Cinecritica: Muerto al Llegar

MUERTO AL LLEGAR (D.O.A., EU, 1988)

Lo primero que le llega a la mente a uno al comenzar a ver esta cinta es que es un homenaje o un robo/plagio a alguna cinta del cine negro clásico, cuando termine de verla me entero de que es el remake del mismo nombre de 1950 del director Rudolph Maté, por desgracia no he podido ver la original pero la premisa es majestuosa, un hombre llega a una comisaria para denunciar su propio asesinato, todos lo toman como un loco pero el tipo comienza a relatar lo que le ha sucedido a partir de unos días atrás y como llego hasta este punto, después del prometedor inicio la cinta continua de buena manera pero se va perdiendo y supongo que ahí es donde esta la diferencia con la original, pareciera que tienen demasiadas vueltas de tuerca y muchas son demasiado forzadas.

También afecta el hecho de que los directores Annabel Jankel y Rocky Morton no logren una buena dirección, no hay clase en la dirección, la cámara se corta mucho y hay muchos cambios algo que no se puede perdonar en una cinta de este tipo, la fotografía funciona, principalmente en el blanco y negro pero no es suficiente para ocultar lo otro, aun asi el guión a pesar de algunas fallas y momentos de pena ajena (esa parte del pegamento en el brazo) funciona y nos deja un buen sabor de boca, vimos una cinta entretenida y con premisas que ya se olvidaron. En el flashback vemos al pesimista y acabado profesor Dexter Cornell (Dennis Quaid) quien obtuvo fama como escritor pero esta bloqueado, su esposa lo dejo y no hace caso del talento de un estudiante, pero cuando este se suicide en circunstancias extrañas y a él lo envenenen dejándole poco tiempo de vida se da cuenta que esta metido en algo grande y no sabe que es.

De la primera persona que sospecha es de una estudiante que vio por la noche y que supuestamente lo idolatraba, es asi como une a Sydney (joven y guapa Meg Ryan) en su desesperada búsqueda y además la trata con una brutalidad que recuerda a la relación de "39 Escalones", asi el escritor va descubriendo una maraña de mentiras, relaciones incestuosas, secretos por aquí y por alla y verdaderas intenciones mientras su ex es asesinada, mueren sospechosos por doquier y alguien lo persigue para matarlo, al final la cosa se resuelve pero Cornell ya no tiene salvación, esta condenado, buena trama que de pronto se va por otros lados y que al final no regresa con tanta fuerza, la relación amorosa tampoco funciona del todo pero como los protagonistas eran pareja en ese entonces quizás esta metida con calzador, mucho mejor explotada esta en la cinta de Dante, aun asi recomendable.

Calificación: Interesante

Cinecritica: Dias de Pesca

DIAS DE PESCA (IDEM, ARGENTINA, 2012)

Dicen por ahí que esta es la misma historia que siempre cuenta Carlos Sorin, no podría desmentirlo ya que es la primera cinta que veo de él pero tampoco le veo algo de malo, casi todos los directores cuentan la misma historia o sus mismas obsesiones en todas sus cintas, su manera de ver el mundo, por ejemplo ahí esta el maestro Woody Allen que casi siempre cuenta lo mismo y cada vez lo hace de forma esplendida, asi que si volvió a contar la misma historia no importa siempre y cuando logre resultados como los de aquí, en apenas ochenta minutos Sorin nos cuenta una historia de reencuentros, de perdón, de relaciones padres-hijos que la mayoría de las veces son quebradas y lo hace bien, prefiriendo las miradas, el silencio, los gestos, el entorno a los gritos, sobre dialogarse o exagerar, y con este tipo de películas se necesita un actor como el protagonista.

