16/12/13

Cinecritica: En Tierra de Nadie

EN TIERRA DE NADIE (NO MAN'S LAND, BOSNIA Y HERZEGOVINA, 2001)
Peliculón debutante de Danis Tanovic que de forma increíblemente inteligente critica y parodia la guerra, la sociedad y los medios de comunicación, y lo que es mejor, lo hace sin tomar partido ni tratar de dar un mensaje o enseñar algo, sin imponernos ningún pensamiento salvo el de la estupidez humana que todos ya sabemos y conocemos de antemano, asi vemos a un grupo de soldados bosnios que son imbécilmente llevados como apoyo a través de la niebla para despertar siendo blanco de los serbobosnios que sin inmutarse los liquidan, pero en medio de la una trinchera en tierra de nadie, en medio de los dos frentes queda el resentido Ciki (Branco Duric, bien) como el único sobreviviente mientras una pareja de reconocimiento va a revisar si quedo alguien con vida, estos ponen una mina antipersona debajo de un cuerpo muerto y Ciki mata a uno de ellos y toma como rehén al otro, el novato Nino (Rene Bitorajac, bien) haciendo que haga lo que quiere, incluso el ridículo y recitándole porque su lado tiene la culpa.
 
Pero las cosas cambian cuando se dan cuenta que el cuerpo que esta sobre la mina sigue vive, el pobre y centrado Cera no puede moverse sin matarse y matar a los otros dos, ocasión que aprovecha Nino para revertir la situación y ver lo mismo pero del otro lado, al final deciden hacer una tregua tensionante y los dos lados deciden pedir ayuda a los cascos azules de la ONU para que salven a los sobrevivientes pero la realidad es que la ONU es la menos interesada en resolver el conflicto y cuando ya están ahí los soldados los obligan a retirarse sin ayudar a nadie, el conflicto moral del sargento Marchand (Georges Siatidis) se ve resuelto cuando una ambiciosa reportera lo intercepta y sabe todo lo ocurrido, cosa que Marchand aprovecha para explicarle el asunto y traer a todos los medios con lo que la ONU se vera obligada a hacer algo.
 
Por supuesto que ellos nunca quedaran mal y aunque no puedan o no quieran salvar a los soldados arman un circo mediático para convencer a los medios y además poner mal a los dos países en conflicto dejándolos peor ante los ojos del mundo, asi que en medio de las peleas de los dos soldados, la malicia de la ONU, la ambición de EU, y el amarillismo de la prensa queda en contexto que la guerra obviamente es una estupidez pero que muchos salen beneficiados con ella, además eso es algo que esta en la mente de todos nosotros pero la critica social es feroz y no deja títere con cabeza ni toma bando, los soldados ni siquiera saben quien empezó, quien tuvo la culpa o porque están en guerra, por ahí se descubren unos lazos fraternales que terminan en drama debido a la terquedad, la ignorancia y el rencor de los humanos, y más aun vemos como la prensa solo quiere dinero, como busca la nota sensacionalista o como manipula las cosas para mostrar lo que les conviene y quieren cuando lo que menos les importa son las personas, ni que decir del armamentismo feroz y la ONU que es tratada como lo que es, la cuna principal de todos los problemas actuales, un lobo hambriento con piel de oveja.
 
Calificación: Muy Bien

15/12/13

Cinecritica: Camelot

CAMELOT (IDEM, EU, 1967)
El director experto en musicales de Broadway Joshua Logan no había dirigido uno en Hollywood hasta este que no fue tan bien recibido, pero anteriormente había entregado cintas muy buenas que no tenían nada que ver con musicales y eso que fue llevado al cine casi a la fuerza debido a una enfermedad del maestro John Ford, aunque esta adaptación del musical Camelot es prácticamente igual a su homónimo en el teatro no funciona tan bien en el cine, supongo que principalmente debido a su larga duración y a que reutiliza algunas canciones que no son precisamente muy buenas, aunque le fue bastante bien en las premiaciones y hasta gano premios por su banda sonora cuando se supone que no podría ya que la música ya estaba hecha para la obra musical, y por otro lado a pesar de lo que dije a mi me gusto pero los musicales son una debilidad personal y por ello señalo la duración, se que no cualquiera aguanta tres horas de un musical que además no tiene bailables ni grandes coreografías.
 
