Conjuring" de Wan y que le valio criticas igualmente, pero pienso que no se tiene que valorar una cinta debido a estos sino a la calidad de la misma y esta cinta la tiene, quizá para los canones actuales sea lenta pero en realidad ese ritmo pausado es muy adecuado para irnos envolviendo en la historia que se desarrolla poco a poco y que al final explota, lastima que el final sea tan apresurado, si se hubiera tomado más tiempo para explotarlo estaría hablando de una cinta mucho mejor.

 

El prologo nos muestra la terrible matanza de Ronald DeFeo Jr. a su familia, una de esas cosas que nunca tendrán explicación, después de eso vemos a George Lutz (James Brolin, bien) y su mujer Kathy (Margot Kidder) comprarla por el bajo precio a pesar de sabe lo que sucedió ahí, pero no todo es felicidad ya que los niños apenas empiezan a aceptar a George como su padre y este tiene deudas y problemas con su negocio, aunado a esto en la casa comienzan a pasar cosas extrañas, el padre Delany (Rod Steiger) no puede bendecirla ya que se siente enfermo, las moscas lo atacan y una extraña voz le ordena largarse de ahí, Delany se retira y lo mismo le sucede a una la tia monja de Kathy, George se despierta siempre a las 3:15 hora de los asesinatos, siempre siente frio, Kathy vive los asesinatos de los DeFeo, la hija tiene un amigo llamado Jody que Kathy ve por la ventana, las puertas y ventanas se cierran solas, los demonios del lugar parecen querer desquicias a George para poseerlo, los crucifijos aparecen volteados, en el sotano hay un extraño lugar que el perro aborrece y que supuestamente es un "camino" al infierno.

 

De ahí vienen los tópicos, sonidos por todos lados, voces aquí y alla, sombras que se mueven pero que no están, ruidos que solo uno escucha, paredes y escaleras que sangran, luces que surgen de la nada, apariciones de extraños personajes y he de decirlo en su mayoría funcionan, solo que los efectos dejan algo que desear al no ser de primera calidad por su cuna independiente, también hay algunas lagunas que el director Stuart Rosenberg no llena, ideas que pone ahí pero que nunca desarrolla ni explica aunque algunas intente sobreentenderlas, y finalmente ese final apresuradisimo donde pareciera que se les acabo el dinero y que por ello lo tuvieron que rodar de ya a como quedara porque se prestaba para mucho más debido a que la atmosfera ya estaba conseguida y estábamos convencidos de lo que haría George y de la locura/posesión que embargaba a George, y aunque interesante nunca logra un sentimiento de verdadero terror, aprehensión más que nada por el ambiente malsano que logra el director pero que lamentablemente nunca alcanza el climax como es debido, pero aun asi y a sus multiples detractores me gusto la cinta y ni que decir que es mucho mejor que muchas donde los efectos especiales agobian tanto que lo que menos hacemos es sentir cualquier sentimiento y no salen casas con caras.

 

Calificación: Bien