Con esto me refiero al estupendo trabajo de Alejandro Awada como Marco, un ex alcohólico que se dedica a las ventas y que decide pasar unos días de relajación pescando en un pequeño pueblo de la Patagonia, en el viaje conoce a personajes interesantes, un manager prepotente, una boxeadora necesitada, dependientes y empleados amables, tranquilos peruanos y los que lo llevaran a pescar rentándole el equipo, entrenándole y acompañándolo, todos personajes en el mejor sentido de la palabra, pero muy pronto nos daremos cuenta que lo que Marco en realidad busca es reanudar la relación con su hija, apenas llegando la busca, compra un regalo y suponemos tiene todo planeado para vivir una idílica relación, pero las cosas no resultan tan fáciles como pensaba, su hija a cambiado de domicilio y se ve obligado a buscarla, lo que es peor es que cuando la encuentra la cosa funciona pero a medias, pareciera que Ana (Victoria Almeida) le guarda un gran cariño pero un profundo rencor.

Cosa que Marco confirma cuando sin decir agua va lo dejan plantado y le escupen en la cara que no lo quieren volver a ver, después de eso Marco ya no tiene porque vivir y en medio de la pesca se pone muy mal, tanto que lo llevan al hospital donde vera su última oportunidad de ser feliz. Es obvio que Marco se enferma porque su estado de animo es inadecuado, su corazón destrozado afecta su cuerpo y su mente, y cuando lo dan de alta se queda con la esperanza de ver de nuevo a su hija y su pequeñito nieto que sin duda se preocuparan por él, cosa que parece no suceder en un final desalentador que en una nueva vuelta le regresa la vida y el alma al cuerpo a Marco, después de todo su hija lo sigue queriendo, pareciera que tiene una oportunidad, como no intentar pescar otra vez, y si falla lo intentara de nuevo, y de nuevo, una metáfora simbolismo donde la búsqueda de la felicidad de cada persona es algo importante aunque se usen métodos estrafalarios o desviaciones, una historia intimista, sencilla, esplendida, donde los gestos, los silencios, las tomas largas y ver la cara de Awada que esta sencillamente perfecto es lo mejor, puro cine y con secundarios que no son actores pero que igualmente fascinan.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: En Tierra de Nadie

EN TIERRA DE NADIE (NO MAN'S LAND, BOSNIA Y HERZEGOVINA, 2001)

Peliculón debutante de Danis Tanovic que de forma increíblemente inteligente critica y parodia la guerra, la sociedad y los medios de comunicación, y lo que es mejor, lo hace sin tomar partido ni tratar de dar un mensaje o enseñar algo, sin imponernos ningún pensamiento salvo el de la estupidez humana que todos ya sabemos y conocemos de antemano, asi vemos a un grupo de soldados bosnios que son imbécilmente llevados como apoyo a través de la niebla para despertar siendo blanco de los serbobosnios que sin inmutarse los liquidan, pero en medio de la una trinchera en tierra de nadie, en medio de los dos frentes queda el resentido Ciki (Branco Duric, bien) como el único sobreviviente mientras una pareja de reconocimiento va a revisar si quedo alguien con vida, estos ponen una mina antipersona debajo de un cuerpo muerto y Ciki mata a uno de ellos y toma como rehén al otro, el novato Nino (Rene Bitorajac, bien) haciendo que haga lo que quiere, incluso el ridículo y recitándole porque su lado tiene la culpa.

 

Pero las cosas cambian cuando se dan cuenta que el cuerpo que esta sobre la mina sigue vive, el pobre y centrado Cera no puede moverse sin matarse y matar a los otros dos, ocasión que aprovecha Nino para revertir la situación y ver lo mismo pero del otro lado, al final deciden hacer una tregua tensionante y los dos lados deciden pedir ayuda a los cascos azules de la ONU para que salven a los sobrevivientes pero la realidad es que la ONU es la menos interesada en resolver el conflicto y cuando ya están ahí los soldados los obligan a retirarse sin ayudar a nadie, el conflicto moral del sargento Marchand (Georges Siatidis) se ve resuelto cuando una ambiciosa reportera lo intercepta y sabe todo lo ocurrido, cosa que Marchand aprovecha para explicarle el asunto y traer a todos los medios con lo que la ONU se vera obligada a hacer algo.