Justamente eso es lo que se extraña, da la sensación de que uno esta viendo una obra de teatro y aunque eso suponga que es muy fiel a su fuente original uno siente que se desperdicia la oportunidad de hacerla más fílmica y dejar de enfocarse en primeros planos, close-ups, o tener a una o dos personas únicamente en escena, la historia todo mundo la conoce, el triangulo amoroso entre el rey Arturo (Richard Harris, bien), la bella Guinevere (joven y bella Vanessa Redgrave) y el perfecto caballero Camelot (Franco Nero irreconocible), al inicio vemos como el Rey Arturo esta en medio de una batalla por su honor que no le trae nada bueno ni a él, ni a sus seres amados, ni a su reino, se lamenta de como comenzó esto y recuerda cuando conocio a Merlin, a Guinevere, como hizo el reino de Camelot que por sus ideales y maneras parece el pueblo más avanzado de la actualidad y como el orgulloso, soberbio y puritano Lancelot llego a entregar su vida por el rey.

Pero aqui lo más importante es la musica, es decir los numeros musicales que son el alma y la forma de la cinta, y aquí es donde la cosa se siente más quebrada que nunca, la presentación de donde estará el rey es un tema débil, mejor el siguiente de Camelot pero quizá se usa en demasia (también se cierra con el), en realidad lo mejor viene de la mano de Lancelot, primero presentándose con la divertida "C'est Moi" donde conocemos la arrogancia del personaje y después con la mejor de toda la cinta "If Ever I Would Leave You" que es una canción de esas que quedan en la mente, junto a ellas hay algunas otras divertidas como en la que se enumeran que hara la prole como dijera la familia Peña Nieto pero la mayoría son inconsistentes o se olvidan en un segundo, algo imperdonable en una cinta musical que además solo tiene una canción de coro "Guinevere", aun asi el reparto y ciertos momentos valen mucho la pena, yo vi la versión original de casi tres horas asi que no se que tanto cambie con la versión recortada de una hora menos.

Calificación: Bien

Cinecritica: Invencible

INVENCIBLE (INVINCIBLE, EU, 2006)
El debut de Ericson Core es de esas películas estilo Disney en las que se usa el éxito inesperado en el deporte para mostrarnos algunos mensajes de crecimiento y superación personal, especialmente estos son preferibles para los niños y en la mayoría de los casos son tan chantajistas y efectivos que hasta desesperan pero tienen cierta magia, en esta ocasión la historia no es precisamente para chamacos y el director tiene una dirección tan artesanal y funcional que ayuda bastante a su visionado, la cinta cuenta la historia de Vince Papale (Mark Wahlberg) una especie de Rocky de la vida real que en los setenta paso de ser un mesero en cierto bar de mala muerte a convertirse en el símbolo de la esperanza de las águilas de Philadelphia por el amor que le tenia al equipo (es un fanatico empedernido) y por las ganas que tenia de trascender.
 
Al parecer las águilas de Philadelphia tienen una racha terriblemente mala y nada parece salvarlos de tener que sufrir vergüenzas temporada tras temporada, la directiva se anima con entrenador novato (Greg Kinnear) al que le ha ido bien en ligas estudiantiles que no comienza bien la temporada pero que se arriesga llamando a cualquiera que quiera ir a probar suerte para ver si puede formar parte del equipo, esto lo hace para levantar el espíritu de los fanáticos pero se encuentra con un diamante en bruto, Papale que fue jugador esudiantil y que todavía mantiene buenos tiempos y calidad, el mesero no cree lograr nada pero es llamado y queda en espera del recorte final donde hasta el entrenador quiere cortarlo, pero que empieza a dudar cuando ve sus espíritu, sus ganas y el amor por la camiseta, algo que las estrellas del equipo no tienen.
 
Al mismo tiempo que lidia con esto trata de llevar una relación con una fanática de los Giants, la mesera Janet (Elizabeth Banks haciendo algo que le queda bien), recuperando la relación con su padre, superando el divorcio con su mujer, y resistir las envidias y problemas de sus compañeros y amigos, al final lo que sucederá es obvio pero esos minutos finales y con ese touchdown inventado uno siente que todo es posible y que la cinta funciona, por lo menos dice su discurso de manera convincente y ver en los créditos al verdadero Papale luchar a sus mas de treinta con toda el alma es de antología, además los extras del DVD son muy interesantes.
 
