Cinecritica: El Imperio del Sol

EL IMPERIO DEL SOL (EMPIRE OF THE SUN, EU, 1987)

Despues de la subvalorada "The Color Purple" Steven Spielberg intento de nuevo con una pelicula "seria" o "de arte" como dicen los entendidos, en lo personal nunca he entendido porque se hace esta diferencia pero bueno, lo que si es que fue mejor recibida, quiza porque aqui probaba con una historia más universal, al mismo tiempo que mostraba los horrores de la guerra y a los norteamericanos como salvadores, o quiza se deba al trabajo impecable del reparto o porque logra algunas tomas y escenas sorprendentes, al final uno no se queda con toda la cinta en la cabeza pero si con algunos momentos que no son faciles de olvidar, como no he leido la novela autobiografica de J. G. Ballard no se que tan fiel al texto sera pero por lo menos Spielberg logra que la historia no se sienta como una viñeta del libro sino con estructura propia.

En 1941 los britanicos viven como reyes en China, al ser una colonia los trabajadores chinos tienen menos oportunidades y deben servirle a los ciudadanos ingleses, Jim Graham (Christian Bale, muy bien) es un malcriado niño que sueña con aviones y piensa que sus sirvientes desean el trato que les dan, cuando Japon ocupa China la tensión empieza y les dan tiempo a los ingleses de salir, pero la familia de Jim se queda y cuando empieza el ataque quedan en medio de los enfrentamientos, en los disturbios Jim se separa de su familia y queda desamparado, vuelve a su casa para encontrar el desprecio de su anterior servidumbre, ahi sobrevive un tiempo pero luego tiene que salir, en medio de un robo es rescatado para ser vendido pero nadie lo quiere porque esta enfermo por lo que el vividor Basie (John Malkovich, bien) intenta deshacerse de él pero la codicia hace que los lleve a la casa del chico donde son apresados.

Son llevados a un campo de concentración donde Jim toma las cosas bastante bien y se convierte en el alma del campamento, tanto asi que Jim tiene relación con los japoneses, al mismo tiempo que le ayuda al Dr. Rawlins (Nigel Havers) y en los negocios de Basie, pero todavia es protegido por la mrs. Victor (Miranda Richardson tan formidable como acostumbra) recordandonos que aun es un niño, la historia termina con felizmente con tragos amargos por el camino pero lo que voy a recordar son algunos momentos como la escena de los disturbios donde el niño se pierde, cuando esté canta en honor de los kamikazes japoneses, cuando ve la estela de la bomba atomica y piensa que es un espiritu ascendiendo al cielo, eso es lo mejor de la cinta, los momentos memorables que logra Spielberg.

Calificación: Bien

Cinecritica: El Narrador de Cuentos

EL NARRADOR DE CUENTOS (THE STORYTELLER ((JIM HENSON'S)), REINO UNIDO - EU, 1987 - 1988)

En realidad es una serie pero como lo tengo en un dvd a modo de pelicula pues la pongo asi, se que hago trampa pero sus doscientos veinticinco minutos son menos que la duración de algunas peliculas, aunque si, admito que es trampa, pero esta serie de apenas nueve episodios son un deleite visual y narrativo, con un mundo creado por Jim Henson, de lo último que hizo el imaginativo director y creador, esta vez se luce con criaturas, decorados, maquillaje y pinturas en los que se retratan cuentos clasico de esos de antaño, esos que tienen una magia especial que se siente y no se sabe explicar, además lo hace respetando mucho a los cuentos originales, no les cambia más que lo justo y eso es muy inteligente porque al no meter cosas actuales nos los estropea y prevalecen en el tiempo porque estos muestran verdades universales que prevalecen y no simples modismos, además tener a John Hurt como presentador/narrador es un deleite.

Inmediatamente el narrador (John Hurt perfecto explicando con su voz) empieza a contarnos junto con su perro (voz de Brian Henson) las historias, una en cada episodio, con una ritmo veloz y siempre interesantes las historias nos sorprenden y nos dan una muestra de la cultura del pais de donde vienen, asi la primera que vemos es "Hans my Hedgehog" una historia alemana que comienza tetricamente, se convierte en un drama familiar cuando el niño con forma de erizo nace y crece, y finalmente en una historia de amor y traiciones cuando el erizo ya adulto salva un rey y le pide algo a cambio, la princesa quien se casa a regañadientes pero que descubre el secreto, de las mejores historias de la serie, la segunda es "Fearnot", una historia alemana sobre un muchacho despistado que no conoce el miedo y viaja para conocerlo, se topa con monstruos acuaticos, ninfas y hasta un demonio que habita un castillo hasta llegar a un emotivo final, muy interesante y humana en su conclusíón.