 

Por supuesto que ellos nunca quedaran mal y aunque no puedan o no quieran salvar a los soldados arman un circo mediático para convencer a los medios y además poner mal a los dos países en conflicto dejándolos peor ante los ojos del mundo, asi que en medio de las peleas de los dos soldados, la malicia de la ONU, la ambición de EU, y el amarillismo de la prensa queda en contexto que la guerra obviamente es una estupidez pero que muchos salen beneficiados con ella, además eso es algo que esta en la mente de todos nosotros pero la critica social es feroz y no deja títere con cabeza ni toma bando, los soldados ni siquiera saben quien empezó, quien tuvo la culpa o porque están en guerra, por ahí se descubren unos lazos fraternales que terminan en drama debido a la terquedad, la ignorancia y el rencor de los humanos, y más aun vemos como la prensa solo quiere dinero, como busca la nota sensacionalista o como manipula las cosas para mostrar lo que les conviene y quieren cuando lo que menos les importa son las personas, ni que decir del armamentismo feroz y la ONU que es tratada como lo que es, la cuna principal de todos los problemas actuales, un lobo hambriento con piel de oveja.

 

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Camelot

CAMELOT (IDEM, EU, 1967)

El director experto en musicales de Broadway Joshua Logan no había dirigido uno en Hollywood hasta este que no fue tan bien recibido, pero anteriormente había entregado cintas muy buenas que no tenían nada que ver con musicales y eso que fue llevado al cine casi a la fuerza debido a una enfermedad del maestro John Ford, aunque esta adaptación del musical Camelot es prácticamente igual a su homónimo en el teatro no funciona tan bien en el cine, supongo que principalmente debido a su larga duración y a que reutiliza algunas canciones que no son precisamente muy buenas, aunque le fue bastante bien en las premiaciones y hasta gano premios por su banda sonora cuando se supone que no podría ya que la música ya estaba hecha para la obra musical, y por otro lado a pesar de lo que dije a mi me gusto pero los musicales son una debilidad personal y por ello señalo la duración, se que no cualquiera aguanta tres horas de un musical que además no tiene bailables ni grandes coreografías.

 

Justamente eso es lo que se extraña, da la sensación de que uno esta viendo una obra de teatro y aunque eso suponga que es muy fiel a su fuente original uno siente que se desperdicia la oportunidad de hacerla más fílmica y dejar de enfocarse en primeros planos, close-ups, o tener a una o dos personas únicamente en escena, la historia todo mundo la conoce, el triangulo amoroso entre el rey Arturo (Richard Harris, bien), la bella Guinevere (joven y bella Vanessa Redgrave) y el perfecto caballero Camelot (Franco Nero irreconocible), al inicio vemos como el Rey Arturo esta en medio de una batalla por su honor que no le trae nada bueno ni a él, ni a sus seres amados, ni a su reino, se lamenta de como comenzó esto y recuerda cuando conocio a Merlin, a Guinevere, como hizo el reino de Camelot que por sus ideales y maneras parece el pueblo más avanzado de la actualidad y como el orgulloso, soberbio y puritano Lancelot llego a entregar su vida por el rey.

Pero aqui lo más importante es la musica, es decir los numeros musicales que son el alma y la forma de la cinta, y aquí es donde la cosa se siente más quebrada que nunca, la presentación de donde estará el rey es un tema débil, mejor el siguiente de Camelot pero quizá se usa en demasia (también se cierra con el), en realidad lo mejor viene de la mano de Lancelot, primero presentándose con la divertida "C'est Moi" donde conocemos la arrogancia del personaje y después con la mejor de toda la cinta "If Ever I Would Leave You" que es una canción de esas que quedan en la mente, junto a ellas hay algunas otras divertidas como en la que se enumeran que hara la prole como dijera la familia Peña Nieto pero la mayoría son inconsistentes o se olvidan en un segundo, algo imperdonable en una cinta musical que además solo tiene una canción de coro "Guinevere", aun asi el reparto y ciertos momentos valen mucho la pena, yo vi la versión original de casi tres horas asi que no se que tanto cambie con la versión recortada de una hora menos.