Calificación: Vale la Pena

14/12/13

Cinecritica: Alpha Dog

ALPHA DOG (IDEM, EU, 2006)
Película infravalorada de Nick Cassavetes que de manera fría y documentalista nos muestra el secuestro y asesinato de un joven en los Estados Unidos, una historia nada fuera de lo común de no ser por las circunstancias en las que pasaron las cosas, primero se nos muestra a los personajes que parecen los típicos cliches y en la mayoría de los casos lo son pero que aquí son personas de carne y hueso, esas personas existen y efectivamente son cliches andantes y lo que es peor, son increíblemente estúpidos, Bruce Willis se mofa de un entrevistador porque pudo salvar a su hijo de la justicia y después vemos a todos los actores de la obra, el capo junior (Emile Hirsch), el drogadicto fiestero (Justin Timberlake), el hispano (Fernando Vargas), el "lamebotas" (Shawn Hatosy), los hermanos Markowitz, el drogadicto nazi Ben (Ben Foster, bien) y el pobre diablo adolescente Nick (Anton Yelchin) quien es la persona frente a lo que todo gira.
 
Ben le debe dinero y termina mal con el junior mafioso pero le amenaza conque esto es la guerra y que pagara su atrevimiento, nos damos cuenta que Ben es capaz de hacer trizas al junior y a sus gallitos e idiotas socios/guardaespaldas y el mismo narco lo sabe por lo que cuando ve al medio hermano de este lo secuestra para que Ben le pague lo que le debe, el chico no lo ve mal ya que esta peleado con sus padres y ve la oportunidad como una manera de irse de juerga, beber y fumar mucha mariguana, por desgracia el tratar tan bien al chico y que este no quiera escaparse les resultara contraproducente, con tantos testigos y con un secuestro a espaldas los tipos no saben que hacer y deciden matarlo mientras su hermano los busca como un energúmeno.
 
Lastima que por alguna extraña razón Ben salga de la ecuación y ya no aparezca (supongo que asi fueron los hechos que son enfermizamente seguidos por el director) pero el final donde suben a Nick a la camioneta y a su inevitable destino es una de las mejores escenas que he visto en el año, sabemos como terminara todo pero no queremos creerlo, el ver como el personaje de Timberlake le jura y perjura que no le pasara nada es increíble y ver como Nick se desmorona es formidable, sin duda lo mejor de la cinta, junto a cierta escena en la piscina donde Yelchin se saca la lotería con Amanda Seyfried y una amiga suya, asi como al epilogo donde tenemos el placer culpable de ver como pagan cada uno de los culpables mostrando que en el otro lado la justicia si existe, o por lo menos muchísimo más que aquí. Atención especial al enfermizo modo exacto en que nos es mostrado cada uno de los testigos que son muchísimos y que además en los extras del DVD viene la declaración de cada uno de ellos.
 
Calificación. Bastante Bien

Trailer: El Hobbit: La Desolación de Smaug

Después de la decepción de la primera parte de la trilogía solo queda esperar que por lo menos la segunda parte entretenga y que Peter Jackson no se pierda totalmente:


13/12/13

Cinecritica: Último Turno

ULTIMO TURNO (END OF WATCH, EU, 2012)
Al inicio de la cinta escuchamos la voz en off del entregado policía Brian (Jake Gyllenhaal) mientras se suscita una persecución que es grabada por la cámara de la patrulla y que culmina de manera brillante, después de esta descripción y con el mismo policía informándonos que tiene un proyecto donde debe grabar todo lo que le acontece día a día, incluyendo por lo visto hasta cuando no esta trabajando, la cosa no le parece a su igual de entregado compañero Mike (Michael Peña) pero se llevan tan bien en la clásica rutina de pareja dispareja que lo soporta, de hecho esto es lo mejor de la cinta, la combinación que logran los dos actores que funciona tan bien como la de otras parejas clásicas y con un inteligente sentido más actual y real, lastima que la manera en la que esta grabada sea lo que melle la calidad de la cinta.
 