El tercero "A Story Short" es una adaptación de "La Sopa de Piedra" pero alargandose, en tiempos de miseria el narrador engaña a un cocinero haciendo la sopa de piedra pero el rey lo perdona pidiendole que le narre un cuento cada noche durante un año, llega al último dia bloqueado pero es salvado por el otro mendigo quien le crea una historia que el mismo vive, surrealista historia que se muerde la cola pero al mismo tiempo es emocionante, la cuarta es "The Luck Child" sobre un chico suertudo que se convertira en rey segun una profecia, el rey hace todo para evitarlo, lo intenta matar, lo busca, lo caza, lo engaña y al final el tiro le sale por la culata, de esas historias interesantes en las que uno se da cuenta que de no haber intentado impedir la profecia esta no se hubiera cumplido, la quinta "The Soldier and Death" basada en un cuento ruso es de lo mejor y la unica que termina mal, en ella el soldado del titulo es tan amable que comparte su comida y gana cosas a cambio, cosas que le sirven para engañar y detener a unos demonios que habitan un castillo, se convierte en el favorito del reino y cura a su hijo derrotando a la propia muerte, despues la atrapa y al ver el mundo que creo la libera pero la muerte toma a todos menos a él que hace mucho que quiere morir y hasta la fecha no puede, negandosele la entrada al cielo y al infierno, la venganza de la muerte es terrible.

El sexto "The True Bride" cuenta como una niña maltratada por un troll es salvada por un leon quien se encarga de acabar con él, despues su amado desaparece atrapado por la hija de ese troll y de nuevo el leon del pensamiento la ayuda para lograr su felicidad, una historia con un peculiar heroe, el septimo "The Tree Ravens" es esplendido, un rey se vuelve viudo y una bruja se aprovecha de él, lo asesina y convierte a los hijos en cuervos, menos la hija que se ve forzada a guardar silencio tres años para destruir el hechizo, un principe la encuentra y se enamora pero de nuevo la bruja hace cualquier tipo de atrocidades para destruirla, además la bruja es Miranda Richardson que lo hace excelente, el octavo "Sapsorrow" es otra versión de la cenicienta, menos aniñada que las conocidas pero menos oscura que la original y el último es "The Heartless Giant" sobre un gigante sin corazón que se aprovecha de un niño al que solo este puede detener encontrando el verdadero escondite del corazón, la unica manera de vencerlo.

Me gustan esta clase de cuentos y más con la franqueza y sencillez con que estan contados aqui, no hay aspavientos de ningun tipo y las criaturas logradas por el equipo de Jim Henson son fantasticas, una serie que todo niño deberia de ver para que entiendan lo que es entretenimiento de verdad y se acerquen a los libros, claro que manejan diferentes calidades debido a las historias y a los directores, aqui colaboran Jim Henson, Steve Barron, Jon Amiel, Charles Sturridge, Paul Weiland y Peter Smith, y aqui pongo los capitulos comenzando del favorito y en orden descendente; "The Soldier and Death", "The Tree Ravens", "Hans my Hedgehog", "The Heartless Giant", "A Short Story", "The True Bride", "The Lucky Child", "Fearnot" y "Sapsorrow", todas menos las tres primeras por muy poco margen, de hecho esto es ahorita mañana pudiera ser distinto, y cualquiera tendra su historia favorita ya que depende de varios factores, esa es la magia de los cuentos de hadas, de las historias que antes se contaban frente al fuego, de Jim Henson y las series cuando estas tenian calidad.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Yellow Submarine

YELLOW SUBMARINE (IDEM, REINO UNIDO. 1968)

Pelicula de culto de George Dunning que en realidad es una joyita, claro que la historia solo es una excusa para la psicodelica relación y al mismo tiempo estos locos dibujos y el mundo que se creo con ellos es solo una excusa para escuchar la majestuosa musica de "The Beatles", asi que vamos comenzando por partes, la pelicula es unicamente para los fanaticos del cuarteto de Liverpool asi que no te gustan los Beatles ni se acerquen, tambien es para los que gustan de la animación y en especial de una en que lo principal son las cosas raras y los diseños en lugar de la historia, es decir que la cinta es un deleite tanto visual como sonoro pero solo si te gustan las cosas que mencione, de otra manera ni siquiera acercarse si no quieren empezar a despotricar, si eres de los mios entonces solo te sentaras en la pantalla más grande que encuentres y le subirar al maximo para disfrutar la musica y los colores que la acompañan.