Calificación: Bien

Cinecritica: Invencible

INVENCIBLE (INVINCIBLE, EU, 2006)

El debut de Ericson Core es de esas películas estilo Disney en las que se usa el éxito inesperado en el deporte para mostrarnos algunos mensajes de crecimiento y superación personal, especialmente estos son preferibles para los niños y en la mayoría de los casos son tan chantajistas y efectivos que hasta desesperan pero tienen cierta magia, en esta ocasión la historia no es precisamente para chamacos y el director tiene una dirección tan artesanal y funcional que ayuda bastante a su visionado, la cinta cuenta la historia de Vince Papale (Mark Wahlberg) una especie de Rocky de la vida real que en los setenta paso de ser un mesero en cierto bar de mala muerte a convertirse en el símbolo de la esperanza de las águilas de Philadelphia por el amor que le tenia al equipo (es un fanatico empedernido) y por las ganas que tenia de trascender.

 

Al parecer las águilas de Philadelphia tienen una racha terriblemente mala y nada parece salvarlos de tener que sufrir vergüenzas temporada tras temporada, la directiva se anima con entrenador novato (Greg Kinnear) al que le ha ido bien en ligas estudiantiles que no comienza bien la temporada pero que se arriesga llamando a cualquiera que quiera ir a probar suerte para ver si puede formar parte del equipo, esto lo hace para levantar el espíritu de los fanáticos pero se encuentra con un diamante en bruto, Papale que fue jugador esudiantil y que todavía mantiene buenos tiempos y calidad, el mesero no cree lograr nada pero es llamado y queda en espera del recorte final donde hasta el entrenador quiere cortarlo, pero que empieza a dudar cuando ve sus espíritu, sus ganas y el amor por la camiseta, algo que las estrellas del equipo no tienen.

 

Al mismo tiempo que lidia con esto trata de llevar una relación con una fanática de los Giants, la mesera Janet (Elizabeth Banks haciendo algo que le queda bien), recuperando la relación con su padre, superando el divorcio con su mujer, y resistir las envidias y problemas de sus compañeros y amigos, al final lo que sucederá es obvio pero esos minutos finales y con ese touchdown inventado uno siente que todo es posible y que la cinta funciona, por lo menos dice su discurso de manera convincente y ver en los créditos al verdadero Papale luchar a sus mas de treinta con toda el alma es de antología, además los extras del DVD son muy interesantes.

 

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Alpha Dog

ALPHA DOG (IDEM, EU, 2006)

Película infravalorada de Nick Cassavetes que de manera fría y documentalista nos muestra el secuestro y asesinato de un joven en los Estados Unidos, una historia nada fuera de lo común de no ser por las circunstancias en las que pasaron las cosas, primero se nos muestra a los personajes que parecen los típicos cliches y en la mayoría de los casos lo son pero que aquí son personas de carne y hueso, esas personas existen y efectivamente son cliches andantes y lo que es peor, son increíblemente estúpidos, Bruce Willis se mofa de un entrevistador porque pudo salvar a su hijo de la justicia y después vemos a todos los actores de la obra, el capo junior (Emile Hirsch), el drogadicto fiestero (Justin Timberlake), el hispano (Fernando Vargas), el "lamebotas" (Shawn Hatosy), los hermanos Markowitz, el drogadicto nazi Ben (Ben Foster, bien) y el pobre diablo adolescente Nick (Anton Yelchin) quien es la persona frente a lo que todo gira.

 

Ben le debe dinero y termina mal con el junior mafioso pero le amenaza conque esto es la guerra y que pagara su atrevimiento, nos damos cuenta que Ben es capaz de hacer trizas al junior y a sus gallitos e idiotas socios/guardaespaldas y el mismo narco lo sabe por lo que cuando ve al medio hermano de este lo secuestra para que Ben le pague lo que le debe, el chico no lo ve mal ya que esta peleado con sus padres y ve la oportunidad como una manera de irse de juerga, beber y fumar mucha mariguana, por desgracia el tratar tan bien al chico y que este no quiera escaparse les resultara contraproducente, con tantos testigos y con un secuestro a espaldas los tipos no saben que hacer y deciden matarlo mientras su hermano los busca como un energúmeno.