Era obvio que el estilo documental llegara a todos los géneros habidos y por haber, por el momento el terror/horror es el que ha usado en mayor medida este medio pero se ha popularizado tanto que todos lo usaran y no exactamente por motivos artísticos o estilísticos, aquí David Ayer lo usa pero es obvio que lo hace por motivos económicos y se equivoca ampliamente porque si bien al principio parece funcionar al final resulta casi autoparódico, en primera porque la necedad de Brian de grabar todo es cansina y resulta forzada, en segunda porque Ayer abandona la formula cada vez que necesita o cada vez que se le olvida y asi de pronto vemos como entra en acción la cámara normal y nos quedamos ¿? y lo que es peor, de pronto seguimos con la cámara en mano pero nadie la carga, no es Brian, no esta en ninguna parte, pareciera que un fantasma tomo una cámara y decidió seguir grabando para ayudarle a Brian o para que nosotros no perdamos momentos pero es un error garrafal y una soberana estupidez.
 
Y lo peor de todo es que los actores hacen muy bien su trabajo, el ambiente es buenísimo, y el guión es terriblemente bueno a pesar de que abarque muchos cliches, los policías se enfrentan a los malos todos los días mientras filosofan y de pronto enojan a un narco con contactos en Sinaloa quienes son los que controlan a los grupos de pochos pandilleros de los Angeles, comenzando una guerra de la que obviamente no saldrán bien librados, de aquí violencia, una historia sórdida, compañerismo, balaceras y un final sacado de la manga funcionan solamente quebrados por ese recurso fílmico tan vano, aun asi Ayer lo hace bien, mucho mejor como guionista que como director y logra una cinta interesante de policías en los Angeles con un reparto exquisito donde sobresale Anna Kendrick que como siempre se roba cada escena en la que aparece, interesante cinta que merece un vistazo.
 
Calificación: Interesante

12/12/13

Cinecritica: Little Miss Sunshine

LITTLE MISS SUNSHINE (IDEM, EU, 2006)
Algunos ven en esta película esa dotación de cine independiente que al parecer forzosamente tiene que estar en los oscares, como si fuera la manera en que los amantes del cine independiente o "artístico" voltearan a ver los premios y les dieran valor, y aunque siempre hay alguna asi la verdad es que esta cinta es mucho mas, detrás de esa portada de presunción que le quieren poner esta una bonita road-movie de crecimiento personal y familiar en este caso que nunca toma caminos sencillos y que se niega al final fácil, los directores Jonathan Dayton y Valerie Faris grabaron la cinta sin estorbar en ningún momento y dando lugar a que los personajes tomaran el protagonismo al igual que los diálogos del inteligente guion de Michael Arndt.
 
Primero nos presentan a los personajes, el padre (Greg Kinnear) perdedor que habla de éxito, la madre (Toni Collette) que debe lidiar con las locuras de todos, el abuelo (Alan Arkin) drogadicto, el tio (Steve Carell) deprimido-suicida, el adolescente (Paul Dano) misantrópico finalmente la adorable niña (Abigail Breslin) regordeta que sueña con ganar un concurso de belleza, por azares del destino tienen que llevar a la niña al concurso del titulo donde se toparan con muchísimas situaciones que los llevaran al limite, asi poco a poco iran descubriendo que son perdedores y que nada augura que su suerte cambie, y se van destruyendo y odiando cada vez mas, o por lo menos eso parece pero sabemos que al final descubrirán que en realidad se aman y que este fatídico viaje es lo mejor que les pudo pasar.
 
Y nosotros los acompañamos en cada momento sufriendo y disfrutando lo mismo que ellos, al final cuando lleguen al concurso ya todos tendrán una meta en común y donde se muestran los mensajes de la cinta, claro que es una cinta de crecimiento personal-familiar, por supuesto que es una critica/parodia de esos terribles y horribles concursos de belleza para niñas que hacen perder la inocencia y que se ven enfermizos, pero por sobre todas las cosas es un llamado a no tener ese eslogan que el padre recita a cada segundo al inicio de la cinta, el mundo, todos aman a los exitosos, los perdedores son repudiados, quizá, pero lo importante de la vida no es ganar, es vivirla, es divertirse, es subirnos al escenario sin miedo como la pequeña Olive y mostrarle al mundo que no le tememos y que aunque pierdamos ante gente más talentosa o bonita siempre es importante aceptarnos y amarnos, un consejo cliché por supuesto, pero nunca esta de más y mostrado de esa manera no se puede repudiar, y menos con ese final.
 