 

Como apunte antes la historia tiene poco sentido aunque si sigue un hilo principal, al inicio vemos la idilica vida en Pepperland pero The Blue Meanies atacan para acabar con todo ya que odian la musica y la felicidad (claro que en la pelicula estos dos terminos son uno), Fred logra escapar y llega a Londres donde encuentra a Ringo en un ataque ¿depresivo?, esté accede a ayudarlo y junta a John, George y Paul para viajar en el submarino amarillo del titulo con el que se embarcan en un loco viaje donde viajan por el mar del tiempo donde se avejentan y rejuvenecen, el mar de la ciencia, el mar de los monstruos donde conocen bichos exoticos, el mar de la nada donde conocen al hombre de ningun lugar, el mar de las cabezas y el mar de los agujeros, cada uno tan raro como el otro.

 

Al final logran llegar a su destino y se enfrentan a The Blue Meanies, se encuentran con otros "yo" y al final todos se hacen amigos, un final simple y sencillo para una historia que es todo menos sencilla, de cualquier manera es un deleite para los fanaticos, a lo largo de la pelicula escuchamos "Yellow Submarine", "Eleanor Rigby", "Love You To", "A Day in the Life", "All Together Now", "When I'm Sixty-Four", "Only a Northern Song", "Nowhere Now", "Lucy in the Sky with Diamonds", "Think for Yourself", "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", "With a Little Help from My Friends", "All You Need is Love", "Baby, You're a Rich Man", "Hey Bulldog", "It's All Too Much" y al final de nuevo "All Together Now" con los Beatles en persona y subtitulada en muchos idiomas, el dvd tiene todos las canciones subtituladas asi que se puede acompañar o saber exactamente que dice la canción, un deleite audiovisual para fans.

 

Calificación: Bastante Bien

Musica: Thunder Kiss '65 - White Zombie

WHITE ZOMBIE - THUNDER KISS '65

White Zombie fue una banda de Industrial/Groove Metal, cuyo nombre fue extraído de la película de 1932 White Zombie, protagonizada por Béla Lugosi.Creados en Nueva York, White Zombie originalmente fue una banda de noise rock en la misma categoría de Sonic Youth.

 

White Zombie fue conocido por combinar el metal con los riffs de guitarra (como en "Super-Charger Heaven") sobrecargado de líricas fuertemente influidas por películas de terror y una estética pseudo-satánica. A diferencia de otras bandas metal de los 90, White Zombie era casi exclusivamente una banda de “fantasía”, escribían canciones no sobre de la vida real, sino sobre fantasías de terror surreales. La música de White Zombie está plagada de influencias y referencias a la serie B estadounidense, las películas de Roger Corman o Russ Meyer, los cómics, la ciencia ficción o la cultura decadente estadounidense. Su auge a mediados de los 90 coincidió con el de otros grupos con similares influencias, como Monster Magnet o Marilyn Manson .El grupo oficialmente se desintegró en 1998 y al poco tiempo apareció como solista Rob Zombie (su vocalista y fundador) con su álbum Hellbilly Deluxe.

 

."Thunder Kiss '65" es el primer y único sencillo oficial del álbum La Sexorcisto: Devil Music, Vol. 1 de White Zombie. Las muestras de audio "You're all shook up, aren't you baby?" y "I never try anything I just do it. Wanna try me?" fueron tomadas de la película de 1965 Faster, Pussycat! Kill! Kill!.