 

Lastima que por alguna extraña razón Ben salga de la ecuación y ya no aparezca (supongo que asi fueron los hechos que son enfermizamente seguidos por el director) pero el final donde suben a Nick a la camioneta y a su inevitable destino es una de las mejores escenas que he visto en el año, sabemos como terminara todo pero no queremos creerlo, el ver como el personaje de Timberlake le jura y perjura que no le pasara nada es increíble y ver como Nick se desmorona es formidable, sin duda lo mejor de la cinta, junto a cierta escena en la piscina donde Yelchin se saca la lotería con Amanda Seyfried y una amiga suya, asi como al epilogo donde tenemos el placer culpable de ver como pagan cada uno de los culpables mostrando que en el otro lado la justicia si existe, o por lo menos muchísimo más que aquí. Atención especial al enfermizo modo exacto en que nos es mostrado cada uno de los testigos que son muchísimos y que además en los extras del DVD viene la declaración de cada uno de ellos.

 

Calificación. Bastante Bien

Trailer: El Hobbit: La Desolación de Smaug

Después de la decepción de la primera parte de la trilogía solo queda esperar que por lo menos la segunda parte entretenga y que Peter Jackson no se pierda totalmente:

Cinecritica: Último Turno

ULTIMO TURNO (END OF WATCH, EU, 2012)

Al inicio de la cinta escuchamos la voz en off del entregado policía Brian (Jake Gyllenhaal) mientras se suscita una persecución que es grabada por la cámara de la patrulla y que culmina de manera brillante, después de esta descripción y con el mismo policía informándonos que tiene un proyecto donde debe grabar todo lo que le acontece día a día, incluyendo por lo visto hasta cuando no esta trabajando, la cosa no le parece a su igual de entregado compañero Mike (Michael Peña) pero se llevan tan bien en la clásica rutina de pareja dispareja que lo soporta, de hecho esto es lo mejor de la cinta, la combinación que logran los dos actores que funciona tan bien como la de otras parejas clásicas y con un inteligente sentido más actual y real, lastima que la manera en la que esta grabada sea lo que melle la calidad de la cinta.

 

Era obvio que el estilo documental llegara a todos los géneros habidos y por haber, por el momento el terror/horror es el que ha usado en mayor medida este medio pero se ha popularizado tanto que todos lo usaran y no exactamente por motivos artísticos o estilísticos, aquí David Ayer lo usa pero es obvio que lo hace por motivos económicos y se equivoca ampliamente porque si bien al principio parece funcionar al final resulta casi autoparódico, en primera porque la necedad de Brian de grabar todo es cansina y resulta forzada, en segunda porque Ayer abandona la formula cada vez que necesita o cada vez que se le olvida y asi de pronto vemos como entra en acción la cámara normal y nos quedamos ¿? y lo que es peor, de pronto seguimos con la cámara en mano pero nadie la carga, no es Brian, no esta en ninguna parte, pareciera que un fantasma tomo una cámara y decidió seguir grabando para ayudarle a Brian o para que nosotros no perdamos momentos pero es un error garrafal y una soberana estupidez.

 

Y lo peor de todo es que los actores hacen muy bien su trabajo, el ambiente es buenísimo, y el guión es terriblemente bueno a pesar de que abarque muchos cliches, los policías se enfrentan a los malos todos los días mientras filosofan y de pronto enojan a un narco con contactos en Sinaloa quienes son los que controlan a los grupos de pochos pandilleros de los Angeles, comenzando una guerra de la que obviamente no saldrán bien librados, de aquí violencia, una historia sórdida, compañerismo, balaceras y un final sacado de la manga funcionan solamente quebrados por ese recurso fílmico tan vano, aun asi Ayer lo hace bien, mucho mejor como guionista que como director y logra una cinta interesante de policías en los Angeles con un reparto exquisito donde sobresale Anna Kendrick que como siempre se roba cada escena en la que aparece, interesante cinta que merece un vistazo.

 

Calificación: Interesante

Cinecritica: Little Miss Sunshine

LITTLE MISS SUNSHINE (IDEM, EU, 2006)

Algunos ven en esta película esa dotación de cine independiente que al parecer forzosamente tiene que estar en los oscares, como si fuera la manera en que los amantes del cine independiente o "artístico" voltearan a ver los premios y les dieran valor, y aunque siempre hay alguna asi la verdad es que esta cinta es mucho mas, detrás de esa portada de presunción que le quieren poner esta una bonita road-movie de crecimiento personal y familiar en este caso que nunca toma caminos sencillos y que se niega al final fácil, los directores Jonathan Dayton y Valerie Faris grabaron la cinta sin estorbar en ningún momento y dando lugar a que los personajes tomaran el protagonismo al igual que los diálogos del inteligente guion de Michael Arndt.