Calificación: Bastante Bien

5/12/13

Lo Mejor del Mes: Noviembre 2013

El debut de un famoso personaje de terror, Brad Pitt contra los zombis, la versión original del museo de cera, una extraña reinterpretación, un homenaje zombiesco, una thriller chafita, otra de cortos de terror que no dan miedo, una de culto sobre caníbales, una de Corman, una copia edulcorada de "Invasión of the Body Snatchers" y la magnifica versión original de esta, la llegada de los Adams a la pantalla grande, una adaptación de Stephen King y una popular de casas malditas, otra de adaptaciones del gran Poe, la secuela de "Star Trek", la nueva locura de Danny Boyle, dos impresionantes cuasidocumentales, Cruise en una subvalorada cinta de ciencia ficción, la locura de la guía intergaláctico, la excelsa versión original de Django y un clásico animado como "El Rey Leon", eso fue lo que reseñe en el movidito mes pasado:
 
Lo Mejor..... "Invasión of the Body Snatchers" de Don Siegel, sin lugar a dudas la película paranoica suprema sobre dominación extraterrestre, desde el primer minuto te atrapa en una atmosfera de tensión, desconfianza y miedo que nunca disminuye sino que sigue en incremento hasta que simplemente la trama, el protagonista ni nosotros podemos mas.
 
Mención Honorifica..... "Django" de Sergio Corbucci, este es un western de verdad a diferencia de la simplona versión actualizada, aquí dejando es un cinico maton que arrastra un ataúd a cuestas mientras llega a un pueblo donde hara que los dos bandos paguen a perpetuidad no sin antes sufrir por su atrevimiento, ¡y esa banda sonora!
 
Segunda Mención Honorifica..... "The Lion King" de Rob Minkoff y Roger Allers, película que quito de mi mente que las cintas de Disney eran solo para niños, una historia shakesperiana con familiar villano en ristre, simbolismos raciales y hasta un robo a un anime/manga del maestro Tezuka ¿se puede pedir más desmadre y además bien hecho?

30/11/13

Cinecritica: La Invasión de los Usurpadores de Cuerpos

LA INVASIÓN DE LOS USURPADORES DE CUERPOS (INVASION OF THE BODY SNATCHERS, EU, 1956)
Obra maestra de Don Siegel, joya del genero de ciencia ficción que no solo es la mejor versión del libro sino que además ha sido copiada hasta la saciedad, el simbolismo de la cinta es impresionante y aunque uno sabe que es debido al anticomunismo que impregnaba Estados Unidos solo que esta vez esta tan bien tratado que uno sigue sintiendo el miedo, y por supuesto el hecho de que Don Siegel logro una atmosfera tan pesada y claustrofóbica hacen que siga siendo actual, además en esta época de paranoia por aquí y por alla su poderosa premisa es más valida que nunca en estos tiempos en que todos temen por causa de los ataques terroristas y los extremistas que aparecen por aquí y por alla, justo en estos tiempos en que nadie confía en nadie y donde el enemigo esta en el vecino, en el mejor amigo, en la familia o en la pareja es donde funciona mejor la premisa del titulo, y no solo es que pensemos que nos quieran matar o que tengan ideas revolucionarias o diferentes, el puro hecho de querer afectarnos con tantas herramientas actuales hacen que nuestra existencia actual sea total y absoluta paranoia.

Por supuesto en los cincuenta con la cacería de brujas y el anticomunismo que existía en los Estados Unidos y en general en todo el planeta la película representa los miedos con los que vivían las personas, y más aun al constatar que el peligro podría venir de adentro, claro que también pudiera representar lo contrario, una mofa al exagero temor de la sociedad, cualquiera de ellas no es algo raro en la ciencia ficción de la época pero quizá nadie lo hizo mejor y tan pronto. El Dr. Miles J. Bennell (Kevin McCarthy, perfecto) regresa al pueblo de Santa Mira, California después de asistir a un simposio para enterarse de que muchas personas lo buscaban desesperadamente, extrañamente nadie le da importancia a que lo buscaban y que todo fue resuelto, además algunos lugareños se comportan de manera extraña, insisten en que sus familiares y/o amigos no son ellos sino que han sido remplazados, cosa que Miles no puede creer, los ha visto, ha conversado con ellos y son lo más normal que podrían ser, pero tantos eventos lo ponen en alerta, intentando dejar eso de lado para reconquistar a su antiguo amor Becky (Dana Wynter) Miles se topa cada vez con más pruebas hasta que unos amigos interrumpen una cita para mostrarle un extraño cuerpo que en lugar de un muerto parece una versión borrador del anfitrión de la casa.