 

Video original (gracias a WhiteZombieVEVO)

 

Lyrics (gracias a Farelbroz135)

 

En vivo traducido (soso) (gracias a vikingoth)

Reseñas Manga: Chobits # 1

CHOBITS # 1

Por fin vuelvo a leer algo de Clamp, especificamente la secuela de la fallida "Angelic Layer" que muy rapidamente deja ver que sera mejor que esa pero que aun asi sigue teniendo algunos peros, aunque se entiende que esta serie es un fanserve con candyeye a la maxima proporción, no solo porque aparecen las tipicas chicas guapas de toda serie Clamp si no porque aqui la principal es el sueño de todo friki y solo en este primer tomo viste tantos atuendos fetiches que la cosa roza el ridiculo, si no me gustaran me sentiria ofendido (haha), es asi que vemos a Chii desnuda, solo con una sudadera, con un vestido lolita, con ropa de hombre, uniforme de bar, uniforme de marinerita y de gimnasia escolar, pero ya me perdi, todo comienza conociendo al perdedor depravado sin un quinto tipico del manga, Hideki, en ese tiempo las computadoras personales tienen forma humanoide y desempeñan todo tipo de funciones, Hideki se encuentra una tirada en la basura y al activarla solo dice Chii por lo lque asi la llama.

 

Pero Chii no es una computadora normal, no tiene sistema operativo y aun asi funciona y aprende lo que ve, el amigo experto en computadoras Shinbo no puede revisarla, ni siquiera el magnate y niño genio puede por lo que deduce que es una de las legendarias computadoras llamadas Chobits, de ahi la cosa se mueve en el terreno de la comedia, conocemos muchos personajes, además de los mencionados estan la casera Hibiya, la linda Yumi y la profesora Shimizu quien llega a pasar la noche con él (no en ese sentido), mientras un filosofico libro infantil le llama mucho la atención a Chii. Buen inicio en una historia que se mueve con agilidad y con un dibujo muy bueno, especialmente cuidado en Chii, y con algunos momentos hilarantes, me refiero a lo que pasa Hideki comprando ropa interior o cuando le toman el pelo, promete.

 

Calificación: 7.5 Bien

Cinecritica: El Gran Truco

EL GRAN TRUCO (THE PRESTIGE, REINO UNIDO - EU, 2006)

Peliculon de Christopher Nolan que ha sido subvalorado por la mayoria, incluso por un servidor, la primera vez que la vi me dejo tan aturdido (a pesar de que entendi todo lo que pasaba y el final se adivinaba desde antes) que no alcance a vislumbrar su grandeza, tanto asi que la comparaba en nivel con "El Ilusionista" pero despues de rumiarla llegue a la conclusión de que definitivamente era mejor, por lo menos dejaba un sentimiento mucho más denso y profundo que la critica politica del otro filme, es asi que despues de verla de nuevo uno la disfruta mucho más, con las cosas más claras ve todos los matices, las obsesiones compulsivas de unos psicopatas traumados en ristre que se autodestruyen mientras piensan que se acercan a su meta, las mismas obsesiones autodestructivas que les impiden ser felices a los demás personajes de Nolan, el psicopata vengador de "Memento", el justiciero obsesivo de "Insomnia", el traumado revanchista vestido de murcielado de "The Dark Night" o el compulsivo perseguido por fantasmas de sueños en "Inception", quiza ¿del mismo Nolan? si es asi quiza sea cierto que se autodestruye porque su última pelicula es un grandisimo paso para atras.

 

En el Londres del siglo XIX los magos atraen a las masas y son considerados autenticos artistas, la cinta nos mete inmediatamente a la acción cuando el inteligente y audaz Alfred Borden (Christian Bale, muy bien) se mete tras bambalinas y es testigo del asesinato del artista mago Robert Angier (Hugh Jackman, muy bien), despues de esta introducción vemos el juicio y como llega a las manos de Borden el diario de Angier, al leerlo se da cuenta de sus vivencias y dentro de esto vemos como Angier lee el diario de Borden para descubrir el secreto de su mejor truco por el que esta obsesionado, es asi como nos remontamos hasta atras donde Angier recuerda el pasado al mismo tiempo que descubre el de Borden con su diario, tres lecturas y tiempos que hacen que la cinta no sea linealmente cronologica pero que funciona mucho mejor por las sorpresas que esto conlleva, dicho de otra manera si no la cinta no se contara asi seria menos interesante, al inicio vemos las diferencias de los dos magos quienes trabajan para otro mago y con el habil ingeniero Cutter (grandisimo Michael Caine), pero cuando Borden tenga la culpa de la muerte de la esposa (Piper Perabo) de Angier se vuelven enemigos a muerte.