 

Primero nos presentan a los personajes, el padre (Greg Kinnear) perdedor que habla de éxito, la madre (Toni Collette) que debe lidiar con las locuras de todos, el abuelo (Alan Arkin) drogadicto, el tio (Steve Carell) deprimido-suicida, el adolescente (Paul Dano) misantrópico finalmente la adorable niña (Abigail Breslin) regordeta que sueña con ganar un concurso de belleza, por azares del destino tienen que llevar a la niña al concurso del titulo donde se toparan con muchísimas situaciones que los llevaran al limite, asi poco a poco iran descubriendo que son perdedores y que nada augura que su suerte cambie, y se van destruyendo y odiando cada vez mas, o por lo menos eso parece pero sabemos que al final descubrirán que en realidad se aman y que este fatídico viaje es lo mejor que les pudo pasar.

 

Y nosotros los acompañamos en cada momento sufriendo y disfrutando lo mismo que ellos, al final cuando lleguen al concurso ya todos tendrán una meta en común y donde se muestran los mensajes de la cinta, claro que es una cinta de crecimiento personal-familiar, por supuesto que es una critica/parodia de esos terribles y horribles concursos de belleza para niñas que hacen perder la inocencia y que se ven enfermizos, pero por sobre todas las cosas es un llamado a no tener ese eslogan que el padre recita a cada segundo al inicio de la cinta, el mundo, todos aman a los exitosos, los perdedores son repudiados, quizá, pero lo importante de la vida no es ganar, es vivirla, es divertirse, es subirnos al escenario sin miedo como la pequeña Olive y mostrarle al mundo que no le tememos y que aunque pierdamos ante gente más talentosa o bonita siempre es importante aceptarnos y amarnos, un consejo cliché por supuesto, pero nunca esta de más y mostrado de esa manera no se puede repudiar, y menos con ese final.

 

Calificación: Bastante Bien

Lo Mejor del Mes: Noviembre 2013

El debut de un famoso personaje de terror, Brad Pitt contra los zombis, la versión original del museo de cera, una extraña reinterpretación, un homenaje zombiesco, una thriller chafita, otra de cortos de terror que no dan miedo, una de culto sobre caníbales, una de Corman, una copia edulcorada de "Invasión of the Body Snatchers" y la magnifica versión original de esta, la llegada de los Adams a la pantalla grande, una adaptación de Stephen King y una popular de casas malditas, otra de adaptaciones del gran Poe, la secuela de "Star Trek", la nueva locura de Danny Boyle, dos impresionantes cuasidocumentales, Cruise en una subvalorada cinta de ciencia ficción, la locura de la guía intergaláctico, la excelsa versión original de Django y un clásico animado como "El Rey Leon", eso fue lo que reseñe en el movidito mes pasado:

 

Lo Mejor..... "Invasión of the Body Snatchers" de Don Siegel, sin lugar a dudas la película paranoica suprema sobre dominación extraterrestre, desde el primer minuto te atrapa en una atmosfera de tensión, desconfianza y miedo que nunca disminuye sino que sigue en incremento hasta que simplemente la trama, el protagonista ni nosotros podemos mas.

 

Mención Honorifica..... "Django" de Sergio Corbucci, este es un western de verdad a diferencia de la simplona versión actualizada, aquí dejando es un cinico maton que arrastra un ataúd a cuestas mientras llega a un pueblo donde hara que los dos bandos paguen a perpetuidad no sin antes sufrir por su atrevimiento, ¡y esa banda sonora!

 

Segunda Mención Honorifica..... "The Lion King" de Rob Minkoff y Roger Allers, película que quito de mi mente que las cintas de Disney eran solo para niños, una historia shakesperiana con familiar villano en ristre, simbolismos raciales y hasta un robo a un anime/manga del maestro Tezuka ¿se puede pedir más desmadre y además bien hecho?