 El cuerpo se levanta, Miles encuentra otro igual a Becky en casa de ella, Becky esta convencida del cambio de su padre, los extraños cambios de la noche a la mañana de las personas que sospechaban, todo hace que Miles se convenza y más cuando unas extrañas vainas rebelen su lúgubre contenido, de aquí en adelante Miles intentara escapar junto a la bella Becky mientras son buscados y perseguidos por todo el pueblo y sin poder dormir ya que las extrañas vainas alienígenas se apoderan de ellos cuando duermen, Miles descubre sus planes y se enfrenta a ellos para llegar a un desenlace pesadillesco del que es mejor no decir nada, un clímax y final memorable para una cinta también memorable. De lo mejor de la ciencia ficción, de los cincuenta y de su talentoso director que usa todos los recursos cinematográficos a su alcance y entrega una cinta tan entretenida como tensionante y emocionante, impecable la manera en que va construyendo el relato, nos llena de angustia, de tensión, de miedo, de una sensación de claustrofobia y soledad pocas veces vista, con un ritmo impresionante y uno de los mejores héroes protagonistas que me ha tocado ver, la fotografía y la banda sonora están a la altura, y además tiene una clase que no es normal encontrar en el genero, y un romance de esos clásicos que tanto me gustan y que le da todavía más valía a la cinta, a mi entender imprescindible para conocer los derroteros del genero y el nacimiento de un subgénero cinematográfico explotado hasta la saciedad, una de esas joyas paranoicas que como "The Thing" del maestro Carpenter parecen cada vez más actuales y por ello más angustiosas.

 Calificación: Excelente

Cinecritica: El Rey León

EL REY LEÓN (THE LION KING, EU, 1994)
El sol sale en el horizonte y comienza a sonar "Circle of Life" de Hans Zimmer en su banda sonora ganadora del oscar mientras la vida animada nos es presentada con la poderosa letra de Elton John y Tim Rice y que nos dice de manera inmediata de que trata la cinta, el poderoso e inacabable circulo de la vida donde todo se repite pero siempre de manera diferente pero igualmente hermosa, en ella vemos el majestuoso manejo de cinematografía por parte de los directores Roger Allers y Rob Minkoff que aquí entregarían su obra mayor, enmarcada por un ambiente colorido y realista que siempre juega con los simbolismos y que le da un preciosismo a los fotogramas que nos quedan grabados en memoria y pupila con esa historia shakesperiana que nunca deja de ser actual, aquí los bellos colores, los expresivos animales, los fluidos movimientos, los pulcros encuadres, y esa magnifica banda sonora retumban en tanto el mono cura/brujo/chaman Rafiki (voz de Robert Guillaume) levanta a Simba para presentarlo ante los súbditos pero también ante la naturaleza e incluso ¿Dios? con esa luz que llega de los cielos para aceptarlo y hacerlo mas visible a los demas.

Todo esto desde antes de que nos sea presentado el titulo de la película, pero desde entonces sabemos que estamos ante algo grande y portentoso, de aquí se nos presenta de manera precisa al villano, el pedante pero simpático Scar (fabuloso Jeremy Irons) que parece ser débil pero es inmensamente cerebral al tiempo que es burlón y sardónico, una maravilla de villano que poco a poco nos muestra que tiene muchas mas capaz de las que suponíamos, por el otro lado el mimado juniorsillo Simba (Jonathan Taylor Thomas) aprende de su sabio padre Mufasa (la potente voz de James Earl Jones) que ser rey no es solo hacer lo que quieres sino mantener el equilibrio y reinar con sabiduría y humildad, algo que Simba aprenderá a la mala cuando sea engañado para cruzar los limites del reino y enfrentarse a las mortales y desternillantes hienas Shenzi (Whoopi Golberg), Banzai (Cheech Marin) y Ed (Jim Cummings) que no entienden de equilibrio y se comportan como parásitos.