 

Se sabotean los espectaculos, se disparan y tumban dedos, matan palomas, se roban trucos, especificamente el hombre transportado, un truco magnifico que Borden no sabe vender y que Angier le roba, pero esta obsesionado y manda a su nuevo amor Olivia (Scarlett Johansson) para descubrir su truco, Angier no soporta la felicidad de Borden con su esposa (Rebbeca Hall) y se obsesiona con destruirlo cosa que Borden sigue, Borden destruye su acto, Angier secuestra a la mano derecha de Borden, Fallon, busca a Tesla (David Bowie, excelente) quien es perseguido por los hombres de Edison para que le construya una maquina que equipare el truco de Borden, es asi como vemos las cuarta versión del truco, la más oscura y donde sabemos que Angier finalmente se ha perdido, al igual que Borden quien encuentra su destrucción, ya no se trata de estar a mano si no de destruir al otro, no de demostrar quien es mejor mago si no de ganar, un excelente relato de obsesiones en donde Caine se luce, sale el mejor cientifico de todos los tiempos, el perseguido Tesla, las mujeres de ambos sirven como herramientas y Johansson esta ahi para desviar nuestra atención, despues de todo la cinta es un truco de magia, desde el inicio nos lo dicen, son tres pasos y estan en la cinta, es cuestion de nosotros descubrirlos, pero en verdad quiza no queremos.

 

Calificación: Excelente

Cinecritica: El Apoderado Hudsucker

EL APODERADO HUDSUCKER (THE HUDSUCKER PROXY, EU, 1994)

La quinta pelicula de los Coen es una subestimada pelicula de comedia con toques de romance al estilo más antigüo, como si fuera una pelicula de los treinta, aqui a diferencia de la hilarante "Raising Arizona" la cosa se filma con tomas largas y estaticas y los personajes toman una interpretación más realista, aunque la verdad sea dicha no tanto, como cualquier otra cinta de comedia de los hermanos Coen las situaciones que se suceden son realmente hilarantes, y el reparto como de costumbres es espectacular, con actores que se encontraban en lo más alto del estrellato al lado de una leyenda y los secundarios que como en todas las peliculas de los Coen brillan como personajes excentricos, una obra no tan conocida de ellos que claro que debe revisarse si se quiere pasar un buen rato.

 

La cinta comienza con un narrador contandonos las festividades de año nuevo, menos las del nuevo presidente de la compañia Hudsucker que esta a punto de saltar del último piso, de ahi regresamos a ver como ocurrio esto, como el presidente y dueño mayoritario de la compañia se suicida tirandose en plena junta nomas porque si, como los demás socios no tienen dinero para comprar las acciones idean un plan para que bajen de precio y poder comprarlas cuando salgan a la venta, en tanto el inocente y pueblerino Norvilies Barnes (Tim Robbins, muy bien) llega a la ciudad donde empieza a trabajar en industrias Hudsucker y es convertido por el maquiavelico Sidney J. Mussburger (Paul Newman) en presidente de la compañia para que las acciones caigan.

 

Como el nuevo presidente llego de la nada y tiene muy pocas luces la feroz periodista Amy Archer (Jennifer Jason Leigh, muy bien) entra de incognito en la empresa y se da cuenta del plan de Mussburger pero por azares del destino a Norvilies le va bien pero esto lo cambia y se vuelve arrogante, cosa que los socios aprovechan para acabar con él de una vez por todas, el final es tan salido como se podria imaginar y la manera en que Barnes se salva resulta muy facilona pero que importa cuando todo lo demás ha valido tanto la pena y tenemos un personaje que por un lado es idiota pero suficientemente simpatico para ganar nuestra simpatia, quiza la pelicula más inofensiva de lo Coen pero aun asi un deleite, algo simple y que cumple como la invención de Barnes en su hilarante frase con sonrisa bobalicona y un dibujo de un circulo "tu sabes, para niños".

 

Calificación: Bien

Cinecritica: La Fuente de la Vida

LA FUENTE DE LA VIDA (THE FOUNTAIN, EU, 2006)

Ni odie ni ame esta pelicula de Darren Aronofsky, creo que la idea del director esta ahi en la pelicula pero fue demasiada su ambición y al final logro algo que no cumple como se esperaria y que resulta demasiado complicado de entender, un error ya que si bien comparto la idea de simbolismos y lectura entre lineas es una cosa muy diferente que la pelicula no se entienda, observar que tampoco es misión imporsible entenderla pero para muchos quiza solo sea un castillo de efectos especiales, en eso estoy de acuerdo, la pelicula es una tomadura de pelo, pero tambien entiendo su mensaje, un mensaje muy valioso que queda detras de tanta parafernalia pero que aun esta ahi, ahi es donde funciona la cinta, a nivel emocional con la ayuda de las imagenes y la banda sonora.

Podrian hacerse varias lecturas de la historia, lo unico que se puede asegurar es que la cinta sigue tres lineas historicas con personajes que pudieran ser los mismos, alters ego, descendientes o reencarnaciones, la primera es en la época de la conquista con la santa inquisición queriendo hacerse del poder de España, la reina Isabel (Rachel Weisz) le encarga a Tomas Creo (Hugh Jackman) que encuentre el arbol de la vida, en el presente Tommy Creo (Hugh Jackman tambien) intenta encontrar la "cura" para la muerte al no aceptar que su mujer Izzi (Rachel Weisz robandose la cinta en este papel) va a morir, en el futuro el astronauta zen Tom (Jackman de nuevo) viaja a la nebulosa Xibalba con un arból que representa a su perdida mujer, hacia el lugar donde los mayas creian que iban los muertos.

Los demás es solo una excusa para mostrarnos el dolor y desesperación de los personajes, para llegar al final salidisimo de Aronofsky, el español entiende la verdad de la vida, el doctor Tommy acepta la muerte de su mujer y planta un arból para simbolizar el renacimiento de la vida, quiza el mismo arból que en el futuro el astronauta Tom intenta reencarnar hasta que alcanza la iluminación y comprende todo, en realidad no es una cinta, es un viaje de imagenes bonitas y una banda sonora portentosa que podemos disfrutar emocionalmente, si aceptamos la valentia y la presuntuosidad del director, respeto que quiera exponer sus ideas pero aun asi es su cinta más debil.

Calificación: Vale la Pena

Musica: Born to Be Wild - Steppenwolf

STEPPENWOLF - BORN TO BE WILD

A los 4 años, John Kay (fundador de la banda), después de haber escapado con su madre de Prusia, huyó de Alemania Oriental a Alemania Occidental (lo que cantó en los temas "Renegade" de Steppenwolf 7 y "The Wall" de Rise and Shine), y se instaló con su familia en Hanóver. Emigró a Canadá en 1958.

 

Steppenwolf tiene sus orígenes en la banda de blues de Toronto Sparrow, formada en 1964 y que tocaba en cafés del barrio de Yorkville. En 1967 la banda se estableció en San Francisco (California, Estados Unidos), donde comenzaron a tocar música folk. Fue el productor Gabriel Mekler, de la discográfica Dunhill Records (Los Ángeles) el que les propuso endurecer su sonido, lo que les terminó acercando al hard rock y convirtiéndoles, ya como Steppenwolf. De hecho, el término "heavy metal" se obtuvo de unos versos de la canción "Born to be wild". Su formación original fue la de John Kay (voz y guitarra), Jerry Edmonton (batería), Michael Monarch (guitarra), Goldie McJohn (teclados) y Rushton Moreve (bajo).

 

En 1968, Nick St. Nicholas, que ya había tocado con Sparrow, sustituye a Rushton Moreve al bajo. Su tercer single, "Born to be wild", les catapultó a la fama al ser incluida en la película Easy Rider. La canción fue escrita por Mars Bonfire (Dennis Edmonton), antiguo miembro de Sparrow y hermano de Jerry.

 

El éxito continuó con canciones como "Magic Carpet Ride" de Steppenwolf the Second (1968) y "Rock Me" de At Your Birthday Party (1969). en 1970, en pleno éxito, publicaron el que, para muchos fans de la banda, es su mejor disco: el doble LP Steppenwolf Live. El disco se editó entre Monster (1969) y Steppenwolf 7 (1970), los álbumes más politizados de la banda, en los que criticaron la política estadounidense de la era Nixon.