Esto es aprovechado por Scar que planea un cruel plan que lo lleva al reinado y la destrucción de Simba no solo en cuestión física sino espiritual y mentalmente, lo que lo lleva a huir y ser rescatado por Timon (Nathan Lane) y Pumbaa (Ernie Sabella), unos hippies que viven al margen de la sociedad y que le enseñan a no preocuparse con la iconica canción "Hakuna Matata", para finalmente ser encontrado por casualidad por Nala (voz de Moira Kelly) quien no entiende su renuncia a enfrentar su destino y el mismo Rafiki que gracias al aroma lo encuentra y le ayuda a encontrarse a si mismo con una epifanía personal en forma del espíritu de su padre y sabias palabras que lo empujan a enfrentarse a su presente confrontando su pasado. Esta versión de Hamlet en clave animada con animales funciona perfectamente, el hacerlo un musical es maravilloso porque los números no solo estan ahi para ser pegajosos o verse bien ya que son clave en el filme, y esos homenajes/guiños/robos a "Kimba el León Blanco" del dios del manga Ozamu Tezuka funcionan por mas que uno sepa de donde vienen.


En pocas palabras estamos ante una de las mejores cintas animadas de la casa Disney, una maravilla que en su tiempo dejo quijadas abiertas con el uso de su animación, estética y movimiento, que nos deja una historia fuerte que habla sobre la familia, la traición, la muerte, el sexo, la complejidad de la paternidad, la culpa, y por supuesto el equilibrio del ciclo de la vida, algo muy valioso ya que la cinta aunque es para pequeños nos entrega estos mensajes de vida, los niños no son tontos y desde temprana edad perciben estos temas así que ¿que mejor que dárselos en un drama doloroso y donde vemos una madurez difícil? Desde el uso de colores, los movimientos y ese ritmo perfecto que siempre nos tiene al filo de la butaca, el Rey León es un clásico inmortal, la mejor cinta animada de Disney de los noventa, lo que no es poca cosa ya que no ha alcanzado esa calidad en décadas recientes, si a esto le sumamos un elenco de voces extraordinario y la facilidad de usar clichés cuando todavía se podía tenemos una historia que entendemos rápidamente y que por ello podemos perdernos con mas facilidad en ella.


Llegando a esto tenemos los simbolismos, que en esta cinta estan a mansalva, tanto el bautizo ya escrito como muchos mas, la revelación en las nubes de Mufasa a Simba que no es otra cosa que su epifanía personal, el enamoramiento de Simba y Nala con la hermosa "Can You Feel the Love Tonight", y las demas canciones, desde la majestuosa "Circle of Life" que engloba el mensaje de la cinta, la juguetona "I Just  Can't Wait to Be King" donde vemos el defecto de Simba, en esta el mundo cambia a su modo de ver, un mundo inmaduro donde todo puede pasar y hasta los colores se ven diferentes, en este mas que un rey él es una estrella, algo parecido a "Be Prepared" donde vemos como el carácter de Scar es retratado perfectamente, un tirano vil y egocéntrico que se ve a si mismo como un elegido, algo que se nota en esa canción con coros de las hienas y el mismo dando a conocer su plan para despues perderse en un compendio de flores vanagloriándose de si mismo, es decir su punto débil, y por supuesto todo esto mostrado con la perdida de físicas, despues de todo el mismo Scar esta perdiendo el piso, ¿que mejor que hacerlo ver literalmente? y bueno, ese momento nazi es genial, hablando de las hienas otro simbolismo ahi, una es negra, la otra latina y finalmente un tipo con problemas mentales, me refiero a los acentos y estereotipos, diciendo que los enemigos del reino son los extranjeros que viven en las afueras del reino, esos negros, latinos e indeseables que no se llenan con nada y que no entienden el ciclo de la vida, una idea dolorosa pero que viendo la situacion en México y estando pegados a EU no queda mas que darles la razón, también los cambios de los temas dando mas fuerza y cambiándolos de acuerdo a la situacion, la evolución del tema de Simba, detalles que solo enriquecen una cinta que es una maravilla y que vive en los anales del cine 


Calificación: Excelente