 

La banda se separó en 1971, después de la publicación del también político For Ladies Only, iniciando John Kay su carrera en solitario, junto a Kent Henry (guitarra), George Biondo (bajo), Hugh O'Sullivan (teclados) y Penti "Whitey" Glan (batería), que fueron sustituidos por Danny Kortchmar, Lee Sklar, Mike Utley y Russ Kunkel, respectivamente. Steppenwolf se reformaron en 1974 y editaron el LP Slow Flux, pero se volvieron a disolver en 1976. Durante el periodo entre 1977 a 1980, la banda se reunió para girar en directo, esta vez sin Kay. Incluso llegaron a grabar un nuevo disco de estudio, Night of the Wolf en 1979, que permanece inédito. John Kay formó una nueva versión de la banda a principios de los años 80, llamados John Kay and Steppenwolf con los que grabó cuatro discos (Wolf Tracks, 1982; Paradox, 1984; Rock & Roll Rebels, 1987 y Rise & Shine, 1990). En 2001 publicó un disco en solitario.

 

Born to Be Wild es una canción rock compuesta por Mars Bonfire e interpretada por la banda de rock canadiense Steppenwolf. Es en ocasiones descrita como la canción originaria del estilo heavy metal, y asociada al bautismo de este estilo musical.

 

Este tema, el más afamado de la banda junto con Magic Carpet Ride, estaba incluido inicialmente en el disco homónimo de la banda, del año 1968. Un año después, fue elegido como banda sonora de la película Easy Rider, en la que la canción fue acompañada en su comienzo por el ruido de motocicletas. Desde entonces, es muy popularmente asociada al estilo motero, como lo demuestra el hecho de haber pertenecido a bandas sonoras de otras tantas películas durante escenas relacionadas con el motociclismo y la velocidad, como El regreso, Wild America, Armed and Dangerous o Herbie: A tope.

 

Ambas letras (gracias a Marianilla de Vainilla)

 
 

Otra en vivo (gracias a nedllontop) 

Cinecritica: Cuelguenlos

CUELGUENLOS/LA MARCA DE LA HORCA (HANG 'EM HIGH, EU, 1978)

Despues de su esplendido viaje por Europa Clint Eastwood regreso a Estados Unidos para hacer la productora Malpaso con la que empezo a producir peliculas en territorio estadounidense, asi que lo primero que hizo fue esta pelicula western que es una especie de hibrido entre spaguetti-western pero todavia con ecos de western clasico, el resultado es irregular y pero interesante por momentos, eso si, el amorio se siente metido a fuerza y el final incompleto porque ni siquiera se termina la venganza que era el motor de la cinta, en lugar de eso se le da algo de razón a un juez verdugo que por momentos pareciera que lo hace "por el bien de todos" y en otros que es simple ego y arrogancia.

 

El vaquero Jed Cooper (Clint Eastwood, bien) esta pasando unas reses por un rio que acaba de comprar cuando lo detienen nueve hombres que buscan quien robo esas reses que le vendieron a Cooper engañandolo, no lo quieren escuchar y se toman justicia por mano propia y lo ahorcan, lo dejan ahi y es salvado antes de morir y llevado ante el juez Fenton (Pat Hingle) quien lo contrata como Marshal conociendo su reputación, Cooper accede porque de esa manera podra tomar venganza de sus verdugos de manera "legal", pero en sus misiones se va dando cuenta de que tambien tiene un deber que cumplir más alla de su venganza personal y difiere de los metodos del juez Fenton quien manda ahorcar a todos los que puede en una ceremonia que se ha convertido un espectaculo morboso donde llega gente de todos lados para disfrutar de la muerte y la denigración de los acusados.

 

Tambien empieza a hacer migas con la viuda Rachel Warren (Inger Stevens) quien solo vive para ver como ahorcan a sus violadores y asesinos de su esposo, pero cuando llega el final de la cinta uno siente que no culmino, el climax no se siente como tal y la historia de amor resulta demasiado sencilla y sin razón de ser, supongo que quieren dar a entender que Cooper se rehabilito por Rachel y se hizo hombre de ley pero eso no explica otras cosas, ni siquiera del futuro del turbio juez Fenton que al final parece haber ganado la partida con su quebrada moral, eso si, la cinta tiene momentos realmente conseguidos; la balacera en una casona, el traslado de los tres delincuentes al pueblo y el corrupto juicio, pero aun asi queda a deber, de cualquier manera un western pionero de los "spaguetti" en norteamerica.

 

Calificación: Vale la Pena